Seis famosas escenas de películas que se grabaron de pura chiripa

20 noviembre 2012 - 12:49 - Autor: Iñaki Berazaluce

En la escena más emblemática de ‘Sospechosos habituales’, la rueda de reconocimiento, los cinco protagonistas de la película se tronchan de la risa, mientras se burlan de los policías al otro lado del cristal. En realidad, el guion no incluía toda esa jacaranda, pero Benicio del Toro empezó a peerse en la vitrina, para hacer reír al inmutable Gabriel Byrne, lo que provocó las carcajadas del resto de los sospechosos.
Pero lo de los sospechosos no es nada comparado con la apropiación indebida del filibustero John Liu, que incluyó un accidente real de avioneta en el metraje de ‘Made in China’, nuestra aportación particular a la fantástica recopilación realizada por Cracked.

1. ‘El Padrino’: El apropiado nerviosismo de Luca Brasi



Qué se suponía que pasaba:
Durante el rodaje de ‘El Padrino’ Francis Ford Coppola necesitaba un tipo gigantesco e intimidante para el papel de Luca Brasi, uno de los subalternos de Don Corleone. Su hombre lo encontró en uno de los guardaespaldas de auténticos gangsters que frecuentaban el estudio de grabación, el gigantesco Lenny Montana, de profesión matón.
El feliz accidente:
Montana estaba tan nervioso de estar en la misma habitación con una leyenda como Marlon Brando que fue incapaz de vocalizar correctamente su breve discurso, atropellándose y tartamudeando al dirigirse al Padrino, exactamente como requería la escena. Para añadir más énfasis, Coppola añadió un plano extra previo en el que Luca Brasi ensaya sus (torpes) palabras en el exterior de la casa.

2. ‘Sospechosos habituales’: El reconocimiento pretendía ser serio

Qué se suponía que pasaba:
Cada uno de los cinco sospechosos tenía que decir la misma frase en la rueda de reconocimiento: “Dame las putas llaves, maldito bastardo”.
El feliz accidente:
Según cuentan los extras del DVD de la película, durante la escena Benicio del Toro estuvo “todo el tiempo flatulento”, intentando que Gabriel Byrne (segundo por la derecha, intentando contener la risa) aparcara su gesto adusto. Incapaz de controlar a sus actores, el director decidió incluir la escena en el corte final e hizo bien: la química (de metano, eso sí) que rezuman los cinco protagonistas –desconocidos en aquel momento- explica que se decidan a llevar el robo todos juntos.

‘Made in China’: Cómo aprovechar un accidente para añadir morbo a tu película


Qué se suponía que pasaba:
En el caso de ‘Made in China’ (‘Ai man niu huo bing gong fu lian’, 1982), hablar de guion es una tropelía porque en realidad se trata de “un collage aleatorio, diseñado a partir de distintas películas que nunca terminó, lo que da lugar a un galimatías mongolizante”, según la contunde crítica de Fuera de Campo.
El (in)feliz accidente:
El equipo de rodaje de esta inusual coproducción entre España y Japón estaba embarcando en el aeropuerto de Palma de Mallorca cuando una avioneta se estrelló delante de sus narices. El director John Liu y sus secuaces grabaron los cadáveres carbonizados de los dos turistas alemanes fallecidos en el accidente y los metieron con calzador en el “mongolizante” argumento de ‘Made in China’, una snuff movie por accidente, cuenta El Blog Ausente.

‘Cowboy de medianoche’: El taxista que casi atropella a los protagonistas

Qué se suponía que pasaba:
El equipo de rodaje de ‘Cowboy de medianoche’ no tenía permiso de ídem en Nueva York, así que las escenas de exteriores se rodaban con una cámara oculta.
El feliz accidente:
Después de 15 tomas fallidas de los protagonistas caminando por Manhattan, un taxi se saltó un semáforo y estuvo a punto de atropellar a Dustin Hoffman y John Voigh. Hoffman reaccionó violentamente y le espetó al peseta (dólar): “I’m walkin’ here!” (“¡Estoy andando aquí!”), que se convirtió en una de las escenas más recordadas del clásico.

‘El Señor de los Anillos’: Patada a seguir de Viggo Mortensen


Qué se suponía que pasaba:
Viggo Mortensen fue un recambio de última hora para encarnar el papel de Aragorn en la versión cinematográfica de la trilogía de Tolkien, y acabó convirtiéndose en el personaje más importante de la saga, en parte porque no siempre esta actuando…
El feliz accidente:
En una escena de ‘Las dos torres’ Aragorn y sus compinches encuentran lo que creen que son los cadáveres de dos hobbits, a lo que éste reacciona arreándole un fuerte puntapié a la cabeza de un orco. Del golpe, Mortensen se rompió dos dedos del pie de la patada y cae de rodillas del dolor. Con muy buen criterio, Peter Jackson decidió incluir la escena en el corte final.

‘Cómo ser John Malkovich’: Un extra borracho ataca a Malkovich



Qué se suponía que pasaba:
En ‘Cómo ser John Malkovich’, un marionetista interpretado por John Cusack consigue una puerta para entrar en la cabeza de John Malkovich y monta un negocio cobrando a la gente por asomarse durante 15 minutos a sus ojos.
El feliz accidente:
Durante el rodaje de una escena nocturna, los extras pasaron el rato tomando cervezas, demasiadas cervezas. Uno de ellos, creyendo que participaba en alguna comedia adolescente de los 80, lanzó a la estrella una lata de cerveza que le impactó en toda su calva testa mientras le gritaba: “¡Ey, Malkovich,  piensa deprisa!, según cuenta el director Spike Jonze.


Artículo original en Cracked. Aliñado con ingredientes de Absence y Fuera de Campo.

Más extraño que la ficción: 10 películas basadas en hechos reales casi inverosímiles

16 octubre 2012 - 10:07 - Autor: viruete

El exitoso y un tanto agitado estreno de ‘Lo Imposible’, basada en la historia real de una familia que sobrevive al devastador tsunami de 2004, vuelve a demostrar aquello de que “la realidad supera a la ficción”. O al menos, que la propia vida está repleta de grandes historias que, con un poquito de ayuda de un guionista, puede conseguir interesar al mundo entero.
Pero claro: no es lo mismo una de estas historias de “interés humano” que, por ejemplo, hacer un biopic a partir de leer que un ex-marine israelí ha montado una peluquería en Nueva York. Y sin embargo sucede. Curiosamente, algunos han acusado a las películas de esta lista de fantasiosas… pero todas tienen una base muy real.


 

Título: ‘La serpiente y el arco iris‘
Género: Terror
Argumento: Un antropólogo visita Haití buscando el secreto de una sustancia anestesiante. Acabará bajo los efectos del vudú, convertido en un zombie y enterrado vivo.
¿Por qué es inverosímil? Porque la historia real habla de… ¡un verdadero zombie! Clairvius Narcisse, fue declarado muerto y enterrado en 1962. En 1978 apareció de nuevo rondando por su barrio: los maestros del vudú le castigaron por romper sus reglas. Una droga elaborada por uno de sus sacerdotes había disminuido sus funciones vitales hasta el punto de parecer muerto. Al poco de enterrarle, dicho sacerdote le rescató de la tumba y le utilizó como esclavo durante unos años, manteniéndole totalmente atontado mediante diferentes drogas.  

Título: ‘El Exorcismo de Emily Rose‘
Género: Terror
Argumento: Un sacerdote es acusado de asesinato en un caso conectado con el exorcismo de una joven.
¿Por qué es inverosímil? Ya el primer exorcista estaba basado en un exorcismo real. Pero en este caso tenemos una variedad algo retorcida: ¡un juicio en torno a un exorcismo! Y así sucedió en la vida real, donde Anneliese Michel, una mujer agnóstica, sufrió una “posesión” diabólica y murió donde el exorcismo, con un largo y controvertido juicio donde el sacerdote era acusado de homicidio por negligencia. Para mucho, Anneliese Michel es una santa moderna que pago por redimir a los sacerdotes



Título: ‘Elegidos para el triunfo’
Género: Comedia deportiva
Argumento: Un equipo jamaicano de Bobsleight pretende competir en las olimpiadas de invierno. Serán guiados por un antiguo deportista americano, que gracias a ellos recupera la ilusión por el deporte.
¿Por qué es inverosímil? ¿Unos jamaicanos compitiendo en un deporte de hielo? ¡Eso no se lo creen ni en Hollywood! Salvo que sucedió de verdad, claro. En 1988 Jamaica se clasificó para las olimpiadas de invierno en esta especialidad. Pero mientras que en la película desarrollaban una rivalidad con los competidores de otros países y eran asesorados por un americano, en la vida real todos los otros equipos apoyaron y asesoraron a los jamaicanos, llegando a prestarles partes necesarias para sus trineos.




Título: ‘El Experimento’
Género: Drama
Argumento: En Alemania se elabora un experimento de sociología con voluntarios. En una falsa prisión, 10 de ellos serán carceleros y otros 10 prisioneros. Todos acabarán por tomarse demasiado en serio su papel.
¿Por qué es inverosímil? ¿Existe gente capaz de llegar tan lejos en un experimento científico tan retorcido? Existen, puesto que todo esto sucedió en Alemania en 1971, en la prisión de Stanford, el cual fue cancelado tras una semana cuando se les fue de las manos. Hay que decir que el film se estrenó justo cuando apareció  ‘Gran Hermano ‘y programas similares… ¿Quién sabe si se inspiraron también en esta historia?



Título: ‘Atrápame si puedes’
Género: Intriga y aventuras
Argumento: Un joven farsante amasa una fortuna haciéndose pasar por abogado, piloto de una línea aérea y hasta agente secreto.
¿Por qué es inverosímil? La gente no es tonta, y un tipo que se hace pasar por todas esas cosas sin tener titulación ni preparación sería atrapado. ¿Verdad? Pues no. Frank Abagnale Jr consiguió robar varios millones de dólares a base de hacerse pasar por todos estos personajes, a base de falsificar cheques. Aunque no llegó a pilotar ningún avión, llegó a ejercer de abogado y hasta de pediatra.



Título: ‘Cocodrilo, un asesino en serie’
Género: Terror
Argumento: Los rumores de la existencia de un cocodrilo gigante en Burundi llegan a oídos de una productora de TV estadounidense, que manda a unos reporteros a intentar encontrarlo. Los americanos tendrán que lidiar tanto con los ataques del animal como con los diferentes bandos de un país en plena guerra civil.
¿Por qué es inverosímil? Los reptiles de tamaño desproporcionado no sólo pertenecen al reino del cine, aunque lo parezca. Gustave era un cocodrilo que medía casi 7 metros y pesaba una tonelada. Se le atribuía la muerte de cientos de personas, y su fama hizo que dos periodistas, escritor y fotógrafo, viajaran a un Burundi castigado por la guerra para encontrarlo.



Título: ‘Delta Force’
Género: Acción
Argumento: Un grupo de terroristas libaneses secuestra un vuelo en El Cairo. El gobierno de los EEUU enviará a los Delta Force, un comando de elite, para que libere a los pasajeros.
¿Por qué es inverosímil? El desarrollo del film es tan poco creíble como cualquier otra película donde un Chuck Norris en plan superhéroe se despacha sin despeinarse oleadas de terroristas. Pero la vida real le dio al film todas las claves para aumentar el dramatismo: desde la ruta que seguía, el pasaje internacional o los episodios de pánico a  como los terroristas libaneses pidieron al sobrecargo del vuelo que separara a los pasajeros judíos, entre otras muchas cosas.



Título: ‘Inseparables’
Género: Suspense
Argumento: Dos hermanos gemelos, ambos ginecólogos, deciden intercambiarse para mantener relaciones con la misma mujer. Uno de ellos se obsesiona con ella y comienza a enfermar y enloquecer al romper la “sincronización” con su hermano.
¿Por qué es inverosímil? Una historia tan truculenta y especial como la de dos hermanos gemelos, ginecólogos y que encima (¡Spoiler!) se suicidan juntos parece algo que solo se le ocurriría a un tipo como David Cronemberg. Pero se basó en la historia de Stewart y Cyril Marcus, que eran exactamente eso y que acabaron exactamente así. La mente del guionista rellenó los detalles que faltaban.



Título: ‘Rocky’
Género: Drama
Argumento: Un boxeador amateur recibe la oportunidad de su vida: como parte de un acto promocional, se podrá enfrentar al campeón de los pesos pesados. Aunque nadie le toma en serio, él lo convertirá en el combate de su vida.
¿Por qué es inverosímil? Un boxeador de poca monta jamás podría plantar cara a todo un campeón de los pesos pesados. Aunque pasó: en 1975, el famosísimo Mohammed-Ali organizó una lotería entre aquellos que quisieran participar. El ganador, Chuck Wepner, se enfrentaría a él como parte de un entrenamiento. El tipo era un boxeador ya algo maduro, fofo y sin talento. Pero, al igual que Rocky, se lo tomó tan en serio que consiguió derribar al campeón, para asombro de todo el mundo del deporte. Ali, enfadado, se dedicó a machacar a su pobre rival. Pero este aguantó el combate de pie, sin caer, hasta que los árbitros pararon el combate. Wepner tuvo que recibir 23 puntos… pero había aguantado.



Título: ‘Zohan: Licencia para peinar’
Género: Comedia
Argumento: Un ex miembro de las fuerzas especiales de Israel deja su país para abrir una peluquería en los EEUU.
¿Por qué es inverosímil? No hay más que leer la sinopsis. Pero la realidad es aún más extraña. Nezi Arbib, el personaje en el que se basa, no solo abrió la peluquería, sino que le acompañan sus hermanos, todos también militares de carrera en Israel. Adam Sandler incluso pasó dos semanas viviendo con ellos para preparar el personaje.


Fuentes: Weird Worm, Cracked y Flavorwire.

Diez anacronismos de película

4 septiembre 2012 - 14:15 - Autor: Julio Hernández

Hacer una película es tarea harto complicada. De tal forma que resulta casi inevitable que se cuele en el metraje final alguna pequeña pifia. Más aún cuando hablamos de rigor histórico. A saber, relojes de pulsera en una película de romanos, coches de época que todavía no habían sido inventados, costumbres culturales un par siglos atrasadas… los disparates temporales pueden ser abundantes y variados.
Hoy os presentamos diez anacronismos de cine que puede te pasaran desapercibidos cuando viste la película: Las faldas escocesas de ‘Braveheart’, la prematura mención a la “marca España” en ‘El Cid’ o los hippies que aparecían en ‘El padrino’, con dos décadas de anticipación. Señores guionistas… ¡un poquito de rigor histórico!


1. ‘Titanic’ (1997)
Director: James Cameron.
El anacronismo: Durante una conversación, Leonardo Di Caprio le comenta a Kate Winstlet que solía ir a pescar con su padre al lago Wissota. Ningún pero, si no fuera porque se trata de un lago artificial que no existiría hasta cinco años después.
A su llegada a puerto, los supervivientes de la tragedia son iluminados por una Estatua de la Libertad verde, sólo que en 1912 aún  no estaba pintada no tenía el color de hoy en día, procedente de la oxidación de las chapas de cobre que la forman. Tampoco comenzó a encenderse hasta los años 50.

2. ‘Braveheart’ (1995)
Director: Mel Gibson.
El anacronismo: Muchos y variados. Para empezar, en la escena de la batalla, donde los orgullosos escoceses acuden a la batalla con su falda típica escocesa… que no sería popularizada hasta 400 años después. La pintura azul de guerra que les cubre los rostros había sido muy utilizada por los guerreros celtas y pictos, pero allá por el siglo XIII había caído en desuso.

3. ‘Apolo XIII’ (1995)

Director: Ron Howard.
El anacronismo: Durante una de las escenas puede verse a la hija de Jim Lovell sujetando el disco ‘Let it Be’de The Beatles, que aún no había sido estrenado. También podemos ver una televisión Sharp que no sería estrenada hasta dentro de unos diez años. Aparte, la mayoría de logos y uniformes de la NASA que aparecen en la película son posteriores a 1970.

4. ‘En tierra hostil’ (2008)

Director: Kathryn Bigelow.
El anacronismo: En una de las escenas Brian Geraghtys comenta ante un tipo que le está grabando que va a acabar en Youtube. Claro que la película está ambientada en 2004, y el portal de vídeos no nacería hasta un año después. Sucede lo mismo en una escena en que aparece el protagonista jugando al Gears of War, de X-Box. Ni la consola ni el videojuego existían tampoco.

5. ‘El Cid’ (1961)
Director: Anthony Mann.
El anacronismo: Amén de alguna escena en que a los guerreros musulmanes se les entrevé unas zapatillas deportivas, el plato fuerte viene con la manida manía de repetir tanto el Campeador como enemigos la palabra “España”. Nuestro país como tal no estaría configurado hasta más adelante, con lo que sería más apropiado si hubieran dicho “Castilla”. Detalle que por cierto, corrigieron al doblar al catalán.

6. ‘El Padrino’ (1972)
Director: Francis Ford Coppola.
El anacronismo: Una toma de relleno en la que podemos ver a unos cuantos hippies setenteros veinte años adelantados a su tiempo. También aparecen coches de policía que serían fabricados diez años más tarde.

7. ’10.000 a.C.’ (2008)
Director: Roland Emmerich.
El anacronismo: La película en sí es el paradigma del anacronismo. Para empezar, en el año 10.000 no existían ni mastodontes ni tigres dientes de sable. Los caballos no serían domesticados hasta muchísimo después. Los hombres de aquella época no conocían la forja del metal y, para terminar, la primera pirámide no sería levantada hasta mucho, mucho después.

8. ‘La hora de los valientes’  (1998)

Director: Antonio Mercero.
El anacronismo: Sutil. En una escena en la que están sacando cuadros del Museo de el Prado, podemos ver ‘El caballero con la mano en el pecho’ de El Greco sobre fondo gris claro. El problema es que en aquella época el fondo aparecía negro y no se descubriría el color oculto hasta su última restauración, ya en la época democrática.


9. ‘Kate and Leopold’ (2001)
Director: James Mangold.
El anacronismo: Resulta irónico hablar de anacronismos en una película que trata de viajes en el tiempo. Por muchas eras que se haya pasado, Hugh Jackman no debería conocer la ópera de La Boheme, creada 20 años después de su era. Tampoco debería aparecer el arquitecto del puente de Brooklyn, John Augustus Roebling, ya que murió en 1869.

10. ‘Gladiator’ (2000)

Director: Ridley Scott.
El anacronismo: Sin contar algunos deslices de vestuario como gafas de sol entre el público del circo o huellas de tractor en el campo, el pobre Russell Crowe tiene que lidiar con un complicado candado que le mantiene preso. Ese modelo en concreto de candado tiene su origen en Estados Unidos, siguiendo un esquema escandinavo del siglo XVI. Los gladiadores tampoco empezaron a llevar casco hasta muchísimo después.
Con información de totalfilm,

Los 10 tipos de carteles de cine más repetidos

Los 10 tipos de carteles de cine más repetidos

14 noviembre 2011 - 19:40 - Autor: viruete

Muchos se quejan de la falta de ideas del Hollywood actual, y de lo homogéneo de sus propuestas. Esta recopilación de carteles es un argumento más a su favor: un bloguero francés nos ha recopilado los temas más comunes en la cartelería cinematográfica y los resultados son espeluznantes. ¡Un poco de originalidad señores!

10. Blanco, negro… y fuego
Fuerza y elegancia, según el diseñador, más visto que el tebeo, según el espectador. Reservado únicamente a películas de acción. A ser posible, con Nicholas Cage en su reparto.



9.  Amarillo el cartelito es
Variedad de temas, sí… pero un denominador común que los unifica: lo chillón del color que domina todo el cartel.


8. Este cartel es azul, como el mar, ¡Azul!
Perdonen ustedes que citemos a Cristian Castro, pero es que vienen que ni pintado. Mucho más similares que los amarillos, los carteles de color azul tienen siempre un tema: películas ecologistas protagonizados por animalitos.


7. Rojo relativo
Cerramos esta trilogía cromática con el colo rojo. O más concretamente: con mujeres vestidas de rojo, ese color que nunca pasa de moda y que pueden lucir por igual un Dustin Hoffman travestido que una sonriente Cameron Diaz.


7. Vamos de cabeza
Cabezas y letras por encima soltando las frases promocionales de la película. Un clásico del afiche y del sinsentido.



6. Tus ojos bandidos
Está claro que en el mundo del cine, llevar gafas sigue cerrándote puertas.


5. De alta cuna, de baja cama
¿Qué sería de las comedias románticas sin este cartel donde los protagonistas aparecen constantemente encamados?


4. Espaldas mojadas
En la vida normal, que te den la espalda es de mala educación. En el cine indica que eres un tipo más duro que el pan de cuatro días.


3. Dos superdos
Bud Spencer y Terence Hill no aparezcan en esta galería (mal), pero son los únicos: si hay una parejita protagonista, el diseñador del cartel tiene medio trabajo hecho. ¡Así da gustazo!


2. Cabeza voladora
Mucho peor que Cabeza Borradora, donde va a parar. Se busca un efecto emotivo, pero a estas alturas, el efecto logrado es preguntarse “¿otra vez un cartel de estos?”


1. Entre dos piernas estás
Un tópico entre tópicos, que lo mismo vale para una comedia de estudiantes que para una sucia historia de venganzas de Abel Ferrara. Lo único que queda claro tras ver un cartel así es que… sale una mujer.

Vía:  Cristophe Curtais

Casablanca cumple 70 años.10 frases para el recuerdo

El 26 de noviembre de 1942, en el Teatro Hollywood de Nueva York, y sin mucho boato, teniendo en cuenta que medio mundo estaba inmerso en la Segunda Guerra Mundial, se proyectó por primera vez una de las películas más aclamadas de la historia, Casablanca.

De eso se cumplen este lunes 70 años.

No fue una première de campanillas. En realidad, el estreno oficial estaba previsto para la primavera siguiente, pero en los primeros días de noviembre la ciudad de Casablanca había caído en manos aliadas y nadie hablaba de otra cosa. Así que los productores decidieron hacer un pase ese 26 de noviembre de hace 70 años para mostrar la película.

El proyecto de Casablanca se empezó a gestar el 8 de diciembre de 1941, al día siguiente del ataque japonés contra Pearl Harbour, el hito que marcó la entrada de Estados Unidos en la guerra.

Los autores de la obra de teatro en la que se basa la película le mandaron una copia del libreto a Warner que, como todas las grandes productoras, andaba a la caza de material para producir filmes patrióticos.

Warner se lo mostró a la oficina creada por la Casa Blanca para apoyar y financiar películas que «ayudaran a ganar la guerra». Ésta escribió un informe en el que aplaudía, entre otras cosas, que Casablanca mostrara a «Estados Unidos como refugio para los oprimidos» y que el personaje de Humphrey Bogart (Rick) hubiera luchado contra el fascismo en la Guerra Civil Española.

La película se rodó en un tiempo récord, tuvo su première neoyorquina y su estreno oficial en la primavera de 1943, como estaba previsto. Y en la siguiente gala de los Óscar se llevó tres estatuillas: mejor película, mejor director y mejor guión.

70 años después, Casablanca sigue siendo una de esas películas imprescindibles en cualquier videoteca. Tanto que el American Film Institute la ubicó en el primer puesto de un ranking que enumera las mejores historias de amor del cine, por encima de Love Story y Algo para recordar. Aunque no sea ni una historia de amor ni de guerra, sino todo a la vez. Y también como una de las películas con mejores frases de la historia del cine.

Como homenaje a Casablanca en el 70 aniversario de su estreno, recordamos 10 diálogos de la película que todo cinéfilo debería recordar:

***

Rick y Sam

Rick ¿Qué estás tocando?

Sam Una canción que he compuesto.

Rick Para. Ya sabes lo que quiero escuchar.

Sam No lo sé.

Rick La tocaste para ella, tócala para mí.

San Bueno, es que no la recuerdo bien...

Rick Si ella la resistió yo también. Tócala.

Sam Sí jefe...

Ilsa y Rick

Rick Si ese avión despega y no estás con él lo lamentarás. Tal vez no ahora. Tal vez no mañana. Pero más tarde. Toda la vida...

Ilsa Y nuestro amor. ¿No importa?

Rick Siempre tendremos París

Ilsa y Rick

Rick ¿Cuando duró lo nuestro, cariño?

Ilsa No conté los días.

Rick Pues yo sí. Uno por uno. Recuerdo muy bien el último. Era un día de lluvia en una estación y un hombre esperaba con el rostro crispado con una ridícula expresión porque le habían arrancado las entrañas.

Ilsa y Rick

Ilsa ¿Puedo contarte una historia?

Rick ¿Tiene final feliz?

Ilsa Aún no sé qué final tendrá.

Rick Tal vez se te ocurra mientras lo vas contando.

Ilsa Una vez llegó una chica a París procedente de Oslo. Y allí en París conoció a un hombre de quien había oído hablar toda su vida. Un gran hombre idealista y valinte. El le abrió un mundo de nuevos conocimientos, de bellos y altos ideales. Todo lo que ella era, lo que sabía, se lo debía a él. Ella le admiraba. Le reverenciaba. Sentía por él lo que suponía era amor.

Rick Una historia preciosa. Aunque conocida. Yo ya había oído muchas de esas en mis tiempos. Y hasta con música de fondo, la de un piano que tocaban abajo en el salón.

Renault y Rick

Renault Dígame, Rick, ¿qué le ha traído a Casablanca?

Rick Vine a Casablanca a tomar las aguas.

Renault Pero... ¡si Casablanca es un desierto!

Rick Al parecer me informaron mal.

Yvonne y Rick

Yvonne ¿Dónde estuviste anoche?

Rick ¿Anoche? No tengo la menor idea. Hace demasiado tiempo.

Yvonne ¿Y qué harás esta noche?

Rick No hago planes con tanta antelación.

Mayor Strasser, Rick y Renault

Mayor Strasser ¿Cuál es su nacionalidad?

Rick Soy borracho.


Renault Eso hace a Rick ciudadano del mundo.

Rick y Renault

Rick No olvide que le estoy apuntando derecho al corazón.

Renault Es mi punto menos vulnerable

Victor Laszlo y Rick

Victor Laszlo Todo el mundo conoce a Rick en Casablanca.

Rick Y a Victor Laszlo en todas partes.

Ugarte y Rick

Ugarte Me desprecias, ¿verdad Rick?

Rick Si llegara a pensar en ti, probablemente sí.


'Casablanca' cumple 70 aos: 10 frases para el recuerdo - HoyCinema.com

Slavoj Zizek vs. David Lynch

Slavoj Zizek vs. David Lynch


Hace unos meses llegó a mis manos El acoso de las fantasías, un libro en el que se reúnen diferentes ensayos de Zizek, filósofo y psicoanalista esloveno de gran influencia en todo el orbe, que gusta de ilustrar sus descarnadas visiones con películas, pinturas, obras de música y otras manifestaciones artísticas (como los tipos de WC, sin ir más lejos).

En su pensamiento hay una profunda influencia de Jacques Lacan, otro psicoanalista que abogaba por volver al Freud primigenio y en cuya obra hay un aporte fundamental para comprender el análisis que Zizek lleva a cabo sobre el cine de Lynch: se trata de la diferencia entre goce y placer. "Aunque ambos parecen semejantes, son radicalmente distintos y tienen consecuencias muy diferentes: el término goce se refiere a las actitudes en las cuales el sujeto pierde su cuota de libertad; el término deseo asociado con el placer, en cambio, se refiere a las conductas que dejan de estar apegadas cerradamente a un objeto determinado, permitiendo al sujeto ejercer su libertad".

En su ensayo David Lynch o la depresión femenina, de obligada lectura para todo aficionado al cineasta, Zizek comienza citando a los prerrafaelitas, introduciendo el concepto de una sexualidad fría e insana, permeada por la putrefacción de la muerte, como uno de los ejes centrales de sus películas.

Igualmente, sostiene que el sonido (el crepitar amplificado del fuego, el ruido que a veces emana en escenas de El hombre elefante [1980] o Terciopelo azul [1986] ) cobra gran importancia, al representar el eco del Big Bang en un universo cerrado por unos límites, contrapuesto al infinito y abierto de la física newtoniana: este sonido forma el horizonte ontológico, el marco de la realidad misma, la textura que mantiene la cohesión de la realidad (si este ruido fuera erradicado, la realidad misma colapsaría).

Para desgarrar el orden simbólico de la realidad (la ruptura del Velo de Maya hindú que anunciaraSchopenhauer) y acercarnos a lo Real (ir de la piel al interior de los órganos, el cuerpo desollado de Lacan), Lynch pone en escena a los miembros de la Cofradía Espacial de Dune (1984), que se han convertido en seres distorsionados, como criaturas semejantes a gusanos, hechas de carne viva sin piel, la encarnación pura del goce. Otro ejemplo de lo mismo es el Barón Harkonnen, cuyo rostro está lleno de eccemas que supuran, o brotes de goce.

Si aquella realidad se símbolos (como el pueblo idílico de Tercipelo azul) muchas veces viene determinada por el lenguaje, precisamente es en Dune donde Lynch encuentra terreno abonado para invertir este orden simbólico: es la voz, la "palabra que mata", la que va a destruir la superficie corporal, de manera que "el ser supremo del Universo" (el Kwisatz Haderach de Frank Herbert) será aquel que, en resumidas cuentas, domine el ruido, los límites del Cosmos, quebrando así la realidad para mostrarnos lo Real en toda su desnudez.

Otra ruptura, que esta vez viene dada por sus personajes femeninos, la hallamos en una distorsión del proceso acción- reacción: las mujeres no pueden percibir claramente las causas externas, siempre proyectan en su interior su propia visión distorsionada. De esta forma, la respuesta de la mujer ante un estímulo siempre va a aparecer de manera desproporcionada, provocando un cortocircuito en la relación causa- efecto que conduce a un comportamiento siempre imprevisible... La mujer no está totalmente sometida al lazo causal. Con ella, el orden lineal de la causalidad se rompe o, como dice Nicholas Cage en Corazón Salvaje (1990): "el funcionamiento de tu mente es el misterio privado de Dios".

¿Por qué ésta reacción inconmensurable a la causa? Por la propensión suicida de la mujer a deslizarse hacia un letargo permanente (o depresión femenina), en donde el hombre bombardea con estímulos para sacarla de esa depresión. Y de la secuencia de Terciopelo azul en la que Isabella Rossellini pasa a ser observada por un voyeur (Kyle MacLachlan) mientras establece una representación masoquista con Dennis Hopper, pasamos a una nueva y reveladora vuelta de tuerca:

Puesto que con las mujeres la cadena causal lineal se suspende, e incluso se revierte, ¿qué pasa si la depresión es el hecho original, llega primero, y toda actividad subsecuente, es decir, Frank (Hopper) aterrorizando a Dorothy (Rossellini), lejos de ser la causa de su mal es más bien un desesperado intento terapéutico de evitar que la mujer se deslice por el abismo de la desesperación absoluta? La crudeza de su tratamiento (secuestrar a su marido y a su hijo; cortarle la oreja al marido; exigir su participación en el juego sexual sádico) simplemente corresponde a la gravedad de su depresión: sólo unos golpes tan brutales pueden mantenerla activa.

Es decir, que todo a lo que asistimos desde que Kyle MacLachlan entra en contacto con Isabella Rossellini es en realidad una lucha de ella contra los fantasmas de su depresión. Porque si la depresión es la causa, el resto aparece en la pantalla como la reacción desmesurada de su psique. De ahí la atmósfera onírica que rodea a Frank, y la canción In dreams, de Roy Orbison, que tanto le gusta.

Los efectos especiales más innecesarios de las películas

Ningún ruso apunta a Indy con un fusil. Bueno, en realidad lo hicieron, pero según la MPAA si Spielberg quería que el retorno del aventurero fuese para todos los públicos no podía mostrar a un actor siendo apuntado por un arma de fuego. Como ya era tarde para rodar de nuevo, tuvieron que optar por la magia de los efectos especiales.

Más ejemplos en:     Los efectos especiales más innecesarios de las películas

Lou Reed suspende su concierto en Madrid por las "circunstancias" en España

Lou Reed suspende su concierto en Madrid por las "circunstancias" en España - Chic

El músico nortemericano Lou Reed ha explicado este viernes que decidió cancelar el concierto que tenía previsto ofrecer el próximo lunes día 19 en Madrid, al considerar que no es "el momento más adecuado" dadas las "circunstancias" que se están dando en España después de que algunas personas "resultaran heridas por problemas sobre los que todo el mundo ha leído".

"Laurie Anderson y yo íbamos a dar un precioso concierto de música improvisada, teníamos muchas ganas, pero entonces las circunstancias cambiaron. Pensamos que quizás no fuera el mejor momento", ha manifestado el músico neoyorquino durante la inauguración de su exposición fotográfica Rhymes en el Hall de la Cineteca del Matadero de Madrid.

Según ha explicado Lou Reed, aunque sin hacer una referencia expresa a lo ocurrido en el recinto Madrid Arena el pasado 31 de octubre durante una fiesta de Halloween, su intención era hacer algo "muy bonito", pero después de que algunas personas resultaran heridas, les parecía "que no era el momento apropiado para eso".

"No sé si tampoco es el mejor momento para hacer esta exposición", ha bromeado Lou Reed, para anunciar, no obstante, que espera que se den las condiciones para poder retomar sus planes y actuar en España. "Teníamos muchas ganas", ha insistido.

A pesar de la cancelación del concierto previsto para el próximo lunes en el Teatro Circo Price, el que fuera líder de The Velvet Underground antes de empezar su carrera en solitario sí ha seguido adelante con las otras actividades previstas, entre ellas, su exposición de fotografía Rhymes y que él mismo se ha encargado de inaugurar este viernes.

La exposición consiste en una muestra de 32 fotografías de gran formato que él mismo ha ido realizando a lo largo de las últimas cuatro décadas en sus viajes alrededor de todo el mundo de aquello que le parecía "bello". "En la cámara parecía todavía más bello", ha matizado. A Madrid llega tras pasar por otras ciudades europeas como Frankfurt o París.

Fallece Emilio Aragón, 'Miliki', a los 83 años

Somos muchos los que le tenemos un gran recuerdo, descanse en paz..

Fallece Emilio Aragón, 'Miliki', a los 83 años | Televisión | elmundo.es

Emilio Aragón 'Miliki', uno de los famosos "payasos de la tele", ha fallecido a los 83 años, según ha informado hoy la productora Globomedia.

"Miliki" era el padre de Emilio Aragón, socio consejero de Globomedia y uno de sus fundadores. Miembro de una familia de payasos de gran tradición, formó parte del trío Gaby, Fofó y Miliki quienes alcanzaron su máximo éxito con el programa 'Había una vez un circo'.

"Miliki" falleció al filo de la medianoche, rodeado de su familia en el Hospital madrileño Ruber Internacional. La capilla ardiente se instalará a partir de las 12:00 horas en el tanatorio La Paz del municipio madrileño de Tres Cantos.

Euro (Descubriendo una Estafa)

Excelente economista, Maestro burbujista y mejor persona, necesita ayuda para la realización de un proyecto a través de Crowdfunding.

El proyecto se detalle en esta web.

Goteo.org Crowdfunding the commons

Se necesita ayuda de todo tipo y cualquier granito de arena será bienvenido, desde difusión de la web a colaboración.

" €uro (Descubriendo una Estafa)
€uro es la continuación de un trabajo realizado hace cuatro años y que dio como resultado el Documental €SPANISH DR€AM.

Mientras que €SPANISH DR€AM fue un análisis de la burbuja inmobiliaria española, causante de la situación económica actual. €URO será una cronología inversa de hechos, que van desde el momento actual con esta nefasta crisis, hasta la concepción del euro a principios de los 90, momento en el que se empezó a gestar el desastre económico en el que está sumido Europa.

Demostraremos con detalle, cómo una serie de maniobras macroeconómicas al más alto nivel político nos han arrastrado hasta la situación actual.

Para ello reconstruiremos una trama basada principalmente en los estudios económicos de Ricard Vergés: .: Ricardo Vergés Escuín :. "

Un día con Sasha Grey en Getafe

Un día con Sasha Grey en Getafe


Aunque muchos no lo sepan, Getafe es ahora mismo el lugar en el que hay que estar. Allí, en un polígono industrial a la sombra del monumental Sagrado Corazón de Jesús, Sasha Grey graba una película. Tan extraño. Y ahora, si no sabe de qué hablamos, teclee en Google "Cerro de los Ángeles". Y ahora, "Sasha Grey". ¿Cómo se queda?

La película se titula 'Open windows' y la dirige Nacho Vigalondo. Un momento, ¿acaso se ha pasado el director de 'Los cronocrímenes' y de 'Extraterrestre' al porno (en efecto, era esto)? "No, es un thriller", dice justo después de dar tres brincos en la silla y un instante antes de salir corriendo a dar instrucciones (o algo parecido) al foquista. en realidad, todas las acciones discurren a la vez, pero para describirlas no queda más remedio que ponerlas una detrás de otra. Intensidad de rodaje.

La cinta cuenta, o contará cuando esté terminada, una historia encerrada en el universo ya inabarcable de la pantalla, cualquiera de ellas. Tanto da que sea la de un ordenador, la de un móvil o la de una tableta. En definitiva, ahí vivimos. Y, si nadie lo remedia, para siempre.

Si se quiere saber el género, estamos delante de una readaptación particular, modernizada y profundamente extraña de cualquier película que Hitchcock dejara apuntada en una servilleta tras una sobremesa de, por ejemplo, pacharán. Ya se ha dicho, es 'suspense' (no necesariamente ebrio). Y, en consecuencia, tiene todo lo que suele tener algo así: su guapa atormentada, Sasha; su héroe (o no tanto), Elijah Wood; y su villano, el actor británico Neil Maskell (si han visto 'Kill list' de Ben Wheatley, se pueden hacer una idea del grado de maldad que puede atesorar una mirada inocente). Aunque, tratándose de Vigalondo y su obsesión por enredar, nada está destinado a ser lo que parece. Y hasta aquí se puede leer.

Ocultaciones e identidades

Si la curiosidad va más lejos, que todo puede ser, entonces la cosa se complica. "De alguna manera, también es una reflexión sobre la identidad en nuestros días", dice profundo y serio, como suelen ser ellos, el productor Enrique López Lavigne. Y, en efecto, la película hace pie, explícita o implícitamente, en el juego de mentiras, verdades a medias, ocultaciones y desdobles interesados de un universo contemplado desde la mirilla de la Red.

"Somos una sociedad de mirones", comenta al respecto la propia Sasha. "De alguna manera, el asunto que trata la cinta está muy relacionado conmigo y con mi trabajo en el porno. He sufrido el acoso de muchos de mis admiradores y sé lo que significa ser un personaje muy buscado en internet". Y dicho lo cual vuelve al trabajo. "La película se plantea quiénes somos en un mundo en el que es fácil esconderse en un avatar, en un nombre falso", continúa a su lado el director.

Pero si conocer el reparto, el asunto y hasta el sentido de todo esto tampoco calma la sed de saber, entonces no queda otra que asomarse a la pantalla. En ese momento, tal vez, se puede llegar a entender la gravedad de la dolencia. 'Open windows' está planteada como una de esas películas 'found footage' (metraje encontrado) entregadas al esquinado y siempre mareante trabajo de confundir realidad y ficción. Piense en 'El proyecto de la bruja de Blair', en 'REC' o en 'Cloverfield. Monstruoso'.

El espectador verá sobre la pantalla del cine lo que presencia cuando se sienta delante de un ordenador: el mundo contemplado desde todas las ventanas posibles y abiertas que facilita la vida moderna. De ahí, el título; de ahí 'Open windows'. Y es desde aquí, desde la óptica fracturada de nuestro presente desde donde un nuevo James Stewart de 'La ventana indiscreta' aprende del ridículo de su existencia de espectador paralizado en una silla de ruedas. De un lado, el mirón (cualquiera de nosotros), del otro, el deseo (el mundo).

Adiós al porno

Sasha Grey, obviamente, es el objeto de deseo. En la película y fuera de ella. Ella presume, por ello, de saberse "un producto". "Siempre he dejado claro", manifestaba recientemente, "que cuando me metí en la industria del porno sabía que yo era una mercancía". Contundente. Y es ese aplomo encerrado en un cuerpo frágil, menudo y con frío, lo que hace de ella algo excepcional. Lo demás, vistas algunas de sus escenas, también.

Y es peculiar porque cuando anunció en 2011 que dejaría el porno ("Es, precisamente, internet el que está acabando con la industria"), pronto encauzó su carrera profesional por los más diversos y fructíferos caminos. Tras trabajar con Steven Soderbergh en 'The girlfriend experience', hizo otro tanto en la televisión (séptima temporada de 'El séquito', haciendo de sí misma), en la fotografía (el libro de autorretratos 'Neü Sex') y hasta en la literatura: dice que está trabajando en una novela de corte erótico.

Excesivo quizá. De hecho, todo en ella se antoja desproporcionado. Más de 200 títulos (han leído bien) se amontonan en una filmografía radical y evidentemente salvaje. Ahora pruebe a teclear de nuevo su nombre en Google. Asegúrese antes, eso sí, de que está solo. Sorprendente. Pues bien, desde hace poco más de una semana, esta mujer madruga todos los días para encaminarse hasta Getafe. Dice que le gusta Madrid y describe como un "loco increíble" a su director Nacho Vigalondo. Luego cuenta la primera vez que se encontraron en un bar director y actriz donde el primero perdió la cartera (y quizá algo más)... pero eso es otra historia.

De momento, aún quedan un par de semanas más a la vera del Sagrado Corazón de Jesús y otra más en Austin (Texas) para una producción de poco menos de tres millones de presupuesto y en la que se ven involucrados las productoras Apaches, Antena 3 y Wild Bunch. Así las cosas, a la espera de que 'Open windows' abra las ventanas al público, queda Getafe. Getafe y Sasha Grey. Tan extraño.

Una obra de Rothko supera los 52 millones de euros

Una obra de Rothko supera los 52 millones de euros

El cuadro de Mark Rothko 'No.1 (Royal red and blue)' se ha vendido por un precio de martillo de 67 millones de dólares (algo más de 52 millones de euros) en una subasta de la casa Sotheby's en Nueva York, en la que también se ofrecieron obras de Jackson Pollock, Francis Bacon o Andy Warhol.

Esta obra de gran escala fue pintada por Rothko (1903-1970) en 1954, y se encuadra en un periodo considerado como el cenit de la carrera de este maestro del expresionismo abstracto estadounidense.

"El tamaño, la calidad, el estado de conservación y los colores tan comerciales hacían de este cuadro un candidato ideal para batir un precio récord", explicó a Efe Augusto Uribe, portavoz de Sotheby's.

'No.1 (Royal red and blue)' formó parte de una serie de ocho trabajos que fueron seleccionados por el propio autor para integrar una exhibición individual celebrada en 1954 en el Instituto de Arte de Chicago, la cual supuso un hito en la trayectoria del artista.

Esta obra había permanecido en la misma colección durante los últimos 30 años, y su salida a la venta constituye "un gran acontecimiento", según Uribe, ya que las pinturas de Rothko no suelen prodigarse en el mercado de las subastas.

La pasada primavera, una obra del artista titulada 'Naranja, rojo, amarillo' se había vendido en la casa Christie's por 86,8 millones de dólares (unos 68 millones de euros), también en Nueva York.

Otras obras subastadas
Además, se vendieron otras importantes obras adscritas al movimiento del expresionismo abstracto, como 'Number 4, 1951', un lienzo en el que Pollock (1912-1956) reprodujo su característica técnica del goteo y que alcanzó los 36 millones de dólares (28 millones de euros).

Por otra parte, una importante versión de las emblemáticas pinturas de pontífices de Bacon, 'Untitled (Pope)', que data de 1954, se vendió por 26,5 millones de dólares (21 millones de euros), después de haber permanecido en la misma colección privada desde 1975.

En ella, como en todas estas pinturas insignia del arte de Bacon (1909-1992), la figura de un Papa emerge de las sombras de la Segunda Guerra Mundial, mientras la Humanidad trata de dotar de sentido a las atrocidades cometidas durante esos años. Asimismo, 'Study for head of Isabel Rawsthorne', un retrato de una de las más cercanas amigas de Bacon, se vendió por 8,2 millones de dólares (6,4 millones de euros).

Otra de las obras que alcanzó un alto precio fue 'Abstraction', de Willem de Kooning (1904-1997), ejecutada en torno a 1949, y que se vendió por 17,5 millones de dólares (13,6 millones de euros). Por '1948-H', una obra que define el momento crítico de la carrera de Clyfford Still (1904-1980), cuando el estadounidense resolvió expresivamente su lenguaje abstracto, se pagaron 8,7 millones de dólares (6,8 millones de euros).

Uno de los artistas con mayor presencia en la subasta fue Gerhard Richter (1932), cuyo 'Abstraktes Bild (712)' alcanzó los 15,5 millones de dólares (12 millones de euros). Esta obra fue pintada en 1990, en un punto crucial de la trayectoria del alemán y ejemplifica su maestría en el arte de la abstracción. En el grupo de obras creadas por Warhol (1928-1987), destacaron 'Green disaster' y 'Suicide', cuadros pertenecientes a su provocativa serie 'Muerte y desastre', y que se vendieron por 13,5 y 14,5 millones de dólares respectivamente (10, 5 y 11,3 millones de euros).

En esta serie, realizada en la década de los 60, el artista pop explora los temas de los medios de comunicación de masas, el estrellato y la muerte. La obra de juventud de Jean-Michel Basquiat (1960-1988) 'Onion Gum', realizada por el estadounidense cuando contaba 23 años, se vendió por 6,5 millones de dólares (5 millones de euros).

Libro de "las 9 revelaciones"

Libro de "las 9 revelaciones"

Resumen de los Nueve Pasos descritos por Redfield en el libro:

1. Una masa crítica : Tomando conciencia de las coincidencias en nuestra vida

¿Te sientes inquieto? No estás solo: Todos están empezando a buscar más significado en su vida. Pon atención a esas "Coincidencias" - que parecen ser eventos destinados a suceder. Son realmente eventos sincrónicos, y siguiéndolos, entrarás en tu camino de verdad espiritual.

2. Una nueva manera de mirar el mundo

Observa nuestra cultura dentro de su contexto histórico. La primera mitad del pasado milenio se malgastó bajo el pulgar de la Iglesia; en la segunda mitad sólo nos preocupamos del bienestar material. Ahora, eso ya no nos importa. Estamos listos para descubrir el principal propósito de la vida.

3. Un Universo de energía dinámica

Empieza a conectarte con la energía que envuelve a las cosas. Con práctica, aprenderás a ver el aura alrededor de los seres vivos y aprenderás a proyectar tu propia energía para entregar fuerza.

4. La lucha por el poder : Competencias por la energía humana

Una competencia inconsciente por energía es la base de todos los conflictos. Dominando o manipulando a otros, nos da energía extra que pensamos necesitar. Seguro que se siente bien, pero ambas partes resultan dañadas en el conflicto.

5. Conectándose con la energía divina que llevas dentro

La clave para sobreponerse al conflicto en el mundo es la experiencia mística, que es alcanzable para cualquiera. Para nutrir lo místico y construir tu energía, déjate llenar por un sentimiento de amor.

6. Aclarando el camino : Descubriendo tu ruta en la vida

Los traumas de la niñez bloquean nuestra habilidad para experimentar lo místico. Los humanos, a causa de sus cargas, desmbocan en uno de cuatro "dramas de control" : Los Intimidadores roban energía del resto con amenazas. Los Interrogadores la roban juzgando y cuestionando. Los reservados atraen atención (y energía) coqueteando. Y las Víctimas nos hacen sentir culpables y responsables por ellos. Date cuenta de la dinámica familiar que ha creado tu drama de control y concéntrate en la pregunta principal, que es cómo poder hacer de tu vida una vida de un mayor nivel a la que tuvieron tus padres.

7. Conociendo tu misión personal : Fluir

Una vez que hayas aclarado tus traumas, puedes construir energía a través de la contemplación y meditación, concentrándote en el cuestionamiento básico de tu vida, y empezando a hacer caso a las intuiciones, sueños, coincidencias sincrónicas, para llevarte a la dirección de tu propia evolución y transformación.

8. La Etica Interpersonal : Animando a otros

No puedes realizar esa evolución sólo, así es que empieza a practicar la nueva "Etica Interpersonal" animando a quienes crucen tu camino. Habla con gente que espontáneamente haga contacto visual contigo. Evita las relaciones de interdependencia. Pon atención a los dramas de control de otras personas. Cuando estés en grupos, habla cuando el espíritu - en vez del ego - te motiven.

9. Evolucionando a estados superiores

El propósito es evolucionar más allá de este plano. Menos gente y más bosques nos ayudarán a mantener nuestra energía y a acelerar nuestra evolución. La tecnología hará la mayor parte del trabajo por nosotros. A medida que valoramos la espiritualidad más y más, eventualmente reemplazaremos la economía de mercado y nuestra necesidad de un empleo remunerado. Podemos conectarnos con la energía de Dios de una manera que tal, que eventualmente lleguemos a ser seres de luz, que caminen directamente al cielo".

Presentado en Berlín un documental sobre la España de hoy

Presentado en Berlín un documental sobre la España de hoy

Con su documental “Los Colonos del Caudillo”, mostrado en pre-estreno en Berlín, los cineastas Lucía Palacios y Dietmar Post han ofrecido este domingo un espejo a la sociedad española. Precisamente cuando ésta se adentra en lo que parece va a ser la tormenta perfecta de la eurocrisis, con una triple discusión nacional ya en marcha, sobre el recorte y la estafa social, sobre los nacionalismos y su convivencia en el reino, y sobre su dramática historia.

Pocas veces llega una película tan a propósito de los tiempos. Quizá por eso este documental de referencia ha sido, de momento, excluido de todos los festivales cinematográficos españoles en los que se ha presentado. En Alemania, al contrario, el evento llenó por completo el cine Babylon de Berlín con un público predominantemente joven y español, con el patrocinio de la Friedrich Ebert Stiftung, la institución cultural socialdemócrata, la presencia de Felipe González y un montón de apoyos y complicidades solidarias.

Entre ellas la de Daniel Richter, el principal pintor alemán vivo, que donó una serie de cuatro serigrafías para financiar la obra. Otras de menor renombre pero seguramente de mayor importancia, son las de la gente que ha participado en la campaña de micromecenazgo de esta obra, que no cuenta con subvenciones de televisiones y agencias, lo que ha complicado sobremanera la vida de sus autores –el documental ha tenido que realizarse a lo largo de diez años- pero que les ha dado algo tan difícil como es una plena independencia y libertad de creación.

Cuarentones, casados y con tres hijas, ella natural de la Mancha, él alemán,con escuela en Estados Unidos, donde integraron cierto voluntarismo práctico y perseverancia hacia la obra en la que crees, los autores de “Los Colonos del Caudillo” no son precisamente unos principiantes del documental. Con el actual, son cuatro los que tienen en su haber. Uno de ellos recibió en 2008 el principal premio alemán del ramo, el Adolf Grimme, por una investigación sobre el estrambótico grupo musical estadounidense “Monks” unos sorprendentes “anti Beatles” asilvestrados que adelantaron en los años sesenta de la República Federal algunos de los ruidos que hoy nos suenan, logrando con ello un glorioso anonimato.

Con “Los Colonos del Caudillo” los autores lanzan una “doble mirada” a unos de los 300 pueblos nuevos creados por el régimen en los años cincuenta y sesenta, fundamentalmente en Castilla y Extremadura, para abonar la hoja de parra de su dimensión “social” falangista. El resultado una especie de Koljoz manchego del que la mayoría de los beneficiados huyeron en cuanto la emigración, bien a la España desarrollada, bien a Europa, abrió la perspectiva de una vida más libre y desahogada. Cincuenta mil familias participaron en aquellas obras sociales dirigidas por el Instituto Nacional de Colonización inspirado en la Italia de Mussolini, con el objetivo de potenciar, “al hombre antiurbano y antiobrero, apegado a la tierra, temeroso de Dios y devoto al régimen, del cual es deudor de todo: casa, tierra y trabajo, todo bajo control del partido”.

El documental narra, sin música ni efectos, la historia de Llanos del Caudillo (Ciudad Real). Su mirada es doble, porque Palacios nació en un pueblo de los alrededores y lidia con lo familiar y conocido, mientras que Post aporta la estupefacción y el asombro del foráneo ante el crudo universo ibérico.

Hay una sucesión de entrevistas a los vecinos del pueblo, sus autoridades (alcaldes, curas y maestros), así como las suficientes excursiones al contexto, de la mano, entre otros de Felipe González y del ministro falangista José Utrera Molina, como para que el espectador, independientemente de su nacionalidad y nivel de información se pregunte: ¿Qué es España hoy?, ¿Cómo es posible que haya tantas contradicciones? Es decir la pregunta con la que está incubando la actual tormenta perfecta de incierto resultado y que, por lo visto, va a poner a prueba nuestra calidad como sociedad.

Solo en La Mancha quedan 800 calles dedicadas a José Antonio Primo de Rivera y 500 a Franco. Los Llanos del Caudillo, uno de la docena de pueblos celtíberos que aún lleva el nombre del Insigne, no quiere cambiar su nombre. El alcalde, Santiago Sánchez, ya lo intentó en un referéndum de 2003, y perdió. Una de las escenas más deprimentes del documental es cuando se le pregunta a una clase de niños del pueblo sobre la conveniencia o no de cambiar el nombre: 12 de los 13 niños son partidarios de mantener al caudillo.

Poco importa que una mano guerrillera transforme el rótulo de entrada al pueblo, tachando la elle y la ese de “llanos” y convirtiendo su nombre en un anarco “Ano del Caudillo” porque estamos ante algo más que una broma: el drama miserable de un país que no ha hablado de su historia, que tiene en sus cunetas 115.000 desaparecidos, cien veces más que los del Chile de Pinochet y trece veces más que los 9000 de la pesadilla militar argentina. Un país que creía haber hecho una “modélica transición” y que hoy, sometidos aquellos narcisismos a las actuales terapias de choque, se asombra al verse tan fea ante el espejo de su triple crisis, con su flamante democracia evidenciada como corrupto y tradicional neocaciquismo ibérico, su juez Garzón inhabilitado, y sus nacionalismos coqueteando con la ruptura.

“Esta película refleja muy bien la realidad de la España actual”, dice Carlos Castrana, fiscal del Tribunal Supremo. “Va a sorprender a mucha gente en España”, augura Felipe González. A falta de festivales de cinematografía, será en una España itinerante, con una campaña de cine ambulante por pueblos, instituciones vecinales, escuelas y asociaciones, explican sus autores. Todo muy de acuerdo con los tiempos y las circunstancias de una eventual regeneración hispana. Con “Los Llanos del Caudillo” Post y Palacios han puesto el dedo en la llaga nacional.

Bardem, el malo de la nueva película James Bond

http://www.guardian.co.uk/theobserver/2012/oct/28/profile-javier-bardem

Javier Bardem: is he the best ever Bond baddie?

While Daniel Craig wins all the attention, the Spanish actor's performance in Skyfall has seen him acclaimed as the best Bond villain yet. But his stunning range makes him as much aesthete as action man

Hoopla is only to be expected when there is a new James Bond movie in the offing and Skyfall has attracted more than its fair share for several reasons. It's the 50th anniversary of Bond on film, as well as make-or-break time for Daniel Craig after the poorly received Quantum of Solace. It has at its helm Sam Mendes, a director as respected in drama as he is untested in the action genre; and it arrives after the greatest promotional coup in British cinema –a prime spot for Bond in the London Olympics opening ceremony.


But the moments that elevate Skyfall from the efficient to the inspired can be attributed to one man: Javier Bardem, the hulking, 43-year-old Spanish actor whose delicious performance as Raoul Silva, sniggering cyber-terrorist, makes him a convincing contender for best Bond villain of all time.

With his dandyish bleached locks and sinister omnipresence, Silva appears at first to be cut from familiar cloth. In fact, he is the most textured and sympathetic villain in the entire series. "He's a peacock of a character, unlike anything Javier's played before," says Mendes. "Canny and witty and flirtatious in a disturbing way that even I didn't expect."

El Ermitage abrirá una filial en Barcelona

El president de la Generalitat de Catalunya ha anunciado oficialmente el acuerdo desde la capital rusa

Moscú. (EFE).- El museo del Ermitage de San Petersburgo, una de las principales pinacotecas del mundo, abrirá una filial en Barcelona, ha anunciado hoy el president de la Generalitat de Catalunya, Artur Mas.

"Hemos firmado un acuerdo de intenciones firmes para que en los próximos dos o tres años se lleve a cabo la instalación estable y permanente del Ermitage en Barcelona", ha asegurado hoy Mas a la prensa española en Moscú.

Mas ha realizado este anunció tras firmar un convenio de colaboración con la viceministra de Cultura de Rusia, Alla Manílova, en el legendario edificio Ucrania de la capital rusa.

Este proyecto "reforzará de una forma muy clara la capitalidad económica, turística y cultural tanto de Barcelona como de Catalunya", ha dicho el presidente catalán, que ha inaugurado hoy en esta ciudad un Foro Empresarial Rusia-Catalunya.

El Ermitage, que cumplirá 250 años en diciembre de 2014, ha sido descrito por el presidente ruso, Vladímir Putin, como el "el orgullo de Rusia".

Considerado como uno de los principales museos del mundo junto al Louvre parisino y El Prado madrileño, el Ermitage acoge, entre otras obras, pinturas de Leonardo da Vinci, Picasso, Goya, Rafael, Velázquez, Miguel Ángel, Manet, Mattisse, esculturas de Rodin e innumerables iconos.

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