El Museu Nacional d'Art de Catalunya (MNAC) cerrará mañana pero celebrará jornada de puertas abiertas el próximo día 6 de enero para conmemorar la festividad de Reyes, según informaron fuentes del centro.
El museo permanecerá abierto el día de Reyes hasta las 14.30 horas, horario habitual de los festivos. Como cada primer jueves de mes, el MNAC abrirá sus puertas de forma gratuita el próximo día 5 hasta las 19 horas.
El principal atractivo del museo es la exposición temporal 'Caravaggio y la pintura realista europea', que ya ha sido visitada por más 130.000 personas desde su inauguración el pasado 8 de octubre.
La exposición, que reúne un importante conjunto de obras del maestro italiano, se podrá visitar hasta el 15 de enero. Desde su inauguración, se han formado colas para acceder al museo, sobre todo en días festivos.
Alrededor de la figura de Caravaggio, el MNAC ha reunido 81 obras de todos los grandes nombres de la pintura europea del siglo XVII como Caracciolo, Rivera, Zurbarán y Velázquez. El museo ha contado con el préstamo de obras del Prado, la Fundación Thyssen-Bornemisza y el Museo di Capodimonte de Napoles, entre otros.
Además de esta exposición, el MNAC acoge la recién inaugurada muestra 'El cubismo y sus entornos', que exhibe 40 obras maestras de artistas como Juan Gris, Joaquim Torres Garcia, Albert Glaizes, Natalia Goncharova, Celso Lagar o Maria Blanchard.
20051231
La librería Viladrich de Tortosa (Tarragona), una de las más antiguas de Europa, cierra hoy sus puertas
La librería Viladrich de Tortosa (Tarragona), inaugurada en 1760 con el nombre de Librería Religiosa y considerada como una de las más antiguas de Europa, cierra hoy sus puertas definitivamente tras 275 años por la baja rentabilidad del negocio, según explicó el actual propietario, Jordi López Viladrich, al 'Diari de Tarragona'.
La Caixa de Tarragona ha adquirido el local para transformarlo en una de sus oficinas. El cierre de la librería dejará sin trabajo al propietario, tras 35 años a cargo del establecimiento, y a otros cinco empleados.
En sus últimos tiempos, la librería trabajaba con un centenar de editoriales, con un estoc de entre 3.000 y 5.000 libros que ocupaban el 60% del negocio, mientras que el otro 40% se dedicaba a artículos de papelería.
El propietario de la librería explicó que aunque el volumen de venta de libros ha ido creciendo, este negocio ya no es rentable.
Según el librero, se han invertido las tendencias en la compra de libros y mientras antes se vendía el 90% de libros de fondo y un 10% de novedades, ahora es al revés, algo que para López Viladrich demuestra la "banalización de la literatura", dominada hoy por los libros de "lectura rápida" que "se pueden comprar en el súper".
El director de servicios territoriales de Cultura de la Generalitat en las Terres de l'Ebre, Antoni Sabaté, lamentó la pérdida de una de las librerías más antiguas de Europa, que calificó como "un símbolo de del mundo literario del territorio", puesto que dedicaba buena parte de sus ventas a la literatura local.
La Caixa de Tarragona ha adquirido el local para transformarlo en una de sus oficinas. El cierre de la librería dejará sin trabajo al propietario, tras 35 años a cargo del establecimiento, y a otros cinco empleados.
En sus últimos tiempos, la librería trabajaba con un centenar de editoriales, con un estoc de entre 3.000 y 5.000 libros que ocupaban el 60% del negocio, mientras que el otro 40% se dedicaba a artículos de papelería.
El propietario de la librería explicó que aunque el volumen de venta de libros ha ido creciendo, este negocio ya no es rentable.
Según el librero, se han invertido las tendencias en la compra de libros y mientras antes se vendía el 90% de libros de fondo y un 10% de novedades, ahora es al revés, algo que para López Viladrich demuestra la "banalización de la literatura", dominada hoy por los libros de "lectura rápida" que "se pueden comprar en el súper".
El director de servicios territoriales de Cultura de la Generalitat en las Terres de l'Ebre, Antoni Sabaté, lamentó la pérdida de una de las librerías más antiguas de Europa, que calificó como "un símbolo de del mundo literario del territorio", puesto que dedicaba buena parte de sus ventas a la literatura local.
20051230
La Academia ya ha enviado las papeletas de voto de los Oscars
Las papeletas de votación para designar a las películas y personas nominadas a los premios Oscars fueron enviadas el jueves por correo a los miembros con derecho a voto de la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de Hollywood, anunció la organización en un comunicado.
Las 5.798 papeletas deberán ser devueltas antes del 21 de enero a la Academia, que anunciará los cinco finalistas de todas las categorías 10 días después.
El 8 de febrero serán nuevamente enviadas las papeletas a los miembros con derecho a voto que elegirán los ganadores y entonces los académicos podrán votar hasta el 28 de febrero.
La ceremonia de entrega de premios tendrá lugar el 5 de marzo en el teatro Kodak de Hollywood, en Los Ángeles.
El miércoles, la Academia anunció que al menos 311 largometrajes buscan ser seleccionados para competir por el Oscar a 'Mejor película', la cifra más elevada en 32 años.
Entre los nuevos miembros con derecho a voto en la Academia, incluidos en junio, figuran el director de cine español Alejandro Amenábar, ganador del Oscar a la Mejor Película Extranjera por 'Mar adentro', el actor estadounidense Jamie Foxx, elegido Mejor Actor el año pasado por 'Ray', la actriz británica Charlotte Rampling, el actor francés Jean Reno, y los fundadores de Apple y Microsoft, Steve Jobs y Paul Allen.
Las 5.798 papeletas deberán ser devueltas antes del 21 de enero a la Academia, que anunciará los cinco finalistas de todas las categorías 10 días después.
El 8 de febrero serán nuevamente enviadas las papeletas a los miembros con derecho a voto que elegirán los ganadores y entonces los académicos podrán votar hasta el 28 de febrero.
La ceremonia de entrega de premios tendrá lugar el 5 de marzo en el teatro Kodak de Hollywood, en Los Ángeles.
El miércoles, la Academia anunció que al menos 311 largometrajes buscan ser seleccionados para competir por el Oscar a 'Mejor película', la cifra más elevada en 32 años.
Entre los nuevos miembros con derecho a voto en la Academia, incluidos en junio, figuran el director de cine español Alejandro Amenábar, ganador del Oscar a la Mejor Película Extranjera por 'Mar adentro', el actor estadounidense Jamie Foxx, elegido Mejor Actor el año pasado por 'Ray', la actriz británica Charlotte Rampling, el actor francés Jean Reno, y los fundadores de Apple y Microsoft, Steve Jobs y Paul Allen.
20051228
Trujillo confirma que Barcelona acogerá el Museo Nacional de Urbanismo
La ministra de Vivienda, María Antonia Trujillo, confirmó hoy que Barcelona tendrá la sede del Museo Nacional de Arquitectura y Urbanismo, compartida con Salamanca. Barcelona acogerá la parte de Urbanismo y Salamanca la de Arquitectura.
Además, durante el primer semestre de 2006, la ciudad también acogerá una exposición sobre los 50 años de la Ley de Urbanismo en España. Trujillo destacó la evolución de las últimas décadas en la construcción en España y los avances en el desarrollo "sostenible".
Asimismo, confió en que Cataluña acoja durante el segundo semestre de 2006 una reunión de ministros y responsables de Vivienda de la Unión Europea. La ministra visitó Barcelona para firmar cuatro convenios sobre remodelación de barrios y ayudas para la vivienda.
Además, durante el primer semestre de 2006, la ciudad también acogerá una exposición sobre los 50 años de la Ley de Urbanismo en España. Trujillo destacó la evolución de las últimas décadas en la construcción en España y los avances en el desarrollo "sostenible".
Asimismo, confió en que Cataluña acoja durante el segundo semestre de 2006 una reunión de ministros y responsables de Vivienda de la Unión Europea. La ministra visitó Barcelona para firmar cuatro convenios sobre remodelación de barrios y ayudas para la vivienda.
20051227
Autora confiesa temor por escribir último libro de Harry Potter
La autora de los libros de Harry Potter confiesa sentir "entusiasmo y temor" mientras se prepara para escribir el último capítulo de la serie sobre el niño mago.
"Contemplo la tarea con mezclados sentimientos de entusiasmo y temor, porque no veo la hora de comenzar, de contar la parte final de la historia y al fin dar respuesta a todas las interrogantes (¿Podré dar respuesta a todas? La mayoría, digamos) y finalmente llegará a su fin y realmente no puedo imaginarme la vida sin Harry", comentó la escritora británica J.K. Rowling en su sitio de internet.
La sexta parte de la serie - "Harry Potter and the Half-Blood Prince" (Harry Potter y el príncipe sin linaje) - salió a la venta a mediados del año pasado. Se vendió más de 10 millones de copias sólo en Estados Unidos.
Las ventas en todo el mundo de los libros de Harry Potter llegaron a los 300 millones de dólares.
En su sitio de internet, Rowling dijo que "había estado afinando el tan afinado plan de siete durante las semanas pasadas". Indicó que "dar lectura al plan es como contemplar el mapa de un país desconocido en el cual me encontraré dentro de poco".
Rowling espera comenzar el libro final, que aún no ha titulado, el próximo mes.
"Contemplo la tarea con mezclados sentimientos de entusiasmo y temor, porque no veo la hora de comenzar, de contar la parte final de la historia y al fin dar respuesta a todas las interrogantes (¿Podré dar respuesta a todas? La mayoría, digamos) y finalmente llegará a su fin y realmente no puedo imaginarme la vida sin Harry", comentó la escritora británica J.K. Rowling en su sitio de internet.
La sexta parte de la serie - "Harry Potter and the Half-Blood Prince" (Harry Potter y el príncipe sin linaje) - salió a la venta a mediados del año pasado. Se vendió más de 10 millones de copias sólo en Estados Unidos.
Las ventas en todo el mundo de los libros de Harry Potter llegaron a los 300 millones de dólares.
En su sitio de internet, Rowling dijo que "había estado afinando el tan afinado plan de siete durante las semanas pasadas". Indicó que "dar lectura al plan es como contemplar el mapa de un país desconocido en el cual me encontraré dentro de poco".
Rowling espera comenzar el libro final, que aún no ha titulado, el próximo mes.
20051225
Album navideño de Michael McDonald triunfa en tienda de tarjetas
El cantante Michael McDonald recibió un regalo navideño anticipado cuando su álbum de temas alusivos a esta celebración que se vendió en tiendas de tarjetas de regalo se convirtió en disco de oro en cuestión de días.
Se vendieron más de medio millón de álbumes "Through the Many Winters: A Christmas Album" en dos semanas, después de llegar en noviembre a las tiendas Hallmark, dijo Ann Herrick, quien está a cargo del programa de música temporal de la tienda.
El álbum navideño de Hallmark del año pasado, de James Taylor, se convirtió en platino, vendiendo más de un millón de discos.
Al igual que Starbucks y otras tiendas, Hallmark ha comenzado a vender discos en años recientes. Pero los discos de la tienda de tarjetas son lanzados en temporadas específicas.
La siguiente grabación de Hallmark será "With Love", del cantante Michael Buble, para el Día de los Enamorados.
Se vendieron más de medio millón de álbumes "Through the Many Winters: A Christmas Album" en dos semanas, después de llegar en noviembre a las tiendas Hallmark, dijo Ann Herrick, quien está a cargo del programa de música temporal de la tienda.
El álbum navideño de Hallmark del año pasado, de James Taylor, se convirtió en platino, vendiendo más de un millón de discos.
Al igual que Starbucks y otras tiendas, Hallmark ha comenzado a vender discos en años recientes. Pero los discos de la tienda de tarjetas son lanzados en temporadas específicas.
La siguiente grabación de Hallmark será "With Love", del cantante Michael Buble, para el Día de los Enamorados.
20051224
Más de 130.000 personas han visitado la exposición de Caravaggio en el MNAC
Más de 130.000 personas han visitado ya la exposición 'Caravaggio y la pintura realista europea' en el Museu Nacional d'Art de Catalunya (MNAC) desde su inauguración el pasado 8 de octubre, según informó ayer el centro.
La exposición, que reúne un importante conjunto de obras del maestro italiano, se podrá visitar hasta el 15 de enero. Desde su inauguración, se han formado colas para acceder al museo, sobre todo en días festivos.
Alrededor de la figura de Caravaggio, el MNAC ha reunido 81 obras de todos los grandes nombres de la pintura europea del siglo XVII como Caracciolo, Rivera, Zurbarán y Velázquez. El museo ha contado con el préstamo de obras del Prado, la Fundación Thyssen-Bornemisza y el Museo di Capodimonte de Nápoles, entre otros.
Además de esta exposición, el MNAC acoge la recién inaugurada muestra 'El cubismo y sus entornos', que exhibe 40 obras maestras de artistas como Juan Gris, Joaquim Torres García, Albert Glaizes, Natalia Goncharova, Celso Lagar o Maria Blanchard.
El museo abrirá sus puertas el próximo lunes día 26 de diciembre para celebrar la festividad de San Esteban. El centro, que cierra todos los lunes, permanecerá abierto hasta las 14.30 horas.
La exposición, que reúne un importante conjunto de obras del maestro italiano, se podrá visitar hasta el 15 de enero. Desde su inauguración, se han formado colas para acceder al museo, sobre todo en días festivos.
Alrededor de la figura de Caravaggio, el MNAC ha reunido 81 obras de todos los grandes nombres de la pintura europea del siglo XVII como Caracciolo, Rivera, Zurbarán y Velázquez. El museo ha contado con el préstamo de obras del Prado, la Fundación Thyssen-Bornemisza y el Museo di Capodimonte de Nápoles, entre otros.
Además de esta exposición, el MNAC acoge la recién inaugurada muestra 'El cubismo y sus entornos', que exhibe 40 obras maestras de artistas como Juan Gris, Joaquim Torres García, Albert Glaizes, Natalia Goncharova, Celso Lagar o Maria Blanchard.
El museo abrirá sus puertas el próximo lunes día 26 de diciembre para celebrar la festividad de San Esteban. El centro, que cierra todos los lunes, permanecerá abierto hasta las 14.30 horas.
20051222
'Invitación a la invidencia' y 'El carrer del petons', ganadores del concurso de relatos breves 'Històries de Barcelona'
'Invitación a la invidencia', de la peruana Vanessa Oniboni, y 'El carrer dels petons', de la catalana Míriam Basagaña i Farrés, han sido los dos relatos breves ganadores del concurso 'Històries de Barcelona', según informó ayer el Ayuntamiento de Barcelona.
La primera obra fue ganadora en la modalidad que atorga el jurado por "el valor de su sencillez, por la buena redacción y porque resulta una narración efectiva".
La segunda obra, 'El carrer dels petons', fue la ganadora de la modalidad mediante la votación popular por Internet, con 23 votos de los 194 emitidos.
El concurso 'Històries de Barcelona', organizado por Bdebarna y Transversal Web con motivo del Año del Libro y la Lectura, ha recogido un total de 113 relatos breves (micro relatos, cuentos y poemas) que tenían la ciudad de Barcelona como escenario.
El primer premio, que consiste en un viaje a Lisboa, ha sido seleccionado por un jurado formado por el comisario del Año del Libro y la Lectura, Sergio Vila-Sanjuán; el escritor y enigmista Màrius Serra; los escritores Pedro Zarraluki, Enrique Vila-Matas y Joaquim Carbó; la vicepresidenta del Taller de Historia de Gràcia, Dolors Lázaro, y el presidente de la asociación Lligabosc, Unai Velasco.
La primera obra fue ganadora en la modalidad que atorga el jurado por "el valor de su sencillez, por la buena redacción y porque resulta una narración efectiva".
La segunda obra, 'El carrer dels petons', fue la ganadora de la modalidad mediante la votación popular por Internet, con 23 votos de los 194 emitidos.
El concurso 'Històries de Barcelona', organizado por Bdebarna y Transversal Web con motivo del Año del Libro y la Lectura, ha recogido un total de 113 relatos breves (micro relatos, cuentos y poemas) que tenían la ciudad de Barcelona como escenario.
El primer premio, que consiste en un viaje a Lisboa, ha sido seleccionado por un jurado formado por el comisario del Año del Libro y la Lectura, Sergio Vila-Sanjuán; el escritor y enigmista Màrius Serra; los escritores Pedro Zarraluki, Enrique Vila-Matas y Joaquim Carbó; la vicepresidenta del Taller de Historia de Gràcia, Dolors Lázaro, y el presidente de la asociación Lligabosc, Unai Velasco.
20051221
Boadella atribuye la baja asistencia a su obra en Barcelona a pertenecer a Ciutadans de Catalunya
El director de Els Joglars, Albert Boadella, explicó hoy que la obra 'La torna de la Torna' "ha tenido unos índices de público muy bajos en Barcelona, como nunca había tenido la compañía. En cambio, salimos de Barcelona, como cuando fuimos a Sevilla, teníamos el teatro lleno y todas las entradas vendidas", algo que atribuyó a formar parte de la Plataforma Ciutadans de Catalunya.
En declaraciones a la Cope remitidas a Europa Press, el director teatral aseguró que "ya hay indicios de boicot hacia la nueva obra que presentaremos dentro de poco, 'En un lloc de Manhattan', porque hace meses que se dice que se ha de hacer boicot a Els Joglars".
Boadella dijo que las consecuencias de su postura crítica no son recientes ni nuevas. "Hemos notado que nuestra derivación hacia posturas críticas con todo aquello que sucedía políticamente a este territorio nos ha costado caro, sobre todo a partir del año 87-88", apuntó. "Esto, excepto algunas excepciones se ha mantenido", añadió.
En esta línea, Boadella explicó que las temporadas de Madrid son más largas que las de Barcelona, donde hay menos público y "serias dificultades para aparecer en los medios de comunicación".
Por otra parte, el director teatral indicó que se han deteriorado las relaciones con el presidente de la Generalitat, Pasqual Maragall, ya que afirmó sentirse engañado y traicionado por su política. Según Boadella, si algo les unía era poner fin al delirio nacionalista pero ahora "me he encontrado que Maragall ha aumentado todavía más la dosis, que es mucho más fuerte", dijo. "Esto me ha parecido insoportable y por este motivo me siento enfrentado con su política", añadió.
En opinión de Boadella, Catalunya no puede estar constantemente a la defensiva con el Gobierno central y mantener una actitud de bloqueo permanente.
Conclusión: a nadie le gusta que le insulten en su tierra, ni que le digan lo que tiene (o no tiene) que hacer. Si Leche Pascual acabó poniendo una fábrica en Gurb después de un menosprecio a Catalunya (así pareció), Alcampo ha empezado a pedir disculpas después del boicot al cava catalán (al menos, unas frases publicitarias que no han sido bien acogidas en Catalunya), lo último que debería hacer un provocador es salir en la COPE (claro, ¿dónde más lo iban a escuchar?.. Losantos los cría) para seguir en su discurso, descalificando a Catalunya y a los catalanes (igual que la COPE, claro). Si no es bien recibido, se lo habrá ganado (podría preguntarse porqué muchas personas, sin relación entre ellas, tienen una opinión muy concreta sobre "su obra"). De todas maneras me pregunto si, cuando sale, el teatro se llena por sus críticas a Catalunya o a su obra.. y si es por las críticas (puesto que no se llena por su obra, en Catalunya), debería apuntarse con Rajoy, Zaplana, Acebes, Aznar, Ana Palacios (el grupito de "ha sido ETA"..) y dejar el teatro para los actores.
En declaraciones a la Cope remitidas a Europa Press, el director teatral aseguró que "ya hay indicios de boicot hacia la nueva obra que presentaremos dentro de poco, 'En un lloc de Manhattan', porque hace meses que se dice que se ha de hacer boicot a Els Joglars".
Boadella dijo que las consecuencias de su postura crítica no son recientes ni nuevas. "Hemos notado que nuestra derivación hacia posturas críticas con todo aquello que sucedía políticamente a este territorio nos ha costado caro, sobre todo a partir del año 87-88", apuntó. "Esto, excepto algunas excepciones se ha mantenido", añadió.
En esta línea, Boadella explicó que las temporadas de Madrid son más largas que las de Barcelona, donde hay menos público y "serias dificultades para aparecer en los medios de comunicación".
Por otra parte, el director teatral indicó que se han deteriorado las relaciones con el presidente de la Generalitat, Pasqual Maragall, ya que afirmó sentirse engañado y traicionado por su política. Según Boadella, si algo les unía era poner fin al delirio nacionalista pero ahora "me he encontrado que Maragall ha aumentado todavía más la dosis, que es mucho más fuerte", dijo. "Esto me ha parecido insoportable y por este motivo me siento enfrentado con su política", añadió.
En opinión de Boadella, Catalunya no puede estar constantemente a la defensiva con el Gobierno central y mantener una actitud de bloqueo permanente.
Conclusión: a nadie le gusta que le insulten en su tierra, ni que le digan lo que tiene (o no tiene) que hacer. Si Leche Pascual acabó poniendo una fábrica en Gurb después de un menosprecio a Catalunya (así pareció), Alcampo ha empezado a pedir disculpas después del boicot al cava catalán (al menos, unas frases publicitarias que no han sido bien acogidas en Catalunya), lo último que debería hacer un provocador es salir en la COPE (claro, ¿dónde más lo iban a escuchar?.. Losantos los cría) para seguir en su discurso, descalificando a Catalunya y a los catalanes (igual que la COPE, claro). Si no es bien recibido, se lo habrá ganado (podría preguntarse porqué muchas personas, sin relación entre ellas, tienen una opinión muy concreta sobre "su obra"). De todas maneras me pregunto si, cuando sale, el teatro se llena por sus críticas a Catalunya o a su obra.. y si es por las críticas (puesto que no se llena por su obra, en Catalunya), debería apuntarse con Rajoy, Zaplana, Acebes, Aznar, Ana Palacios (el grupito de "ha sido ETA"..) y dejar el teatro para los actores.
20051218
Roban una escultura de Henry Moore de dos toneladas
'Figura reclinada', una gigantesca escultura de bronce del artista británico Henry Moore valorada en 4,4 millones de euros, fue robada el jueves de su fundación de Perry Green, en el norte de Londres, informó este sábado la policía.
Dos vehículos entraron al patio del museo y tres hombres, utilizando una grúa, levantaron la estatua de 3,3 metros de largo y 2,1 toneladas de peso para ubicarla en la cama de un camión. El robo fue captado por las cámaras de vigilancia.
Los ladrones podrían utilizar la escultura para venderla como chatarra. En ese caso, la policía cree sólo alcanzarán unos 5.800 euros. "Es una obra muy valiosa y trabajamos junto a la Fundación para intentar recobrarla", dijo el detective Graeme Smith, de la policía de Hertfordshire.
Moore, quien murió en 1986 a la edad de 88 años, fue considerado el mejor escultor británico del siglo XX. Durante la Segunda Guerra Mundial se mudó a Perry Green, donde vivió con su familia hasta el fin de sus días.
Dos vehículos entraron al patio del museo y tres hombres, utilizando una grúa, levantaron la estatua de 3,3 metros de largo y 2,1 toneladas de peso para ubicarla en la cama de un camión. El robo fue captado por las cámaras de vigilancia.
Los ladrones podrían utilizar la escultura para venderla como chatarra. En ese caso, la policía cree sólo alcanzarán unos 5.800 euros. "Es una obra muy valiosa y trabajamos junto a la Fundación para intentar recobrarla", dijo el detective Graeme Smith, de la policía de Hertfordshire.
Moore, quien murió en 1986 a la edad de 88 años, fue considerado el mejor escultor británico del siglo XX. Durante la Segunda Guerra Mundial se mudó a Perry Green, donde vivió con su familia hasta el fin de sus días.
20051216
Artículos diversos de Beatles
Diversos artículos de Beatles.
El enlace de una reclamación (por derechos de autor, impagados) a EMI. Más abajo (del link), otros artículos relacionados.
El enlace de una reclamación (por derechos de autor, impagados) a EMI. Más abajo (del link), otros artículos relacionados.
20051215
Justicia condena a Sony Music por discriminación
"Justicia condena a Sony Music por discriminación": condena a Sony por el uso de derechos de autor (publicación de una canción con letra ofensiva).
Por lo menos, la noticia es curiosa.
Por lo menos, la noticia es curiosa.
20051213
Una niña publica un libro de consejos para hijos de divorciados
Una niña británica de 10 años publicará próximamente un libro de consejos a los niños para ayudarles a vivir mejor el divorcio de sus padres, informaron el viernes fuentes de su editorial en Escocia.
La pequeña Libby Rees tenía nueve años cuando escribió el libro, titulado 'Ayuda, esperanza y felicidad', que será publicado de aquí a finales de diciembre por la editorial Aultbea Publishing, en Inverness.
En 60 páginas, ella explica los trucos que pueden ayudar a los niños a llevar mejor el divorcio de sus padres, basándose en su propia experiencia, ya que sus padres se separaron cuando ella tenía seis años.
Sus consejos están llenos de sentido común. Recomienda "encontrar tiempo a solas para ver una película o leer un libro" para pensar en otras cosas, "apuntarse a una actividad", hacer deporte e intentar "pensar de forma positiva", porque, según ella, "incluso en las peores situaciones siempre es posible encontrar algo bueno".
Charles Faulkner, que dirige Aultbea Publishing, precisó que Libby era su autora más joven. "Es absolutamente excepcional para alguien tan joven poder poner esas ideas por escrito", afirmó.
La editorial, subrayando su "increíble talento", le ha pedido ya otros dos libros.
La pequeña Libby Rees tenía nueve años cuando escribió el libro, titulado 'Ayuda, esperanza y felicidad', que será publicado de aquí a finales de diciembre por la editorial Aultbea Publishing, en Inverness.
En 60 páginas, ella explica los trucos que pueden ayudar a los niños a llevar mejor el divorcio de sus padres, basándose en su propia experiencia, ya que sus padres se separaron cuando ella tenía seis años.
Sus consejos están llenos de sentido común. Recomienda "encontrar tiempo a solas para ver una película o leer un libro" para pensar en otras cosas, "apuntarse a una actividad", hacer deporte e intentar "pensar de forma positiva", porque, según ella, "incluso en las peores situaciones siempre es posible encontrar algo bueno".
Charles Faulkner, que dirige Aultbea Publishing, precisó que Libby era su autora más joven. "Es absolutamente excepcional para alguien tan joven poder poner esas ideas por escrito", afirmó.
La editorial, subrayando su "increíble talento", le ha pedido ya otros dos libros.
Una niña publica un libro de consejos para hijos de divorciados
Una niña británica de 10 años publicará próximamente un libro de consejos a los niños para ayudarles a vivir mejor el divorcio de sus padres, informaron el viernes fuentes de su editorial en Escocia.
La pequeña Libby Rees tenía nueve años cuando escribió el libro, titulado 'Ayuda, esperanza y felicidad', que será publicado de aquí a finales de diciembre por la editorial Aultbea Publishing, en Inverness.
En 60 páginas, ella explica los trucos que pueden ayudar a los niños a llevar mejor el divorcio de sus padres, basándose en su propia experiencia, ya que sus padres se separaron cuando ella tenía seis años.
Sus consejos están llenos de sentido común. Recomienda "encontrar tiempo a solas para ver una película o leer un libro" para pensar en otras cosas, "apuntarse a una actividad", hacer deporte e intentar "pensar de forma positiva", porque, según ella, "incluso en las peores situaciones siempre es posible encontrar algo bueno".
Charles Faulkner, que dirige Aultbea Publishing, precisó que Libby era su autora más joven. "Es absolutamente excepcional para alguien tan joven poder poner esas ideas por escrito", afirmó.
La editorial, subrayando su "increíble talento", le ha pedido ya otros dos libros.
La pequeña Libby Rees tenía nueve años cuando escribió el libro, titulado 'Ayuda, esperanza y felicidad', que será publicado de aquí a finales de diciembre por la editorial Aultbea Publishing, en Inverness.
En 60 páginas, ella explica los trucos que pueden ayudar a los niños a llevar mejor el divorcio de sus padres, basándose en su propia experiencia, ya que sus padres se separaron cuando ella tenía seis años.
Sus consejos están llenos de sentido común. Recomienda "encontrar tiempo a solas para ver una película o leer un libro" para pensar en otras cosas, "apuntarse a una actividad", hacer deporte e intentar "pensar de forma positiva", porque, según ella, "incluso en las peores situaciones siempre es posible encontrar algo bueno".
Charles Faulkner, que dirige Aultbea Publishing, precisó que Libby era su autora más joven. "Es absolutamente excepcional para alguien tan joven poder poner esas ideas por escrito", afirmó.
La editorial, subrayando su "increíble talento", le ha pedido ya otros dos libros.
20051209
Los museos estatales amplían su oferta y horarios en Navidad
Los museos estatales amplían su oferta y horarios en Navidad. Entre los días 13 de diciembre de 2005 y el 8 de enero de 2006, proponen actividades culturales y de ocio en horarios especiales. Así se facilitará a todo tipo de público el disfrute de conciertos, belenes, exposiciones temporales, actividades infantiles, recitales y otras actividades.
Al mismo tiempo, se inicia una actividad que tendrá continuidad a lo largo de todo el año 2006 y en años sucesivos, denominada 'Tiempo de música en los museos'. Con esta iniciativa se propone un acercamiento distinto a estas instituciones mediante la celebración de conciertos especiales, ambientación musical en las salas y otras actividades relacionadas con este arte, con el fin de que el público realice su visita en un contexto diferente.
Los museos de la Dirección General de Bellas Artes y Bienes Culturales del Ministerio de Cultura quieren contribuir a mejorar la oferta cultural durante estas fechas y dar mayor difusión a las colecciones que custodian.
Al mismo tiempo, se inicia una actividad que tendrá continuidad a lo largo de todo el año 2006 y en años sucesivos, denominada 'Tiempo de música en los museos'. Con esta iniciativa se propone un acercamiento distinto a estas instituciones mediante la celebración de conciertos especiales, ambientación musical en las salas y otras actividades relacionadas con este arte, con el fin de que el público realice su visita en un contexto diferente.
Los museos de la Dirección General de Bellas Artes y Bienes Culturales del Ministerio de Cultura quieren contribuir a mejorar la oferta cultural durante estas fechas y dar mayor difusión a las colecciones que custodian.
20051207
Angel Pavlovsky estrena hoy en Madrid 'Hoy, siempre, todavía...!', donde recupera "el afán de jugar" con el público
Angel Pavlovsky recupera el afán de jugar con el público en su nuevo montaje, 'Hoy, siempre, todavía...!, que estará en el Teatro Fernando de Rojas de Madrid desde hoy y hasta el próximo día 13. Un espectáculo en el que 'La Pavlovsky', la rubia alter ego del artista, abandona la estética de cabaret y canta y habla sin pelos en la lengua de temas como la guerra, el hambre o los malos tratos.
'Hoy, siempre, todavía...!', que se estrenó en el Teatro Borrás de Barcelona en julio, es una obra aparentemente sencilla, pero que tiene complejidades que sólo Pavlovsky conoce.
En él, evita toda referencia al cabaret, con una puesta en escena sobria. Luces, las justas. Pero donde se da mucha importancia a la música, con varios temas de Tom Lederer, en la voz de 'La Pavlovsky', que estará acompañada de los pianistas Joan Aymerich y Bárbara Granados.
Canciones que mezclan amor y humor y que hablan de la situación mundial, muchas de ellas con mucho más sentido ahora que en los años 50, cuando se escribieron. "Nos podemos reír hablando de esa realidad", dice Pavlosvky.
'Hoy, siempre, todavía...!', que se estrenó en el Teatro Borrás de Barcelona en julio, es una obra aparentemente sencilla, pero que tiene complejidades que sólo Pavlovsky conoce.
En él, evita toda referencia al cabaret, con una puesta en escena sobria. Luces, las justas. Pero donde se da mucha importancia a la música, con varios temas de Tom Lederer, en la voz de 'La Pavlovsky', que estará acompañada de los pianistas Joan Aymerich y Bárbara Granados.
Canciones que mezclan amor y humor y que hablan de la situación mundial, muchas de ellas con mucho más sentido ahora que en los años 50, cuando se escribieron. "Nos podemos reír hablando de esa realidad", dice Pavlosvky.
20051205
El cubano Alberto Acosta-Pérez gana el XIII Premio de Narraciones Breves Alberto Lista con 'Pronóstico reservado'
El escritor Alberto Acosta-Pérez (Cuba, 1957) se ha proclamado vencedor del XIII Premio de Narraciones Breves Alberto Lista, que convoca anualmente la Fundación El Monte, con la obra 'Pronóstico reservado'.
En un comunicado remitido a Europa Press, la Fundación El Monte informó de que el Premio de Narraciones Breves Alberto Lista está dotado con un premio de 6.000 euros más la publicación de la obra.
Asimismo, señaló que el jurado, que estuvo compuesto por Rosa Regás, Alberto González Troyano, Andrés Soria Olmedo, Ignacio F. Garmendia, Miguel Sánchez Robles y Antonio Cáceres Salazar como secretario, tomó la decisión "por unanimidad".
Por último, apuntó que en la presente edición se han recibido 1.280 trabajos, lo que supone un incremento de más de 100 relatos en comparación con los recibidos en 2004.
El origen de los relatos nacionales procede, esencialmente, de Madrid, Cataluña y Andalucía, mientras que entre los trabajos internacionales destacan las narraciones enviadas desde Argentina, Cuba, Uruguay, México, Colombia o Chile. En la zona europea han participado escritores de Alemania, Francia, Italia, Irlanda y Austria, entre otros.
En un comunicado remitido a Europa Press, la Fundación El Monte informó de que el Premio de Narraciones Breves Alberto Lista está dotado con un premio de 6.000 euros más la publicación de la obra.
Asimismo, señaló que el jurado, que estuvo compuesto por Rosa Regás, Alberto González Troyano, Andrés Soria Olmedo, Ignacio F. Garmendia, Miguel Sánchez Robles y Antonio Cáceres Salazar como secretario, tomó la decisión "por unanimidad".
Por último, apuntó que en la presente edición se han recibido 1.280 trabajos, lo que supone un incremento de más de 100 relatos en comparación con los recibidos en 2004.
El origen de los relatos nacionales procede, esencialmente, de Madrid, Cataluña y Andalucía, mientras que entre los trabajos internacionales destacan las narraciones enviadas desde Argentina, Cuba, Uruguay, México, Colombia o Chile. En la zona europea han participado escritores de Alemania, Francia, Italia, Irlanda y Austria, entre otros.
20051201
Gomaespuma reivindica el placer de comer "sin prisas" y "sin timos" en su 'Guía de los Michelines'
El dúo Gomaespuma reivindica el placer de comer "sin prisas" y "sin timos" en su 'Guía de los Michelines. Pa' comer bien por to's laos', (Temas de hoy). Un recorrido gastronómico por 60 restaurantes de toda la geografía española, que incluye menús originales y suculentos a precios "razonables".
"Lo que intentamos con esta guía es aconsejar una serie de sitios que a nosotros nos han hecho pasar unos ratos inolvidables sin necesidad de que nos pusieran boca
a bajo para que nos saliera del bolsillo hasta el último céntimo", explican los autores de esta guía, elaborada con la ayuda de su amigo Juan Carlos Orlando "tripero por naturaleza" que aprovecha sus ratos libres para ir a buenos restaurantes y probar sus cartas.
Juan Carlos explica que la idea era sencilla: dar las opiniones de un amateur que escribe "desde la barriga" sobre las horas de goce y disfrute compartidas en los diversos restaurantes. El resultado es todo un muestrario de cocinas ya sea regionales, clásicas o vanguardistas, pero con un denominador común: no dejar a nadie indiferente y ofrecer precios que oscilan desde 10 euros por persona hasta los 60.
ESTETICA O CALIDAD
"Es una guía fundamental para disfrutar de las materias primas, todas mimadas y cuidadas", apunta Juan Carlos, quien piensa que en España se está creando una "desafortunada moda", que valora más la estética del restaurante que la calidad de su cocina.
Del cocido montañés al foie sobre lecho de manzana; del pescaito frito al rape con almejas y de las natillas caseras al bizcocho de té verde, este libro pretende ser un "inversión" para todos aquellos que gustan de disfrutar de una buena sobremesa y mantener en su sitio los preciados michelines. "En esta guía se encuentra desde el típico garito de puerto donde se come los mejores berberechos de Galicia, pasando por auténticos restaurantes extranjeros en Madrid que deleitan con platos elaborados por manos expertas, hasta la cocina más moderna", argumentan.
"Damos fe de que hemos estado en todos los restaurantes que recomendamos", confesó a Europa Press Juan Luis Cano en la cocina de la Residencia de Estudiantes donde presentaron el libro y desde donde recomendó acercarse a los restaurantes seleccionados ya sea "una vez a la semana, una vez al mes o una vez al año" dependiendo de los bolsillos.
ÍNDICE POR TEMAS
Tras clasificar los restaurantes por comunidades autónomas y por especialidades, los autores también presentan un 'Indice por temas' que incluye 'Las mejores bodegas', los bares 'de tapeo', restaurantes 'sin carta', bares con precios que no superan los 35 euros; otros para 'darse un capricho'; sitios que ofrecen 'Los mejores postres; 'lugares con encanto' o restaurantes 'originales'.
Junto a una breve explicación de la historia del restaurante o de sus dueños, este dúo humorístico que también tiene un programa en la radio con el título del libro y una sección en su web, incluye una selección de platos, postres y bebidas para que el lector sepa dónde se va a meter."A lo mejor este libro no desbancará a la Guía Michelín pero lo que es cierto es se convertirá en parte de la colección personal de muchos comelones", argumentan sus autores.
"Lo que intentamos con esta guía es aconsejar una serie de sitios que a nosotros nos han hecho pasar unos ratos inolvidables sin necesidad de que nos pusieran boca
a bajo para que nos saliera del bolsillo hasta el último céntimo", explican los autores de esta guía, elaborada con la ayuda de su amigo Juan Carlos Orlando "tripero por naturaleza" que aprovecha sus ratos libres para ir a buenos restaurantes y probar sus cartas.
Juan Carlos explica que la idea era sencilla: dar las opiniones de un amateur que escribe "desde la barriga" sobre las horas de goce y disfrute compartidas en los diversos restaurantes. El resultado es todo un muestrario de cocinas ya sea regionales, clásicas o vanguardistas, pero con un denominador común: no dejar a nadie indiferente y ofrecer precios que oscilan desde 10 euros por persona hasta los 60.
ESTETICA O CALIDAD
"Es una guía fundamental para disfrutar de las materias primas, todas mimadas y cuidadas", apunta Juan Carlos, quien piensa que en España se está creando una "desafortunada moda", que valora más la estética del restaurante que la calidad de su cocina.
Del cocido montañés al foie sobre lecho de manzana; del pescaito frito al rape con almejas y de las natillas caseras al bizcocho de té verde, este libro pretende ser un "inversión" para todos aquellos que gustan de disfrutar de una buena sobremesa y mantener en su sitio los preciados michelines. "En esta guía se encuentra desde el típico garito de puerto donde se come los mejores berberechos de Galicia, pasando por auténticos restaurantes extranjeros en Madrid que deleitan con platos elaborados por manos expertas, hasta la cocina más moderna", argumentan.
"Damos fe de que hemos estado en todos los restaurantes que recomendamos", confesó a Europa Press Juan Luis Cano en la cocina de la Residencia de Estudiantes donde presentaron el libro y desde donde recomendó acercarse a los restaurantes seleccionados ya sea "una vez a la semana, una vez al mes o una vez al año" dependiendo de los bolsillos.
ÍNDICE POR TEMAS
Tras clasificar los restaurantes por comunidades autónomas y por especialidades, los autores también presentan un 'Indice por temas' que incluye 'Las mejores bodegas', los bares 'de tapeo', restaurantes 'sin carta', bares con precios que no superan los 35 euros; otros para 'darse un capricho'; sitios que ofrecen 'Los mejores postres; 'lugares con encanto' o restaurantes 'originales'.
Junto a una breve explicación de la historia del restaurante o de sus dueños, este dúo humorístico que también tiene un programa en la radio con el título del libro y una sección en su web, incluye una selección de platos, postres y bebidas para que el lector sepa dónde se va a meter."A lo mejor este libro no desbancará a la Guía Michelín pero lo que es cierto es se convertirá en parte de la colección personal de muchos comelones", argumentan sus autores.
20051124
Vacas multicolores invaden Ciudad de México
La Ciudad de México se verá invadida desde este jueves por 200 vacas de acrílico que fueron 'intervenidas' por diversos artistas plásticos, en una peculiar y colorida muestra de arte urbano patrocinada por una empresa lechera del país.
La estampida de rumiantes iniciará en la sede del Museo nacional de Antropología, desde donde se distribuirán las modernas esculturas a las principales zonas de la capital mexicana, informó en un comunicado la empresa Lala.
La ciudad de México es la sede número 33 del llamado 'CowParade', un evento que inició en Zurich, Suiza, en 1998.
"Listas para pastar, arrebatar y divertir en la ciudad más grande del mundo", las 200 vacas fueron intervenidas por pintores, caricaturistas, diseñadores y arquitectos mexicanos, para acercar el arte al gran público urbano, agregó la firma.
La estampida de rumiantes iniciará en la sede del Museo nacional de Antropología, desde donde se distribuirán las modernas esculturas a las principales zonas de la capital mexicana, informó en un comunicado la empresa Lala.
La ciudad de México es la sede número 33 del llamado 'CowParade', un evento que inició en Zurich, Suiza, en 1998.
"Listas para pastar, arrebatar y divertir en la ciudad más grande del mundo", las 200 vacas fueron intervenidas por pintores, caricaturistas, diseñadores y arquitectos mexicanos, para acercar el arte al gran público urbano, agregó la firma.
20051120
El escritor alicantino Jaume Ortolà gana el premio de traducción Vidal Alcover de Tarragona con un proyecto sobre Fausto
El escritor de Benissa (Alicante) Jaume Ortolà Font ha ganado la sexta edición del premio de traducción Vidal Alcover, uno de los galardones del cartel de los Premis Literaris Ciutat de Tarragona, que convoca este Ayuntamiento catalán, Òmnium Cultural del Tarragonès y Centre de Normalització Lingüística de Tarragona, informaron fuentes de la organización.
Ortolà ha obtenido el premio con su proyecto de traducción de Fausto (primera parte), de Goethe.
El jurado acordó conceder el premio a este proyecto "por la importancia de la obra, por la calidad de la traducción de la muestra presentada, porque Fausto es una obra cabecera de la literatura alemana y porque la única traducción existente de esta obra en nuestra lengua (de Josep Lleonart) es arcaica".
El traductor del proyecto premiado recibierá el 25 por ciento del importante total del premio en el momento de su concesión, mientras que recibirá otro 25 por ciento una vez la traducción esté lista".
Respecto al 50 por ciento restante, el Ayuntamiento acordará con el traductor el plazo del pago, cuando tendrá que justificar por escrito que ha elaborado ya como mínimo la mitad de la faena a realizar".
Además, esta obra será editada por Columna Edicions.
La lectura del veredicto y la concesión del premio tuvo lugar en el transcurso de 'La Nit dels Premis' que se celebró esta noche en el restaurante Fortí de la Reina de Tarragona.
Ortolà ha obtenido el premio con su proyecto de traducción de Fausto (primera parte), de Goethe.
El jurado acordó conceder el premio a este proyecto "por la importancia de la obra, por la calidad de la traducción de la muestra presentada, porque Fausto es una obra cabecera de la literatura alemana y porque la única traducción existente de esta obra en nuestra lengua (de Josep Lleonart) es arcaica".
El traductor del proyecto premiado recibierá el 25 por ciento del importante total del premio en el momento de su concesión, mientras que recibirá otro 25 por ciento una vez la traducción esté lista".
Respecto al 50 por ciento restante, el Ayuntamiento acordará con el traductor el plazo del pago, cuando tendrá que justificar por escrito que ha elaborado ya como mínimo la mitad de la faena a realizar".
Además, esta obra será editada por Columna Edicions.
La lectura del veredicto y la concesión del premio tuvo lugar en el transcurso de 'La Nit dels Premis' que se celebró esta noche en el restaurante Fortí de la Reina de Tarragona.
20051118
Los diez libros más vendidos
Los diez libros más vendidos de la semana en países de las Américas:
ARGENTINA
1.- La ciudad de los herejes - Federico Andahazi
2.- Las crónicas de Narnia II - C. S. Lewis
3.- Las crónicas de Narnia I - C. S. Lewis
4.- Los siete pecados capitales - Fernando Savater
5.- El Código Da Vinci - Dan Brown
6.- Sábado - Ian McEwan
7.- La Historiadora - Elizabeth Kostova
8.- Las intermitencias de la muerte - José Saramago
9.- La Conspiración - Dan Brown
10.- El imperio de los dragones - Massimo Valerio Manfredi
CHILE
1.- Cara y sello de una dinastía - Mónica Echeverría
2.- Historias secretas del fútbol chileno - Juan C.Guarello
3.- La era ochentera - Oscar Contardo, Macarena García
4.- Romance del duende que me escribe las novelas - Hernán Rivera
5.- El hotel de los sueños - Kathryn Harvey
6.- Inteligencia emocional en el liderazgo - Nureya Abarca
7.- La Historiadora - Elizabeth Kostova
8.- Es tiempo de amar - Padre Alberto Hurtado
9.- Adiós, mariquita linda - Pedro Lemebel
10.- Don Quijote de la Mancha - Miguel de Cervantes
COLOMBIA
1.- Mi verdad - Alberto Giraldo
2.- Diccionario Panhispánico - Real Academia
3.- Ursua - William Ospina
4.- Las intermitencias de la muerte - José Saramago
5.- El león, la bruja y el armario - C. S. Lewis
6.- El sobrino del mago - C.S. Lewis
7.- Los Rodríguez Orejuela - Juan Carlos Giraldo
8.- La Historiadora - Elizabeth Kostova
9.- Sin tetas no hay paraíso - Gustavo Bolívar
10.- Holocausto en el silencio - Echeverry, Hanssen
ESTADOS UNIDOS
1.- A Feast for Crows - George R.R. Martin
2.- Light from Heaven - Jan Karon
3.- Penultimate Peril - Lemony Snicket
4.- Predator - Patricia Cornwell
5.- At First Sight - Nicholas Sparks
6.- Camel Club - David Baldacci
7.- Christ the Lord - Anne Rice
8.- Knife of Dreams - Robert Jordan
9.- Eldest: Inheritance, Book II - Christopher Paolini
10.- Harry Potter and the Half-Blood Prince - J.K. Rowling
PARAGUAY
1.- El Zahír - Paulo Coelho
2.- La ciudad de los herejes - Federico Andahazi
3.- Bar del infierno - Alejandro Dolina
4.- La Conspiración - Dan Brown
5.- El Intermediario - John Grisham
6.- Los venenos de la corona - Maurice Druon
7.- La misteriosa llama de la Reina Loana - Umberto Eco
8.- Espejos del tiempo - Brian Weiss
9.- Los siete pecados capitales - Fernando Zavater
10.- Errante en la sombra - Federico Andahazi
URUGUAY
1.- El Zahír - Paulo Coelho
2.- ¡Festejen, uruguayos! - Kid Grajea
3.- Tiempos de tolerancia, tiempos de ira - César di Candia
4.- La isla de la pasión - Laura Restrepo
5.- El mago de Toledo - Mercedes Vigil
6.- El príncipe del azafrán - Hugo Fontana
7.- La mujer justa - Sándor Márai
8.- Locura - Susana Cabrera
9.- El imperio de los dragones - Valerio Manfredi
10.- La canción de Susannah - Stephen King
VENEZUELA
1.- Las claves de Angeles y Demonios - Philippe Darwin
2.- La misteriosa llama de la reina Loana - Umberto Eco
3.- Angeles y demonios - Dan Brown
4.- Ricky B - J.J. Benítez
5.- Los días azules - Fernando Vallejos
6.- La Transformación - Franz Kafka
7.- Atila, el azote de dios - William Dietrich
8.- El Santuario - Anne Rice
9.- Carlos V - Jean Pierre Soisson
10.- Richelieu - Francois Bluche
ARGENTINA
1.- La ciudad de los herejes - Federico Andahazi
2.- Las crónicas de Narnia II - C. S. Lewis
3.- Las crónicas de Narnia I - C. S. Lewis
4.- Los siete pecados capitales - Fernando Savater
5.- El Código Da Vinci - Dan Brown
6.- Sábado - Ian McEwan
7.- La Historiadora - Elizabeth Kostova
8.- Las intermitencias de la muerte - José Saramago
9.- La Conspiración - Dan Brown
10.- El imperio de los dragones - Massimo Valerio Manfredi
CHILE
1.- Cara y sello de una dinastía - Mónica Echeverría
2.- Historias secretas del fútbol chileno - Juan C.Guarello
3.- La era ochentera - Oscar Contardo, Macarena García
4.- Romance del duende que me escribe las novelas - Hernán Rivera
5.- El hotel de los sueños - Kathryn Harvey
6.- Inteligencia emocional en el liderazgo - Nureya Abarca
7.- La Historiadora - Elizabeth Kostova
8.- Es tiempo de amar - Padre Alberto Hurtado
9.- Adiós, mariquita linda - Pedro Lemebel
10.- Don Quijote de la Mancha - Miguel de Cervantes
COLOMBIA
1.- Mi verdad - Alberto Giraldo
2.- Diccionario Panhispánico - Real Academia
3.- Ursua - William Ospina
4.- Las intermitencias de la muerte - José Saramago
5.- El león, la bruja y el armario - C. S. Lewis
6.- El sobrino del mago - C.S. Lewis
7.- Los Rodríguez Orejuela - Juan Carlos Giraldo
8.- La Historiadora - Elizabeth Kostova
9.- Sin tetas no hay paraíso - Gustavo Bolívar
10.- Holocausto en el silencio - Echeverry, Hanssen
ESTADOS UNIDOS
1.- A Feast for Crows - George R.R. Martin
2.- Light from Heaven - Jan Karon
3.- Penultimate Peril - Lemony Snicket
4.- Predator - Patricia Cornwell
5.- At First Sight - Nicholas Sparks
6.- Camel Club - David Baldacci
7.- Christ the Lord - Anne Rice
8.- Knife of Dreams - Robert Jordan
9.- Eldest: Inheritance, Book II - Christopher Paolini
10.- Harry Potter and the Half-Blood Prince - J.K. Rowling
PARAGUAY
1.- El Zahír - Paulo Coelho
2.- La ciudad de los herejes - Federico Andahazi
3.- Bar del infierno - Alejandro Dolina
4.- La Conspiración - Dan Brown
5.- El Intermediario - John Grisham
6.- Los venenos de la corona - Maurice Druon
7.- La misteriosa llama de la Reina Loana - Umberto Eco
8.- Espejos del tiempo - Brian Weiss
9.- Los siete pecados capitales - Fernando Zavater
10.- Errante en la sombra - Federico Andahazi
URUGUAY
1.- El Zahír - Paulo Coelho
2.- ¡Festejen, uruguayos! - Kid Grajea
3.- Tiempos de tolerancia, tiempos de ira - César di Candia
4.- La isla de la pasión - Laura Restrepo
5.- El mago de Toledo - Mercedes Vigil
6.- El príncipe del azafrán - Hugo Fontana
7.- La mujer justa - Sándor Márai
8.- Locura - Susana Cabrera
9.- El imperio de los dragones - Valerio Manfredi
10.- La canción de Susannah - Stephen King
VENEZUELA
1.- Las claves de Angeles y Demonios - Philippe Darwin
2.- La misteriosa llama de la reina Loana - Umberto Eco
3.- Angeles y demonios - Dan Brown
4.- Ricky B - J.J. Benítez
5.- Los días azules - Fernando Vallejos
6.- La Transformación - Franz Kafka
7.- Atila, el azote de dios - William Dietrich
8.- El Santuario - Anne Rice
9.- Carlos V - Jean Pierre Soisson
10.- Richelieu - Francois Bluche
20051117
La obra de Picasso se dirige a África, su fuente de inspiración
Una selección de los trabajos del maestro malagueño Pablo Picasso harán una excepcional aparición en África, el continente que inspiró sus pinturas revolucionarias pero que nunca visitó.
"Picasso y África" se presentará en dos galerías sudafricanas entre febrero y mayo. Esta es la mayor exposición de este tipo y una de las pocas en ser acogidas en el continente, dijeron los organizadores.
Más de 60 Picassos del Museo Nacional Picasso de París y de su colección familiar se exhibirán junto a los objetos tradicionales del África occidental de los que tantas cosas extrajo para su innovador trabajo.
"Esta no es una mini retrospectiva de Picasso. Decidimos explorar nuevas posibilidades y por primera vez centrarnos en la relación entre África y Picasso", dijo Marilyn Martin, director de colecciones de arte en los museos Iziko de Ciudad del Cabo.
Martin explicó que las líneas audaces y las formas angulosas del arte africano impregnaron el trabajo de Picasso, desde sus dibujos, esculturas y pinturas hasta los trajes que diseñó para el Ballet Ruso.
"Sesenta y una pinturas, dibujos y esculturas desde 1906 hasta 1972 revelan esos momentos en los que Picasso sucumbió al hechizo del continente africano", declaró a Reuters.
Entre ellos hay bocetos en los que se basaron "Las señoritas de Avignon". La imagen de cinco prostitutas en un burdel estableció a Picasso como uno de los grandes del arte moderno.
Otros trabajos son una serie de 11 litografías que siguen el desarrollo del modernismo que Picasso encabezó junto artistas como el francés Henri Matisse y sus desnudos y naturalezas muertas.
EL DÍA EN QUE NACIÓ EL CUBISMO
El extraordinario talento de Picasso fue evidente a una edad temprana. A los ocho años realizó su primera pintura al óleo.
Pero fue su contacto con el arte africano en el París de principios del siglo XX lo que cambiaría el curso del arte moderno.
Durante una de sus muchas visitas a la casa parisina de la escritora estadounidense Gertrude Stein, Matisse le enseñó una estatuilla africana que había comprado en una tienda de antigüedades.
El poeta Max Jacob presenció el impacto que la figura tuvo en el joven Picasso.
"Picasso la sostuvo en sus manos el resto de la noche. A la mañana siguiente cuando llegué al estudio, el suelo estaba cubierto con hojas de papel de dibujar de Ingres", dijo Jacob, según la página web www.africans-art.com.
"En cada hoja había un boceto, casi idéntico: la cara de una mujer con un solo ojo, una nariz demasiado larga que convergía con la boca, un largo de pelo sobre los hombros. El Cubismo nació ese día".
"Picasso y África" se presentará en dos galerías sudafricanas entre febrero y mayo. Esta es la mayor exposición de este tipo y una de las pocas en ser acogidas en el continente, dijeron los organizadores.
Más de 60 Picassos del Museo Nacional Picasso de París y de su colección familiar se exhibirán junto a los objetos tradicionales del África occidental de los que tantas cosas extrajo para su innovador trabajo.
"Esta no es una mini retrospectiva de Picasso. Decidimos explorar nuevas posibilidades y por primera vez centrarnos en la relación entre África y Picasso", dijo Marilyn Martin, director de colecciones de arte en los museos Iziko de Ciudad del Cabo.
Martin explicó que las líneas audaces y las formas angulosas del arte africano impregnaron el trabajo de Picasso, desde sus dibujos, esculturas y pinturas hasta los trajes que diseñó para el Ballet Ruso.
"Sesenta y una pinturas, dibujos y esculturas desde 1906 hasta 1972 revelan esos momentos en los que Picasso sucumbió al hechizo del continente africano", declaró a Reuters.
Entre ellos hay bocetos en los que se basaron "Las señoritas de Avignon". La imagen de cinco prostitutas en un burdel estableció a Picasso como uno de los grandes del arte moderno.
Otros trabajos son una serie de 11 litografías que siguen el desarrollo del modernismo que Picasso encabezó junto artistas como el francés Henri Matisse y sus desnudos y naturalezas muertas.
EL DÍA EN QUE NACIÓ EL CUBISMO
El extraordinario talento de Picasso fue evidente a una edad temprana. A los ocho años realizó su primera pintura al óleo.
Pero fue su contacto con el arte africano en el París de principios del siglo XX lo que cambiaría el curso del arte moderno.
Durante una de sus muchas visitas a la casa parisina de la escritora estadounidense Gertrude Stein, Matisse le enseñó una estatuilla africana que había comprado en una tienda de antigüedades.
El poeta Max Jacob presenció el impacto que la figura tuvo en el joven Picasso.
"Picasso la sostuvo en sus manos el resto de la noche. A la mañana siguiente cuando llegué al estudio, el suelo estaba cubierto con hojas de papel de dibujar de Ingres", dijo Jacob, según la página web www.africans-art.com.
"En cada hoja había un boceto, casi idéntico: la cara de una mujer con un solo ojo, una nariz demasiado larga que convergía con la boca, un largo de pelo sobre los hombros. El Cubismo nació ese día".
20051115
Los artistas Ernesto Casero y José Juan Botella obtienen los Premios Senyera 2005 de Escultura y Pintura
Los autores Ernesto Casero y José Juan Botella son los ganadores de los Premios Senyera 2005 en las categorías de Pintura y Escultura, respectivamente, según informaron hoy fuentes del Ayuntamiento de Valencia. La concejala de Cultura, María José Alcón, presentó hoy las obras galardonadas en un acto celebrado en el Museo Histórico de la ciudad.
Según consta en el acta del jurado, el ganador del Premio Senyera 2005 en su modalidad de pintura ha sido Ernesto
Casero, quien ha presentado la obra 'Rorschach S/N', un acrílico lienzo de 165 por 165 centímetros. Por lo que respecta a la modalidad de escultura, el ganador ha sido José Juan Botella que ha participado en el certamen municipal con una pieza de hierro titulada 'Rompecabezas'.
Tras hacer público el fallo del Jurado, la edil de Cultura recordó que los Premios Senyera apoyan la creación artística de la juventud. Así, explicó que, "desde su primera edición, en 1957, han pretendido alentar el trabajo de los creadores menores de 35 años".
En la presente edición se han presentado un total de 42 trabajos, 30 pinturas y 12 esculturas, algunas de las cuales formarán parte de un exposición organizada por el Consistorio. En cuanto a las obras premiadas, con 7.813 euros, éstas pasarán a formar parte del Patrimonio Artístico del Ayuntamiento de Valencia.
Según consta en el acta del jurado, el ganador del Premio Senyera 2005 en su modalidad de pintura ha sido Ernesto
Casero, quien ha presentado la obra 'Rorschach S/N', un acrílico lienzo de 165 por 165 centímetros. Por lo que respecta a la modalidad de escultura, el ganador ha sido José Juan Botella que ha participado en el certamen municipal con una pieza de hierro titulada 'Rompecabezas'.
Tras hacer público el fallo del Jurado, la edil de Cultura recordó que los Premios Senyera apoyan la creación artística de la juventud. Así, explicó que, "desde su primera edición, en 1957, han pretendido alentar el trabajo de los creadores menores de 35 años".
En la presente edición se han presentado un total de 42 trabajos, 30 pinturas y 12 esculturas, algunas de las cuales formarán parte de un exposición organizada por el Consistorio. En cuanto a las obras premiadas, con 7.813 euros, éstas pasarán a formar parte del Patrimonio Artístico del Ayuntamiento de Valencia.
20051111
Woody Allen, Sara Baras, Carlos Núñez y Tamara Rojo, platos fuertes del Festival del Mil·leni de Barcelona
Woody Allen y su New Orleans Jazz Band, la bailaora Sara Baras, que por primera vez estrenará un espectáculo en Barcelona, el músico Carlos Núñez y la bailarina Tamara Rojo serán los grandes protagonistas del Festival del Mil·leni, que se celebrará en la capital catalana del 21 de diciembre al 22 de febrero.
El certamen, que este año alcanza su séptima edición con un presupuesto de 1,5 millones de euros, mantiene una programación muy variada que abarca los terrenos de la música y la danza con el objetivo de llegar a todos los públicos, según explicó hoy el director del festival, Martín Pérez Lombarte.
Con la voluntad de convertir Mil·leni en un festival de invierno, el certamen "no cuenta con una línea programática definida" para que "todo el mundo pueda tener su concierto", señaló Pérez Lombarte, también responsable de la programación del prestigioso Festival de Cap Roig.
El festival, uno de los "más eclécticos" que se celebran en Catalunya, arrancará con un concierto de Carlos Núñez en el Palau de la Música, espacio donde se celebrarán todos los espectáculos a excepción del de Sara Baras, que por "motivos de visibilidad" tendrá lugar en el Barcelona Teatre Musical (BTM).
Una de las grandes estrellas del festival será Woody Allen, que aterrizará en Barcelona el 28 de diciembre --curiosamente la misma fecha en la que actuó el pasado año en L'Auditori-- junto a su habitual New Orleans Jazz Band. El cineasta, que se define como "un clarinetista amateur" y admite que "si no fuera célebre la gente no habría venido nunca a mis conciertos".
La presencia de Allen en el festival ha supuesto un esfuerzo muy importante para la organización, ya que "su caché es muy superior a lo que se pueda recaudar en taquilla aún vendiendo todas las localidades", pero "nos hace mucha ilusión que pueda estar aquí", aseguró Pérez Lombarte.
Otra de las citas ineludibles será el nuevo espectáculo de la gaditana Sara Baras, que por primera vez presentará un montaje en Barcelona, ya que suele estrenar en Madrid o en su tierra natal.
'Sabores', que se podrá ver en el BTM del 25 al 29 de enero tras su estreno a nivel mundial en París, es un montaje sin guión argumental que recorre los distintos palos flamencos fundiéndose en el colorido del baile.
Tras sus aclamados 'Sensaciones' y 'Sueños', que ha representado por escenarios de todo el mundo, Sara Baras regresa con una tercera parte de la trilogía, con un cuerpo de baile que consta de ocho bailarines y música en directo dirigida por José María Bandera.
El director del festival también destacó la presencia de la balarina Tamara Rojo, premio Príncipe de Asturias de las Artes, que junto a cuatro parejas de baile interpretará distintas piezas, entre ellas el 'Cisne negro' --extracto del tercer acto del 'Lago de los cisnes'-- junto a Maximiliano Guerra.
ESTRELLA Y ENRIQUE MORENTE.
Otro de los atractivos del certamen es Estrella Morente y su padre, Enrique Morente, que aunque actuarán "por separado" permitirán al espectador "ver dos modos tan distintos de interpretar el flamenco", según el director.
El festival también llevará al Palau de la Música a María Dolores Pradera, Georges Moustaki --ambos son un "clásico" del festival--, Tomatito, Natacha Atlas, Ana Belén y Víctor Manuel, que repasarán sus 75 canciones más conocidas. La Escolania de Montserrat también estará presente en el certamen con un concierto de Navidad acompañado del órgano recién restaurado del Palau.
El pianista Michael Nyman, que interpretará varias piezas mientras se proyecta una película, la Dee Dee Bridgewater, una de las cantantes de jazz más reconocidas, y La Locomotora Negra, formación de jazz que ha preparado para el certamen '35mm' en homenaje a las películas que se realizaban en este formato, completarán la programación.
En esta edición volverá a estar presente el gospel, después de que la organización haya podido traer a Barcelona a los American Gospel Singers, "los mejores en su género".
El director del Festival Mil·leni celebró que el Institut de Cultura de Barcelona (ICUB) haya decidido por primera vez apoyar el certamen aunque sea con la "simbólica" cantidad de 5.000 euros.
El festival vendió el año pasado el 78,8% de las localidades que se pusieron a la venta, cerca de 9.000, cifra que la organización del Festival espera igualar en esta edición.
El certamen, que este año alcanza su séptima edición con un presupuesto de 1,5 millones de euros, mantiene una programación muy variada que abarca los terrenos de la música y la danza con el objetivo de llegar a todos los públicos, según explicó hoy el director del festival, Martín Pérez Lombarte.
Con la voluntad de convertir Mil·leni en un festival de invierno, el certamen "no cuenta con una línea programática definida" para que "todo el mundo pueda tener su concierto", señaló Pérez Lombarte, también responsable de la programación del prestigioso Festival de Cap Roig.
El festival, uno de los "más eclécticos" que se celebran en Catalunya, arrancará con un concierto de Carlos Núñez en el Palau de la Música, espacio donde se celebrarán todos los espectáculos a excepción del de Sara Baras, que por "motivos de visibilidad" tendrá lugar en el Barcelona Teatre Musical (BTM).
Una de las grandes estrellas del festival será Woody Allen, que aterrizará en Barcelona el 28 de diciembre --curiosamente la misma fecha en la que actuó el pasado año en L'Auditori-- junto a su habitual New Orleans Jazz Band. El cineasta, que se define como "un clarinetista amateur" y admite que "si no fuera célebre la gente no habría venido nunca a mis conciertos".
La presencia de Allen en el festival ha supuesto un esfuerzo muy importante para la organización, ya que "su caché es muy superior a lo que se pueda recaudar en taquilla aún vendiendo todas las localidades", pero "nos hace mucha ilusión que pueda estar aquí", aseguró Pérez Lombarte.
Otra de las citas ineludibles será el nuevo espectáculo de la gaditana Sara Baras, que por primera vez presentará un montaje en Barcelona, ya que suele estrenar en Madrid o en su tierra natal.
'Sabores', que se podrá ver en el BTM del 25 al 29 de enero tras su estreno a nivel mundial en París, es un montaje sin guión argumental que recorre los distintos palos flamencos fundiéndose en el colorido del baile.
Tras sus aclamados 'Sensaciones' y 'Sueños', que ha representado por escenarios de todo el mundo, Sara Baras regresa con una tercera parte de la trilogía, con un cuerpo de baile que consta de ocho bailarines y música en directo dirigida por José María Bandera.
El director del festival también destacó la presencia de la balarina Tamara Rojo, premio Príncipe de Asturias de las Artes, que junto a cuatro parejas de baile interpretará distintas piezas, entre ellas el 'Cisne negro' --extracto del tercer acto del 'Lago de los cisnes'-- junto a Maximiliano Guerra.
ESTRELLA Y ENRIQUE MORENTE.
Otro de los atractivos del certamen es Estrella Morente y su padre, Enrique Morente, que aunque actuarán "por separado" permitirán al espectador "ver dos modos tan distintos de interpretar el flamenco", según el director.
El festival también llevará al Palau de la Música a María Dolores Pradera, Georges Moustaki --ambos son un "clásico" del festival--, Tomatito, Natacha Atlas, Ana Belén y Víctor Manuel, que repasarán sus 75 canciones más conocidas. La Escolania de Montserrat también estará presente en el certamen con un concierto de Navidad acompañado del órgano recién restaurado del Palau.
El pianista Michael Nyman, que interpretará varias piezas mientras se proyecta una película, la Dee Dee Bridgewater, una de las cantantes de jazz más reconocidas, y La Locomotora Negra, formación de jazz que ha preparado para el certamen '35mm' en homenaje a las películas que se realizaban en este formato, completarán la programación.
En esta edición volverá a estar presente el gospel, después de que la organización haya podido traer a Barcelona a los American Gospel Singers, "los mejores en su género".
El director del Festival Mil·leni celebró que el Institut de Cultura de Barcelona (ICUB) haya decidido por primera vez apoyar el certamen aunque sea con la "simbólica" cantidad de 5.000 euros.
El festival vendió el año pasado el 78,8% de las localidades que se pusieron a la venta, cerca de 9.000, cifra que la organización del Festival espera igualar en esta edición.
20051104
Una exposición recorre trayectoria escultor Agulló de Cocentaina
Una exposición de medio centenar de esculturas de estilos y técnicas diferentes del artista alicantino Vicente Paúl Agulló Sanchis ("Agulló de Cocentaina"), cedidas al Ayuntamiento de esta localidad, podrá contemplarse desde hoy en la sala Finestres del Palau Comtal de la Villa, informaron a Efe fuentes de su familia.
Con esta muestra, que se prolongará un mes, el municipio de Cocentaina rinde un homenaje al escultor Vicente de Paúl Agulló, fallecido en agosto de 1994, que desarrolló la mayor parte de su actividad creativa en su pueblo natal.
La muestra reúne cerca de cuarenta obras que constituyen un itinerario de la evolución artística de Agulló y representan todas las temáticas, estilos y materiales con los que trabajó Agulló durante cerca de cuatro décadas.
El convenio entre la familia Agulló y el Ayuntamiento de Cocentaina establece un periodo de cesión de 8 años, prorrogable por un periodo de un año, aunque ambas partes han manifestado su voluntad de que la obra cedida permanezca en su sede del Palau Comtal por tiempo indefinido.
De hecho, existen planes para una futura ampliación de la muestra para lo cual se están estudiando otras posibles ubicaciones en el citado edificio, según informaron estas mismas fuentes.
La obra de Agulló no quedará necesariamente restringida a su exposición en el Palau Comtal, puesto que el acuerdo entre la familia y el Ayuntamiento prevé la posibilidad de que cualquiera institución pública, ya sea de carácter provincial, autonómico, estatal o europeo, así como las instituciones privadas sin ánimo de lucro que lo soliciten puedan, previo acuerdo con los firmantes del convenio, organizar exposiciones de la mencionada obra, que sería cedida temporalmente a los solicitantes.
Vicente de Paúl Agulló nació en Cocentaina (Alicante), en 1932.
Se formó en la Escuela de Bellas Artes de San Carlos de Valencia y posteriormente en la de San Fernando de Madrid. Tras finalizar sus estudios, que amplió en Roma, viajó por el norte de Africa y por Europa, residiendo durante un año en París.
Obtuvo numerosos galardones, entre ellos, el Premio de la Fundación Roig (1951), el segundo Premio de Pintura en la IV Exposición de Artes Plásticas de Moncada (1953) y el Primer Premio de Escultura de Educación y Descanso de Madrid (1953).
Concurrió a la II Bienal Hispanoamericana de la Habana (Cuba) en 1953, a la VIII Bienal del Deporte en las Bellas Artes en Madrid 1981 y al Primer Encuentro Mundial de las Artes en Pequeño formato de Barcelona (1989).
Con esta muestra, que se prolongará un mes, el municipio de Cocentaina rinde un homenaje al escultor Vicente de Paúl Agulló, fallecido en agosto de 1994, que desarrolló la mayor parte de su actividad creativa en su pueblo natal.
La muestra reúne cerca de cuarenta obras que constituyen un itinerario de la evolución artística de Agulló y representan todas las temáticas, estilos y materiales con los que trabajó Agulló durante cerca de cuatro décadas.
El convenio entre la familia Agulló y el Ayuntamiento de Cocentaina establece un periodo de cesión de 8 años, prorrogable por un periodo de un año, aunque ambas partes han manifestado su voluntad de que la obra cedida permanezca en su sede del Palau Comtal por tiempo indefinido.
De hecho, existen planes para una futura ampliación de la muestra para lo cual se están estudiando otras posibles ubicaciones en el citado edificio, según informaron estas mismas fuentes.
La obra de Agulló no quedará necesariamente restringida a su exposición en el Palau Comtal, puesto que el acuerdo entre la familia y el Ayuntamiento prevé la posibilidad de que cualquiera institución pública, ya sea de carácter provincial, autonómico, estatal o europeo, así como las instituciones privadas sin ánimo de lucro que lo soliciten puedan, previo acuerdo con los firmantes del convenio, organizar exposiciones de la mencionada obra, que sería cedida temporalmente a los solicitantes.
Vicente de Paúl Agulló nació en Cocentaina (Alicante), en 1932.
Se formó en la Escuela de Bellas Artes de San Carlos de Valencia y posteriormente en la de San Fernando de Madrid. Tras finalizar sus estudios, que amplió en Roma, viajó por el norte de Africa y por Europa, residiendo durante un año en París.
Obtuvo numerosos galardones, entre ellos, el Premio de la Fundación Roig (1951), el segundo Premio de Pintura en la IV Exposición de Artes Plásticas de Moncada (1953) y el Primer Premio de Escultura de Educación y Descanso de Madrid (1953).
Concurrió a la II Bienal Hispanoamericana de la Habana (Cuba) en 1953, a la VIII Bienal del Deporte en las Bellas Artes en Madrid 1981 y al Primer Encuentro Mundial de las Artes en Pequeño formato de Barcelona (1989).
20051016
Destacados expertos se reunirán en Madrid para analizar la obra de Ortega y Gasset en el 50 aniversario de su muerte
Destacados expertos se reunirán en Madrid desde el próximo martes hasta el 21 de octubre para analizar la obra de José Ortega y Gasset en el 50 aniversario de su muerte. Este congreso internacional "Ortega medio siglo después 1955-2005. La recepción de su Obra" conmemora además los 75 años de la primera publicación de 'La rebelión de las masas'.
La inauguración tendrá lugar en la Facultad de Filosofía de la Universidad Complutense de Madrid y correrá a cargo del rector Carlos Berzosa; Antonio Garrigues Walker y José Varela Ortega, presidente y vicepresidente de la Fundación Ortega y Gasset, respectivamente; y el decano de la citada Facultad, Juan Manuel Navarro Cordón.
El encuentro investigará la recepción del pensamiento y obra del filósofo en los múltiples aspectos en que éstos se proyectaron sobre la sociedad de su tiempo, así como la repercusión que los mismos han tenido en los años transcurridos desde su fallecimiento.
La Fundación José Ortega y Gasset celebra este congreso en colaboración con la Universidad Complutense y el patrocinio del Santander Central Hispano, Telefónica y la Residencia de Estudiantes. Con él se persigue establecer un balance de todo aquello que permanece vivo de su pensamiento. Cuestiones tales como la quiebra del idealismo y el fin de la filosofía clásica, la búsqueda de otro modelo de razón alternativa o la crisis de la civilización occidental vinculada a la emergencia del fenómeno totalitario ('La Rebelión de las Masas').
EXPERTOS DE TODO EL MUNDO
El congreso contará con la participación de especialistas en la obra de Ortega procedentes de ocho países (Estados Unidos, Alemania, Israel, Francia, Italia, Argentina, Hungría y España) y más de quince universidades, y albergará la presentación del IV tomo de las Obras completas, coeditadas junto con la editorial Taurus, y la presentación de un total de 57 comunicaciones de origen geográfico muy diverso.
Cabe destacar que las obras más importantes de Ortega y Gasset ('Meditaciones del Quijote', 1914; 'La deshumanización del arte', 1925; 'Misión de la universidad', 1930; y 'La rebelión de las masas', 1923) han influido de manera sustancial en la concepción de nuevas generaciones de pensadores y estudiosos de la filosofía: Julián Marías, Paulino Garragorri, Antonio Rodríguez Huéscar, Luis Díez del Corral, José Luis Abellán, Thomas Mermall, Ezequiel Gallo, José Antonio Maravall, José Ferrater Mora, Pedro Cerezo, Thomas Mermall, Javier San Martín, Jaime de Salas y Ezequiel Gallo, entre otros.
La inauguración tendrá lugar en la Facultad de Filosofía de la Universidad Complutense de Madrid y correrá a cargo del rector Carlos Berzosa; Antonio Garrigues Walker y José Varela Ortega, presidente y vicepresidente de la Fundación Ortega y Gasset, respectivamente; y el decano de la citada Facultad, Juan Manuel Navarro Cordón.
El encuentro investigará la recepción del pensamiento y obra del filósofo en los múltiples aspectos en que éstos se proyectaron sobre la sociedad de su tiempo, así como la repercusión que los mismos han tenido en los años transcurridos desde su fallecimiento.
La Fundación José Ortega y Gasset celebra este congreso en colaboración con la Universidad Complutense y el patrocinio del Santander Central Hispano, Telefónica y la Residencia de Estudiantes. Con él se persigue establecer un balance de todo aquello que permanece vivo de su pensamiento. Cuestiones tales como la quiebra del idealismo y el fin de la filosofía clásica, la búsqueda de otro modelo de razón alternativa o la crisis de la civilización occidental vinculada a la emergencia del fenómeno totalitario ('La Rebelión de las Masas').
EXPERTOS DE TODO EL MUNDO
El congreso contará con la participación de especialistas en la obra de Ortega procedentes de ocho países (Estados Unidos, Alemania, Israel, Francia, Italia, Argentina, Hungría y España) y más de quince universidades, y albergará la presentación del IV tomo de las Obras completas, coeditadas junto con la editorial Taurus, y la presentación de un total de 57 comunicaciones de origen geográfico muy diverso.
Cabe destacar que las obras más importantes de Ortega y Gasset ('Meditaciones del Quijote', 1914; 'La deshumanización del arte', 1925; 'Misión de la universidad', 1930; y 'La rebelión de las masas', 1923) han influido de manera sustancial en la concepción de nuevas generaciones de pensadores y estudiosos de la filosofía: Julián Marías, Paulino Garragorri, Antonio Rodríguez Huéscar, Luis Díez del Corral, José Luis Abellán, Thomas Mermall, Ezequiel Gallo, José Antonio Maravall, José Ferrater Mora, Pedro Cerezo, Thomas Mermall, Javier San Martín, Jaime de Salas y Ezequiel Gallo, entre otros.
20051014
En China, Internet crea una nueva generación de estrellas de pop
Yang Chengang era un profesor de música por el día y un cantante en un salón por la noche en la provincia de Hubei, en el centro de China, cuando un día hace tres años un amigo le sugirió que colocara sus canciones en Internet.
En 2005, Yang y su canción, "Ratón ama a ratón", se han convertido en dos de los estribillos más famosos de la escena musical china, sin ayuda de una campaña de márketing, una gira de conciertos o el lanzamiento de un disco.
"Al principio, ponerlas en Internet no tuvo mucho efecto", dijo Yang, de 26 años, cuyo álbum de debut no llegará a las tiendas de discos hasta noviembre.
"Pero entonces el año pasado, un DJ realizó una versión disco de una canción. Era la original, pero con un ritmo más rápido. La puso en la web, y comenzó a sonar en las discotecas", agregó.
El fenómeno ha llevado a Yang a la fama y elevó a un creciente número de cantantes a una notoriedad similar, todo ello apoyado en los 100 millones de usuarios chinos de Internet, la segunda mayor del mundo, y una serie de jóvenes compañías que tratan de aprovechar la tendencia.
"Ratón ama a ratón" ha sido descargado de Internet en mas de 100 millones de ocasiones, según Yang, un hecho que ha llevado a más de 20 compañías de discos a hablar con él para firmar un contrato.
Incluso Vivendi Universal Music, la mayor discográfica del mundo, ha firmado un contrato con el cantante de Internet Dao Lang, dijo Harry Hui, presidente de Universal Music en Asia del Sur.
Un fenómeno similar está sucediendo en otros mercados, como ha puesto de relieve este año la canción "Crazy Frog Axel F", basada en el tono para móviles que imita el sonido de motores de motos, que se ha convertido en un gran éxito en Reino Unido.
En 2005, Yang y su canción, "Ratón ama a ratón", se han convertido en dos de los estribillos más famosos de la escena musical china, sin ayuda de una campaña de márketing, una gira de conciertos o el lanzamiento de un disco.
"Al principio, ponerlas en Internet no tuvo mucho efecto", dijo Yang, de 26 años, cuyo álbum de debut no llegará a las tiendas de discos hasta noviembre.
"Pero entonces el año pasado, un DJ realizó una versión disco de una canción. Era la original, pero con un ritmo más rápido. La puso en la web, y comenzó a sonar en las discotecas", agregó.
El fenómeno ha llevado a Yang a la fama y elevó a un creciente número de cantantes a una notoriedad similar, todo ello apoyado en los 100 millones de usuarios chinos de Internet, la segunda mayor del mundo, y una serie de jóvenes compañías que tratan de aprovechar la tendencia.
"Ratón ama a ratón" ha sido descargado de Internet en mas de 100 millones de ocasiones, según Yang, un hecho que ha llevado a más de 20 compañías de discos a hablar con él para firmar un contrato.
Incluso Vivendi Universal Music, la mayor discográfica del mundo, ha firmado un contrato con el cantante de Internet Dao Lang, dijo Harry Hui, presidente de Universal Music en Asia del Sur.
Un fenómeno similar está sucediendo en otros mercados, como ha puesto de relieve este año la canción "Crazy Frog Axel F", basada en el tono para móviles que imita el sonido de motores de motos, que se ha convertido en un gran éxito en Reino Unido.
20051011
Alaska afirma que Fangoria es un grupo que no pasa de moda
La cantante española Alaska dijo hoy que Fangoria es un grupo que está más allá de las modas y que, aunque tiene un pasado en el terreno musical, se considera una banda del presente.
"Nuestra convicción es que los discos se realizan para el momento y ahí se quedan, y si el público quiere una reedición de éste, o que cantemos algún éxito del pasado como 'Ni tu ni nadie', no va a ser posible, nosotros vivimos el presente", explicó la intérprete en conferencia de prensa.
Añadió que, por ello, uno de sus grandes éxitos de los 80, "A quién le importa", lo interpretan "una vez al año y sólo el día de la marcha por el orgullo gay en España".
De visita en la capital de México, donde este 12 de octubre se presentará en el Salón 21, la cantante puntualizó que lo que los mantiene vigentes en el gusto del público es que siempre han hecho lo que han querido, "sin estar a la expectativa de ver que está de moda".
Nacho Canut y Alaska (Olvido Gara) conforman Fangoria desde 1990, cuando sacaron al mercado su álbum "Salto mortal".
"Nuestra convicción es que los discos se realizan para el momento y ahí se quedan, y si el público quiere una reedición de éste, o que cantemos algún éxito del pasado como 'Ni tu ni nadie', no va a ser posible, nosotros vivimos el presente", explicó la intérprete en conferencia de prensa.
Añadió que, por ello, uno de sus grandes éxitos de los 80, "A quién le importa", lo interpretan "una vez al año y sólo el día de la marcha por el orgullo gay en España".
De visita en la capital de México, donde este 12 de octubre se presentará en el Salón 21, la cantante puntualizó que lo que los mantiene vigentes en el gusto del público es que siempre han hecho lo que han querido, "sin estar a la expectativa de ver que está de moda".
Nacho Canut y Alaska (Olvido Gara) conforman Fangoria desde 1990, cuando sacaron al mercado su álbum "Salto mortal".
20050925
La sala Luz de Gas de Barcelona celebra su décimo aniversario con un concierto de Luz Casal
La sala Luz de Gas de Barcelona celebrará mañana su décimo aniversario con un concierto de la cantante gallega Luz Casal, quien ya inauguró el local con otra actuación hace una década.El local, situado en la calle Muntaner de Barcelona, ha celebrado en sus primeros diez años de existencia unos 5.000 conciertos de música, según fuentes de la sala.
Luz de Gas, que reformó el antiguo local Belle Époque, fue inaugurado el 26 de septiembre de 2005 con una actuación especial de Luz Casal --que había actuado ese año en las fiestas de la Mercè-- y nació con la voluntad de compaginar música en directo y baile.
20050917
Marc Parrot saca a la venta el 3 de octubre su nuevo álbum cantado en catalán
El músico Marc Parrot publicará el próximo 3 de octubre su nuevo álbum, 'Mentider', que está íntegramente cantado en catalán y que abre un nuevo capítulo de su extravagante y polifacética carrera artística, según informó la discográfica Música Global.
Este disco supone la primera vez que el cantante utiliza el catalán para componer y grabar sus canciones y eso ha influido en su forma de trabajarlas.
Como es habitual en Parrot, el artista parte de una idea sobre la que construye letra y música, y esta vez el proceso ha sido mucho más inmediato y ágil. El sonido y el estilo son continuistas respecto a sus anteriores 'Rompecabezas' y 'Dos maletas'.
'Mentider' ha contado con la participación de los músicos que acompañan a Parrot en directo como es el caso del batería Joan Anton Mas, el bajista Marc Prat, el guitarrista Camilo Pérez y el teclista Lluís Cartes.
El álbum, compuesto por diez temas que remiten al universo personal del cantante, ha sido grabado en los estudios Grabaciones Silvestres de Sant Quirze Safaja y la producción ha corrido a cargo del propio Parrot y Joan Anton Mas.
20050903
Aitor Larumbe
Estaba visitando la web del pintor Aitor Larumbe (me gusta ver lo que pintan otras personas.. participar en concursos rápidos y tengo bastantes imágenes de cuadros que he ido coleccionando, de Internet o bien guardadas con scanner..) y tiene en su página un manual.. en el apartado "Consejos": se puede pedir un manual de iniciación a la pintura.. es muy loable que el autor se preocupe por la comprensión y valoración de su obra, y por eso lo destaco. Se escribe un e-mail y se recibe un enlace al manual. Está bien.
20050831
Muere en Francia a los 92 años el pintor catalán Antoni Clavé
El pintor y escultor catalán Antoni Clavé murió hoy a los 92 años en la localidad francesa de Saint-Tropez (Francia) a causa de una insuficiencia respiratoria. El pintor será enterrado el próximo martes en el cementerio parisino de Montparnasse.
Antoni Clavé (Barcelona, 1913), una de las figuras relevantes del arte contemporáneo, inició su formación pictórica en 1926 asistiendo a cursos de Bellas Artes y a los talleres de Ángel Ferran y José Mongrell.
Hasta el inicio de la Guerra Civil diversificó su actividad artística trabajando en pinturas murales, decoración ornamental, diseño publicitario y otras actividades creativas.
Tras la Guerra Civil, Clavé tuvo que exiliarse a París, donde colaboró con las mejores galerías y realizó escenografías para el Ballet de la Opera de París. Cuando murió Franco, Clavé volvió a exponer en España, sobre todo en la Galería Joan Gaspar de Barcelona. En 1996 pudo verse en la capital catalana su última exposición retrospectiva, 'Antoni Clavé en La Pedrera'.
Antoni Clavé pintó en su residencia de Saint-Tropez hasta el final de sus días, a pesar del dolor que padecía por la reciente muerte de su hijo.
Los cuadros, esculturas y grabados de Clavé se exhiben en los principales museos del mundo y han recibido galardones tales como el premio Hallamark (1949), el premio Matarasso en la IV Bienal de Sao Paulo (1957), el premio Unesco y el premio Museo Kamakura de Tokio.
"ARTISTA INTERNACIONAL".
La consellera de Cultura de la Generalitat, Caterina Mieras, lamentó la muerte de Clavé y lo calificó como "uno de los artistas catalanes contemporáneos más internacionales".
Mieras definió a Clavé como "un solitario del arte, una persona sencilla que vivía para el arte", y añadió que con su muerte "hemos perdido un activo muy importante de la cultura catalana".
La consellera ha informado al presidente de la Generalitat del fallecimiento del artista para empezar a preparar los actos de homenaje que le rendirá el Gobierno catalán. Precisamente, una sala del Palau de la Generalitat lleva el nombre de Clavé y exhibe algunas de las obras del artista, que entregó 150 de sus trabajos al fondo de arte de la Generalitat.
Mieras, que ha hecho llegar una carta donde expresa el pésame a su viuda, Madelaine Clavé, recordó que el pintor fue distinguido en 1984 con la Medalla de Oro de la Generalitat.
El texto de decreto de concesión de la Medalla destacaba que Clavé "ha mantenido siempre un manifiesto arraigo e identificación con su país, su gente, y su lengua, reflejados en su obra y en su actuación internacional".
El crítico de arte Arnau Puig, que conoció a Clavé cuando éste se exilió a Francia, calificó al pintor como "uno de los grandes artistas de la pintura catalana". Puig, en declaraciones a Europa Press, destacó que el exilio supuso para el pintor "una nueva oportunidad", al margen de su tarea de ilustrador. "Al llegar a París vio otras posibilidades de creación", señaló.
En este sentido, remarcó que en un primer momento "asumió una línea picassiana", pero más tarde sus trabajos destacaron por "la abstracción y el simbolismo" para finalmente "crear un mundo simbólico propio" que "respondía a sus inquietudes e ideales".
En su opinión, Clavé prefirió no regresar de Francia porque "en Catalunya no se le hacía demasiado caso", a pesar de que había expuesto sus obras en varias ocasiones en la Galería Joan Gaspar de Barcelona, donde hace dos años se realizó "una magnífica exposición de su obra más reciente". Para el crítico, "como todo exiliado político tenía reticencias a volver porque en Francia había encontrado sus ideales".
Puig comentó que, con la muerte de Clavé, "ahora es el momento de abrir una gran exposición" sobre sus obras y aclaró que próximamente "iniciaremos los contactos con la galería Gaspar para organizarla".
LIBRO DE MEMORIAS.
Por su parte, Edicions La Campana editará en octubre un libro de memorias de Clavé basado en largas conversaciones sobre su vida que mantuvo con el periodista y crítico de arte Lluís Permanyer.
Este libro, cuyo título previsto es 'Antoni Clavé es confessa', tiene un gran valor autobiográfico y documenta la vida y la sociedad de su tiempo. Lluís Permanyer entregó el manuscrito en 1991, bajo la condición de que no se publicara hasta después de la muerte del pintor.
Antoni Clavé (Barcelona, 1913), una de las figuras relevantes del arte contemporáneo, inició su formación pictórica en 1926 asistiendo a cursos de Bellas Artes y a los talleres de Ángel Ferran y José Mongrell.
Hasta el inicio de la Guerra Civil diversificó su actividad artística trabajando en pinturas murales, decoración ornamental, diseño publicitario y otras actividades creativas.
Tras la Guerra Civil, Clavé tuvo que exiliarse a París, donde colaboró con las mejores galerías y realizó escenografías para el Ballet de la Opera de París. Cuando murió Franco, Clavé volvió a exponer en España, sobre todo en la Galería Joan Gaspar de Barcelona. En 1996 pudo verse en la capital catalana su última exposición retrospectiva, 'Antoni Clavé en La Pedrera'.
Antoni Clavé pintó en su residencia de Saint-Tropez hasta el final de sus días, a pesar del dolor que padecía por la reciente muerte de su hijo.
Los cuadros, esculturas y grabados de Clavé se exhiben en los principales museos del mundo y han recibido galardones tales como el premio Hallamark (1949), el premio Matarasso en la IV Bienal de Sao Paulo (1957), el premio Unesco y el premio Museo Kamakura de Tokio.
"ARTISTA INTERNACIONAL".
La consellera de Cultura de la Generalitat, Caterina Mieras, lamentó la muerte de Clavé y lo calificó como "uno de los artistas catalanes contemporáneos más internacionales".
Mieras definió a Clavé como "un solitario del arte, una persona sencilla que vivía para el arte", y añadió que con su muerte "hemos perdido un activo muy importante de la cultura catalana".
La consellera ha informado al presidente de la Generalitat del fallecimiento del artista para empezar a preparar los actos de homenaje que le rendirá el Gobierno catalán. Precisamente, una sala del Palau de la Generalitat lleva el nombre de Clavé y exhibe algunas de las obras del artista, que entregó 150 de sus trabajos al fondo de arte de la Generalitat.
Mieras, que ha hecho llegar una carta donde expresa el pésame a su viuda, Madelaine Clavé, recordó que el pintor fue distinguido en 1984 con la Medalla de Oro de la Generalitat.
El texto de decreto de concesión de la Medalla destacaba que Clavé "ha mantenido siempre un manifiesto arraigo e identificación con su país, su gente, y su lengua, reflejados en su obra y en su actuación internacional".
El crítico de arte Arnau Puig, que conoció a Clavé cuando éste se exilió a Francia, calificó al pintor como "uno de los grandes artistas de la pintura catalana". Puig, en declaraciones a Europa Press, destacó que el exilio supuso para el pintor "una nueva oportunidad", al margen de su tarea de ilustrador. "Al llegar a París vio otras posibilidades de creación", señaló.
En este sentido, remarcó que en un primer momento "asumió una línea picassiana", pero más tarde sus trabajos destacaron por "la abstracción y el simbolismo" para finalmente "crear un mundo simbólico propio" que "respondía a sus inquietudes e ideales".
En su opinión, Clavé prefirió no regresar de Francia porque "en Catalunya no se le hacía demasiado caso", a pesar de que había expuesto sus obras en varias ocasiones en la Galería Joan Gaspar de Barcelona, donde hace dos años se realizó "una magnífica exposición de su obra más reciente". Para el crítico, "como todo exiliado político tenía reticencias a volver porque en Francia había encontrado sus ideales".
Puig comentó que, con la muerte de Clavé, "ahora es el momento de abrir una gran exposición" sobre sus obras y aclaró que próximamente "iniciaremos los contactos con la galería Gaspar para organizarla".
LIBRO DE MEMORIAS.
Por su parte, Edicions La Campana editará en octubre un libro de memorias de Clavé basado en largas conversaciones sobre su vida que mantuvo con el periodista y crítico de arte Lluís Permanyer.
Este libro, cuyo título previsto es 'Antoni Clavé es confessa', tiene un gran valor autobiográfico y documenta la vida y la sociedad de su tiempo. Lluís Permanyer entregó el manuscrito en 1991, bajo la condición de que no se publicara hasta después de la muerte del pintor.
20050821
Un año después, el museo Munch sigue recordando 'El grito'
Un año después del espectacular robo del 'El grito' y 'La Madona', el museo Munch de Oslo parece resignarse a la pérdida definitiva de sus dos piezas maestras, pero encuentra consuelo en el aumento del número de visitantes tras su apertura después de unas obras en el edificio.
"Esperamos siempre pero no confiamos demasiado. Las oportunidades de encontrarles disminuyen con el tiempo", declaró a AFP Jorunn Christoffersen, la portavoz del museo huérfano de las dos obras maestras desde el 22 de agosto de 2004.
Ese día, ante los sorprendidos turistas, dos hombres armados y encapuchados irrumpieron en el edificio, anularon a una vigilante, cogieron 'El grito' y 'La Madonna' y hueron en un coche robado conducido por un tercer individuo.
La policía noruega, que hizo de este asunto una prioridad, ha detenido de forma provisional a cinco sospechosos, de los que tres siguen tras las rejas mientras los otros dos fueron liberados.
Estos últimos siguen considerándose sospechosos, pero su papel en el robo se estima menor.
Los cuadros, por su parte, siguen desaparecidos.
"Preveemos nuevas detenciones", afirma Iver Stensrud, inspector encargado de la investigación. "Estamos siempre igual de movilizados (...) pero es verdad que nos gustaría tener más informaciones para reconstruir el puzzle", aseguró a AFP.
El ayuntamiento de Oslo ofreció una recompensa de 2 millones de coronas noruegas (250.000 euros), pero no ha dado resultado.
"Partimos del principio de que muy pocas personas saben dónde están los cuadros y de que se trata de un medio muy cerrado donde la lealtad es muy importante", explicó Stensrud.
En cuanto a los motivos del robo, siguen siendo desconocidos porque las dos obras, cuyo valor total podría aproximarse a los 100 millones de dólares, son demasiado conocidas como para ser vendidas en el mercado.
En ausencia de las dos telas más prestigiosas del museo, la institución ha sacado un cuadro en pastel de 'El grito' y una litografía de 'La Madona'.
Edvard Munch (1863-1944) realizó varias versiones, más o menos acabadas y conseguidas, de ambas obras.
"Esperamos siempre pero no confiamos demasiado. Las oportunidades de encontrarles disminuyen con el tiempo", declaró a AFP Jorunn Christoffersen, la portavoz del museo huérfano de las dos obras maestras desde el 22 de agosto de 2004.
Ese día, ante los sorprendidos turistas, dos hombres armados y encapuchados irrumpieron en el edificio, anularon a una vigilante, cogieron 'El grito' y 'La Madonna' y hueron en un coche robado conducido por un tercer individuo.
La policía noruega, que hizo de este asunto una prioridad, ha detenido de forma provisional a cinco sospechosos, de los que tres siguen tras las rejas mientras los otros dos fueron liberados.
Estos últimos siguen considerándose sospechosos, pero su papel en el robo se estima menor.
Los cuadros, por su parte, siguen desaparecidos.
"Preveemos nuevas detenciones", afirma Iver Stensrud, inspector encargado de la investigación. "Estamos siempre igual de movilizados (...) pero es verdad que nos gustaría tener más informaciones para reconstruir el puzzle", aseguró a AFP.
El ayuntamiento de Oslo ofreció una recompensa de 2 millones de coronas noruegas (250.000 euros), pero no ha dado resultado.
"Partimos del principio de que muy pocas personas saben dónde están los cuadros y de que se trata de un medio muy cerrado donde la lealtad es muy importante", explicó Stensrud.
En cuanto a los motivos del robo, siguen siendo desconocidos porque las dos obras, cuyo valor total podría aproximarse a los 100 millones de dólares, son demasiado conocidas como para ser vendidas en el mercado.
En ausencia de las dos telas más prestigiosas del museo, la institución ha sacado un cuadro en pastel de 'El grito' y una litografía de 'La Madona'.
Edvard Munch (1863-1944) realizó varias versiones, más o menos acabadas y conseguidas, de ambas obras.
20050727
Pintura con acrílicos
PINTURA ACRÍLICA
Se trata de una técnica que emplea los mismos pigmentos usados en óleo o acuarela pero diluidos en un aglutinante acrílico conformado por una resina sintética (hecha a partir de ácido acrílico).
El medio asi resultante es soluble en agua. Su secado es rápido, el acabado mate (menos medio acrílico) o brillante (más medio). Ofrece otras ventajas como añadir más pintura a una superficie ya pintada (incluso con otra técnica), es muy estable, resistente a la oxidación, etc., siendo la técnica que menos problemas tiene de cara a su conservación.
Se puede trabajar sobre cualquier soporte absorbente, directamente o como imprimación en un medio acrílico con blanco de titanio. Permite empastes de mayor resistencia que el óleo, el cual tiende a cuartearse. Esta técnica se asocia al Arte contemporáneo sobre todo desde la década de los cincuenta, principalmente en el ámbito americano del expresionismo abstracto (Pollock, Rothko ... ) y entre los pintores de los valores geométricos y del Pop Art (Warhol, Wesselmann ... ).
VV. AA. Manual de Técnicas artísticas.
Ed. Historia 16; Madrid, 1997. Págs. 177
ACRÍLICOS
Suele denominarse acrílica a cualquier pintura en la que el pigmento esté integrado en una resina sintética. Los artistas emplean el término independientemente de si la resina es verdaderamente acrílica o, por ejemplo, acetato de polivinilo (PVA).
El desarrollo de la pintura acrílica como medio artístico se produjo a consecuencia de un imperativo social. En los años 20, un grupo de pintores mexicanos, en especial José Clemente Orozco (1883-1949), David Alfaro Siqueiros (1896-1974) y Diego Rivera (1886-1957), querían pintar grandes murales para edificios públicos, algunos de ellos en los muros exteriores, expuestos al aire libre. Comprobaron que el óleo no duraría mucho en tales condiciones, y experimentaron con el fresco, pero esto tampoco resultó práctico.
Necesitaban una pintura que se secase rápidamente y permaneciera estable ante los cambios climáticos. En realidad, lo que necesitaban existía ya desde hacía tiempo en el campo industrial, pero nunca se había empleado como vehículo para pigmentos: las resinas plásticas. El plástico moldeado se usaba ya para los utensilios domésticos, y el plexiglás sustituía al vidrio en trenes y aviones. En forma líquida, el plástico se había empleado como agente anticorrosivo.
Así comenzó la investigación en busca de colores de aplicación artística, y esto tuvo que centrarse en el desarrollo de un medio adecuado. Con ciertas variaciones, los pigmentos eran los mismos de siempre; lo único nuevo es el uso de medios polimerizados para aglutinarlos.
La palabra «polímero» se refiere a la unión de moléculas pequeñas e idénticas para formar una molécula más grande, lo cual confiere una gran resistencia a la sustancia así compuesta. Por este procedimiento se desarrollaron dos resinas sintéticas adaptadas como medio artístico: la acrílica y el acetato de polivinilo (PVA).
Las resinas acrílicas se hacen a partir de ácidos acrílicos y metacrílicos. Con las debidas adiciones, se consigue un medio soluble en agua, lo que permite diluir los pigmentos con más medio, con agua, o con una mezcla de los dos, según el acabado que se desee.
Tiene especial importancia el hecho de que la pintura acrílica se seca en cuanto se evapora el agua, y una vez que esto sucede -en cuestión de minutos- ya no tiene lugar ninguna otra acción química. Esto significa que el artista puede añadir más pintura a una superficie completamente sellada; se puede repintar o aplicar veladuras con absoluta seguridad.
Al mismo tiempo, la estructura química confiere a las capas una porosidad que permite una evaporación completa. La investigación indica que la pintura es resistente a la oxidación y a la descomposición química. También es un fuerte adhesivo: cada capa de pintura se pega a la anterior, formando estratos casi indestructibles.
A mediados de los años 30, el taller de Siqueiros en Nueva York estaba experimentando con nuevas fórmulas, estableciendo una estrecha relación entre artistas y científicos. Se realizaron muchas pinturas y murales interesantes, entre ellos algunos para el proyecto WPA (Works Progress Administration). Pero esto era sólo el comienzo.
La experimentación continuó en los EE.UU., y los pintores comenzaron a darse cuenta de que las posibilidades del nuevo medio superaban con mucho las necesidades del mural exterior. Los ensayos tuvieron tanto éxito que parecía que los científicos habían conseguido algo casi totalmente estable. En 1945, nacía en Ciudad de México otro estudio: el Instituto Politécnico Nacional, donde artistas consagrados y estudiantes trabajaban con acrílicos. En las mismas paredes del Instituto se pintaron varios murales interesantes.
En los años 50 ya existían pinturas acrílicas en el mercado (en los EE.UU.), y desempeñaron un papel importante en las técnicas de artistas como Pollock (1912-56), Noland (1929), Rothko (1903-70) y Motherwell (1913). Estos pintores aplicaban los colores de muy diversas formas. Pollock empleaba una gran variedad de veladuras e impasto, a veces colocando el lienzo en el suelo y vertiendo encima la pintura. Nolan construye áreas uniformes de color con contornos definidos, mientras que Rothko manchaba enormes tableros con lavados delgados y transparentes.
Motherwell trabaja también en horizontal, pero suele emplear un estilo directo de pincel, con rasgos fuertes. En Europa, la pintura con acrílicos comenzó más tarde. Durante los años 50 se llevaron a cabo numerosas investigaciones, pidiéndose a muchos artistas -entre ellos Michael Ayrton (1921-76), Peter Blake (1932), Josef Herman (1911), Bridget Riley (1931) y Leonard Rosoman (1912)- que probaran el nuevo material, lo cual hicieron durante varios años. Algunos de los experimentos parecen mapas: cuadrados de diferentes colores, para compararlos, comprobar la velocidad de secado, los cambios de coloración al secarse, etc.
La investigación y la experimentación son procesos lentos, y hasta mediados los años 60 no se dispuso de acrílicos en Europa. Desde entonces, los han empleado innumerables artistas británicos, entre ellos David Hockney (nacido en 1937).
A finales de los 60, ya se podía comprar la otra forma de pintura resinosa sintética, el PVA. Ambos tipos son emulsiones, y se pueden diluir con agua o medios acrílicos. Los dos se secan uniformemente, sin los hundimientos que se producen en las pinturas al óleo, y por lo tanto sin cambios de color o de tono.
La pintura es opaca, pero se puede diluir hasta cualquier grado de transparencia si el artista lo desea. Normalmente, ambos tipos se secan con rapidez, pero se puede usar un retardador para hacer más lento el secado.
SUPERFICIES
Las pinturas acrílicas se adaptan a una gran variedad de superficies, y en las primeras fases del trabajo son más fáciles de usar que cualquiera de los medios tradicionales. Se las puede aplicar sobre casi cualquier soporte absorbente -lienzo, madera, aglomerado, cartón o papel- sin ninguna base aislante entre el soporte y la pintura, aunque suele emplearse un aparejo acrílico.
Existen dos importantes excepciones: las resinas sintéticas, por estar suspendidas en agua, no agarran sobre una base oleosa; también deben evitarse las bases hechas con una emulsión ordinaria, ya que aunque son solubles en agua pueden formar una base incompatible químicamente con los acrílicos.
Lienzos. Todos los tipos, desde la arpillera hasta el lino fino, dan buenos resultados con pinturas acrílicas. No es necesario aplicar una capa de cola -práctica normal con la pintura al óleo- pero si una arpillera tiene una trama muy abierta, es conveniente imprimar con un aparejo o medio acrílico.
Al tensar un lienzo sin imprimar, es importante recordar que el aparejo (o si no se usa aparejo, la pintura) hará contraerse al material, de modo que es mejor dejarlo un poco flojo.
Papel y cartón. Los acrílicos agarran sobre casi cualquier cartón, cartulina o papel fuerte, tanto con imprimación como sin ella. El aparejo puede resultar demasiado pesado para el papel; si no se quiere aplicar la pintura directamente, puede darse una sola capa de medio acrílico.
Es mejor tensar el papel, especialmente si es ligero; de lo contrario, los lavados lo harán ondularse.
Madera. Las tablas de madera son muy buen soporte para los acrílicos. Puede emplearse madera natural, contrachapados y aglomerados. El táblex es un buen soporte pero hay que reforzarlo por detrás para que no se arquee. Si se quiere obtener un acabado liso, hay que usar la cara lisa, pero es mejor lijarla antes e imprimarla.
Metal. Los metales tienen superficies muy lisas, no absorbentes, sin granos que ayuden a retener la pintura. Con óleos, esto es un problema, porque son malos adhesivos, pero los acrílicos funcionan bastante bien sobre metales, especialmente zinc y cobre. Se aconseja lijar antes la superficie y aplicar aparejo.
Murales. Pintar sobre muros de yeso, cemento, piedra o ladrillo, plantea problemas especiales, en lo referente a pintura al aire libre. Sin embargo, los acrílicos aplicados a dichos soportes resisten a los ácidos, bases y humedad en un grado considerable, mucho mejor que el óleo.
Ya hemos dicho que precisamente este problema fue el que llevó a la adopción de las resinas acrílicas para usos artísticos
Los acrílicos son excelentes para murales interiores pintados sobre yeso, porque se secan de un modo mate y uniforme. Los óleos son peores en estas superficies porque algunos colores se secan en mate, mientras que otros quedan brillantes y reflejan la luz. Además, cualquier impasto de óleo sobre yeso se hundirá, cambiando considerablemente de color y tono.
Es conveniente lijar bien el yeso antes de aplicar el aparejo o la pintura. Cuando una pared o tabla no resulta adecuada, por alguna razón, y debe cubrirse con lienzo, la flexibilidad de los acrílicos resiste bastante bien el enrollamiento y desenrollamiento del lienzo.
Imprimación. Cualquier superficie absorbente sin imprimar absorberá el pigmento y se secará con un acabado mate y uniforme. Las superficies imprimadas tienen un ligero brillo, aunque si se desea se puede contrarrestar este efecto mezclando la pintura acrílica con agua.
Es esencial usar un aparejo acrílico: el aparejo corriente no se mezcla con la pintura acrílica. El aparejo acrílico no es más que medio acrílico mezclado con blanco de titanio inerte, pero se puede comprar ya hecho y es barato. Hay que dar dos o tres capas finas, dejando secar antes de aplicar la siguiente.
PINTURAS
El artista que emplea acrílicos por primera vez debe experimentar para descubrir qué tipo es más adecuado para él. Existen sutiles diferencias entre las distintas marcas, como las hay entre las pinturas al óleo. Los colores de PVA son más baratos, pero menos fiables y permanentes. Rowney, Winsor and Newton, Liquitex, Titán y Aquatec ofrecen amplias gamas de colores.
En ellas encontramos los nombres tradicionales -ocre amarillo, sombra natural, rojo de Venecia, azul cobalto o ultramar, etc.- pero también nombres nuevos y extraños, como carmesí naftol, verde de Ftalocianina, azul de indantreno, y púrpura de dioxazina.
Estos pigmentos son el resultado de años de investigación en laboratorios, donde se han producido fórmulas químicas absolutamente nuevas. En especial, Liquitex presenta una impresionante lista de colores nuevos, y cada artista debe decidir si desea añadirlos a su paleta.
Por supuesto, una paleta con muchísimos colores no constituye necesariamente una ventaja, cualquiera que sea el medio empleado. Con doce o quince colores se consigue una variedad infinita de posibilidades, y de hecho, muchos pintores utilizan aún menos colores.
Cada pintor, llegado un cierto momento, determina su gama cromática. La elección reflejará su visión personal a lo largo de los años, y es interesante imaginarse la composición de la paleta de Picasso durante el período rosa, y compararla con la del período azul. Durante varios años, la paleta de Leonard Rosoman contenía los siguientes colores: Blanco, Amarillo limón, Amarillo ocre, Siena natural, Rojo de Venecia, Rojo cadmio, Violeta, Azul cerúleo, Azul cobalto, Verde Hooker, Verde monastral, Verde brillante, Sombra natural, Azul ultramar, Negro.
Hay que tener cuidado con las tapas de los tubos de pintura. El uso constante hace que se deposite pintura en el cuello del tubo, endureciéndose y dificultando el volver a colocar la tapa, con lo cual puede entrar aire en el tubo endureciendo todo el contenido. Esto se puede evitar limpiando el cuello con un trapo suave.
Medios. Las pinturas acrílicas corrientes se secan con un acabado semimate. Si no se les añade agua, tienen un brillo semejante al de la cáscara de un huevo. Los fabricantes hacen varios tipos de medios acrílicos que, añadidos a la pintura, producen diferentes acabados.
Algunos de estos medios dan un acabado muy brillante; otros permiten obtener un acabado mate sin diluir la pintura con agua; y otros hacen la pintura transparente.
Gouache y acrílicos. Rowney fabrica una serie de colores de gouache que se pueden mezclar en la paleta con un medio acrílico, Dan buenos resultados en papel de rollo tensado, y existen muchos colores. La principal diferencia entre éstos y el gouache normal es que se pueden superponer capas de color sin recoger pigmento de las capas inferiores.
EQUIPO
Normalmente, se emplean para los acrílicos los mismos tipos de pinceles y espátulas que para los óleos. Si se van a usar diluidos y en pequeña escala, harán falta pinceles de acuarela, los mejores son de marta.
Con los pinceles usados para acrílicos hay que tener especial cuidado, porque la pintura se seca muy aprisa y queda dura como una piedra. Nada más usarlos, deben lavarse con agua concienzudamente, para que no quede nada de pigmento entre los pelos. El agua caliente disuelve mejor la pintura.
Si la pintura se ha solidificado en un pincel, puede salvarse éste sumergiéndolo en esencias metiladas durante un mínimo de 12 horas, y después quitando la pintura con los dedos. Finalmente, se lava con agua y jabón.
Las paletas, caballetes y tableros de dibujo usados por pintores al óleo y acuarelistas sirven también para pintar con acrílicos. Existen también paletas de plástico, en las que es algo más fácil eliminar la pintura acrílica seca.
TÉCNICAS
Antes de que los acrílicos llegasen a Europa, el arquitecto Basil Spence expresó ante Leonard Rosoman -uno de los pioneros y principales exponentes del medio- su lástima porque los artistas no pudieran experimentar la emoción de trabajar con un nuevo medio, como les había sucedido a los arquitectos.
En el siglo XIX, la introducción del hierro colado tuvo un tremendo impacto sobre el diseño arquitectónico, creándose nuevas formas que antes no eran físicamente posibles. Posteriormente, el hormigón armado tuvo un efecto similar. Es saludable recordar que hasta la aparición de las resinas plásticas, los artistas utilizaron los mismos materiales durante 400 años.
Así como la introducción del óleo hace cuatro siglos abrió un nuevo campo de posibilidades, la naturaleza distinta de los acrílicos ha llevado a la exploración de nuevas técnicas, con la ventaja adicional de que el nuevo medio es químicamente seguro y estable. Cuando aparecieron los primeros colores, los artistas tendían a usarlos del mismo modo que los medios ya existentes. Sin embargo, se ha demostrado que los colores acrílicos tienen características propias y es una pérdida explotarlos a imitación de otros medios.
Los acrílicos tienen ventajas y limitaciones, y es tarea del pintor decidir si puede aprovechar unas a pesar de las otras. Como medio, no tienen nada que ver con los óleos; la sustancia y cuerpo de los colores son más semejantes a los de la acuarela, gouache y temple. Los pintores al temple de Florencia habrían usado acrílicos, pero no los venecianos como Tiziano (1487-90/1576) y Tintoretto (1518-94), que pretendían obtener con el óleo un acabado brillante y reluciente. Los acrílicos tienen una luminosidad y una delicadeza que invita a diluirlos, bien con agua, bien con un medio acrílico.
Empleo de la base. Los acrílicos se prestan a la combinación de colores, aplicados por separado uno sobre el otro, y esto permite aprovechar la base sobre la que se aplica la pintura. Un lienzo blanco puede brillar a través de una capa de rojo de Venecia, por ejemplo, dándole unas calidades que nunca podrían obtenerse pintando encima con blanco. En este aspecto, los acrílicos son muy similares a las acuarelas. Uno de sus principales méritos es la capacidad de hacerse transparentes cuando se mezclan con agua o con medio acrílico.
Veladuras. Las veladuras -capas transparentes de pintura, superpuestas- no sólo son posibles con los acrílicos, sino que revelan uno de los aspectos más atractivos del medio. Son especialmente útiles en las primeras etapas de una obra.
La pintura puede mezclarse con agua o con un medio. Debe hacerse sobre la paleta, con un pincel húmedo o una espátula. Si el color está muy disuelto en agua, hay que añadir algo de medio (mate o brillante), para mantener las propiedades aglutinantes de la pintura.
Color opaco. La pintura acrílica sin diluir tiene una consistencia bastante rígida, aunque esto varía según el color. Sólo unos pocos colores son fáciles de recoger con el pincel sin diluir. En estos casos se pueden aplicar capas de color opaco con pintura no diluida, pero generalmente hay que mezclar la pintura con agua o medio acrílico.
Para obtener zonas lisas de color profundo, con pocas o ninguna huella de pinceladas -como el cielo en el «Tarzán» de Peter Blake- se pueden aplicar varias capas de pintura bastante sólida. El color opaco puede aplicarse con pincel o con espátula.
Rowney fabrica una variante de sus colores «Cryla» normales, llamada Flow Formula. Tiene una calidad más líquida, se adhiere mejor al pincel y es especialmente adecuada para cubrir zonas amplias con color plano y opaco. Otra forma de obtener una superficie muy lisa y uniforme, sin huellas del pincel, es mezclar un «alterador de presión de agua» con el pigmento de la paleta. Esta mezcla y la Flow Formula son ideales para pintura abstracta de contornos marcados; los bordes rectos pueden hacerse pegando cinta adhesiva y pintando sobre ella.
Una combinación de veladuras y color opaco da al cuadro una superficie interesante, con gran variedad de textura. La veladura puede usarse para cubrir partes de una zona opaca, o viceversa, con gran facilidad dada la rapidez de secado.
Pinceladas. Puede obtenerse con acrílicos un acabado con pinceladas visibles, tan fácilmente como con óleos. La pintura debe estar sin diluir o con muy poca agua o medio acrílico. En el «Tarzán» de Peter Blake, la cabeza revela fuertes pinceladas, que crean una superficie viva, en fuerte contraste con el color plano del cielo.
La técnica del pincel seco, familiar para pintores al óleo y acuarelístas -se deja el pincel seco, con las cerdas ligeramente abiertas- da buenos resultados con pintura acrílica, clara o espesa.
Impasto. Los acrílicos son el mejor medio para cualquier tipo de impasto, desde los de texturas sutiles hasta aquéllos en que se ha usado pintura directamente del tubo, como hacen Jackson Pollock, John Bratby (n. 1928) y muchos otros pintores contemporáneos.
Cuando se tratan de conseguir impastos con pintura al óleo, el proceso es largo y complicado: el largo tiempo de secado acarrea problemas, como la acumulación de polvo en la superficie y el agrietamiento de la pintura.
La pintura acrílica aplicada directamente del tubo tardará algo en secarse, pero siempre muchísimo menos que el óleo, y se adherirá firme e instantáneamente al soporte. Se fabrica una pasta de textura especial para impastos.
Se aplica al soporte, se seca muy rápidamente y se puede pintar encima con cualquier tipo de pintura, incluidos los óleos, aunque resulta más eficaz con los acrílicos.
Muchos pintores opinan que los impastos son más eficaces si reflejan el estilo personal de manejar la pintura, y que el uso de una pasta, que no se maneja del mismo modo, es un error.
Pintar sobre pintura húmeda. Los pintores acostumbrados al óleo critican a veces las pinturas acrílicas porque se secan demasiado aprisa. Para aquellos cuyo estilo se basa en trabajar sobre una superficie húmeda, donde pueden raspar o quitar pintura con trementina, la pintura de secado rápido tiene evidentes desventajas.
Sin embargo, puede resolverse el problema, hasta cierto punto, con un retardador, hecho especialmente para mezclarlo con pintura acrílica, en la paleta, con el fin de retardar el proceso de secado.
Dibujo con línea. Una de las propiedades de la pintura acrílica es que se presta muy bien al dibujo con línea, bien como un esbozo previo del diseño, bien como parte de la obra terminada. Hay que diluir la pintura y aplicarla con pinceles blandos de marta.
Muchas de las pinturas acrílicas de Leonard Rosoman tienen un fuerte carácter lineal. Usa líneas agudas y oscuras, y a menudo insiste sobre la imagen varias veces, hasta obtener una acumulación de formas ya secas, que se pueden cubrir con lavados de color diluido, o con más pintura sólida.
Tinción del lienzo. La trama del lienzo puede emplearse como elemento de la obra acabada, si se usa pintura muy diluida con agua sobre un lienzo sin imprimar. La Flow Formula es especialmente indicada para esto. El lienzo en bruto queda teñido por la pintura. Se puede añadir al agua un alterador de presión para conservar la intensidad del color.
Barnizado y limpieza. No es esencial proteger una pintura acrílica con barniz, pero puede que valga la pena hacerlo en murales instalados en lugares públicos.
Debe usarse un barniz acrílico mate, que no refractará la luz, y si es necesario se puede eliminar con aguarrás o trementina.
Es fácil limpiar una pintura sin barnizar, con agua y jabón, ya que el aparejo y la superficie de la pintura son impermeables. Debe usarse una esponja blanda. Una vez limpio, se le debe dar otra pasada con la esponja y agua limpia.
Colin Hayes.- Guía completa de Pintura y dibujo; Técnicas y materiales.
Ed. Herman Blume. Madrid .1978. Págs. 68-79
Se trata de una técnica que emplea los mismos pigmentos usados en óleo o acuarela pero diluidos en un aglutinante acrílico conformado por una resina sintética (hecha a partir de ácido acrílico).
El medio asi resultante es soluble en agua. Su secado es rápido, el acabado mate (menos medio acrílico) o brillante (más medio). Ofrece otras ventajas como añadir más pintura a una superficie ya pintada (incluso con otra técnica), es muy estable, resistente a la oxidación, etc., siendo la técnica que menos problemas tiene de cara a su conservación.
Se puede trabajar sobre cualquier soporte absorbente, directamente o como imprimación en un medio acrílico con blanco de titanio. Permite empastes de mayor resistencia que el óleo, el cual tiende a cuartearse. Esta técnica se asocia al Arte contemporáneo sobre todo desde la década de los cincuenta, principalmente en el ámbito americano del expresionismo abstracto (Pollock, Rothko ... ) y entre los pintores de los valores geométricos y del Pop Art (Warhol, Wesselmann ... ).
VV. AA. Manual de Técnicas artísticas.
Ed. Historia 16; Madrid, 1997. Págs. 177
ACRÍLICOS
Suele denominarse acrílica a cualquier pintura en la que el pigmento esté integrado en una resina sintética. Los artistas emplean el término independientemente de si la resina es verdaderamente acrílica o, por ejemplo, acetato de polivinilo (PVA).
El desarrollo de la pintura acrílica como medio artístico se produjo a consecuencia de un imperativo social. En los años 20, un grupo de pintores mexicanos, en especial José Clemente Orozco (1883-1949), David Alfaro Siqueiros (1896-1974) y Diego Rivera (1886-1957), querían pintar grandes murales para edificios públicos, algunos de ellos en los muros exteriores, expuestos al aire libre. Comprobaron que el óleo no duraría mucho en tales condiciones, y experimentaron con el fresco, pero esto tampoco resultó práctico.
Necesitaban una pintura que se secase rápidamente y permaneciera estable ante los cambios climáticos. En realidad, lo que necesitaban existía ya desde hacía tiempo en el campo industrial, pero nunca se había empleado como vehículo para pigmentos: las resinas plásticas. El plástico moldeado se usaba ya para los utensilios domésticos, y el plexiglás sustituía al vidrio en trenes y aviones. En forma líquida, el plástico se había empleado como agente anticorrosivo.
Así comenzó la investigación en busca de colores de aplicación artística, y esto tuvo que centrarse en el desarrollo de un medio adecuado. Con ciertas variaciones, los pigmentos eran los mismos de siempre; lo único nuevo es el uso de medios polimerizados para aglutinarlos.
La palabra «polímero» se refiere a la unión de moléculas pequeñas e idénticas para formar una molécula más grande, lo cual confiere una gran resistencia a la sustancia así compuesta. Por este procedimiento se desarrollaron dos resinas sintéticas adaptadas como medio artístico: la acrílica y el acetato de polivinilo (PVA).
Las resinas acrílicas se hacen a partir de ácidos acrílicos y metacrílicos. Con las debidas adiciones, se consigue un medio soluble en agua, lo que permite diluir los pigmentos con más medio, con agua, o con una mezcla de los dos, según el acabado que se desee.
Tiene especial importancia el hecho de que la pintura acrílica se seca en cuanto se evapora el agua, y una vez que esto sucede -en cuestión de minutos- ya no tiene lugar ninguna otra acción química. Esto significa que el artista puede añadir más pintura a una superficie completamente sellada; se puede repintar o aplicar veladuras con absoluta seguridad.
Al mismo tiempo, la estructura química confiere a las capas una porosidad que permite una evaporación completa. La investigación indica que la pintura es resistente a la oxidación y a la descomposición química. También es un fuerte adhesivo: cada capa de pintura se pega a la anterior, formando estratos casi indestructibles.
A mediados de los años 30, el taller de Siqueiros en Nueva York estaba experimentando con nuevas fórmulas, estableciendo una estrecha relación entre artistas y científicos. Se realizaron muchas pinturas y murales interesantes, entre ellos algunos para el proyecto WPA (Works Progress Administration). Pero esto era sólo el comienzo.
La experimentación continuó en los EE.UU., y los pintores comenzaron a darse cuenta de que las posibilidades del nuevo medio superaban con mucho las necesidades del mural exterior. Los ensayos tuvieron tanto éxito que parecía que los científicos habían conseguido algo casi totalmente estable. En 1945, nacía en Ciudad de México otro estudio: el Instituto Politécnico Nacional, donde artistas consagrados y estudiantes trabajaban con acrílicos. En las mismas paredes del Instituto se pintaron varios murales interesantes.
En los años 50 ya existían pinturas acrílicas en el mercado (en los EE.UU.), y desempeñaron un papel importante en las técnicas de artistas como Pollock (1912-56), Noland (1929), Rothko (1903-70) y Motherwell (1913). Estos pintores aplicaban los colores de muy diversas formas. Pollock empleaba una gran variedad de veladuras e impasto, a veces colocando el lienzo en el suelo y vertiendo encima la pintura. Nolan construye áreas uniformes de color con contornos definidos, mientras que Rothko manchaba enormes tableros con lavados delgados y transparentes.
Motherwell trabaja también en horizontal, pero suele emplear un estilo directo de pincel, con rasgos fuertes. En Europa, la pintura con acrílicos comenzó más tarde. Durante los años 50 se llevaron a cabo numerosas investigaciones, pidiéndose a muchos artistas -entre ellos Michael Ayrton (1921-76), Peter Blake (1932), Josef Herman (1911), Bridget Riley (1931) y Leonard Rosoman (1912)- que probaran el nuevo material, lo cual hicieron durante varios años. Algunos de los experimentos parecen mapas: cuadrados de diferentes colores, para compararlos, comprobar la velocidad de secado, los cambios de coloración al secarse, etc.
La investigación y la experimentación son procesos lentos, y hasta mediados los años 60 no se dispuso de acrílicos en Europa. Desde entonces, los han empleado innumerables artistas británicos, entre ellos David Hockney (nacido en 1937).
A finales de los 60, ya se podía comprar la otra forma de pintura resinosa sintética, el PVA. Ambos tipos son emulsiones, y se pueden diluir con agua o medios acrílicos. Los dos se secan uniformemente, sin los hundimientos que se producen en las pinturas al óleo, y por lo tanto sin cambios de color o de tono.
La pintura es opaca, pero se puede diluir hasta cualquier grado de transparencia si el artista lo desea. Normalmente, ambos tipos se secan con rapidez, pero se puede usar un retardador para hacer más lento el secado.
SUPERFICIES
Las pinturas acrílicas se adaptan a una gran variedad de superficies, y en las primeras fases del trabajo son más fáciles de usar que cualquiera de los medios tradicionales. Se las puede aplicar sobre casi cualquier soporte absorbente -lienzo, madera, aglomerado, cartón o papel- sin ninguna base aislante entre el soporte y la pintura, aunque suele emplearse un aparejo acrílico.
Existen dos importantes excepciones: las resinas sintéticas, por estar suspendidas en agua, no agarran sobre una base oleosa; también deben evitarse las bases hechas con una emulsión ordinaria, ya que aunque son solubles en agua pueden formar una base incompatible químicamente con los acrílicos.
Lienzos. Todos los tipos, desde la arpillera hasta el lino fino, dan buenos resultados con pinturas acrílicas. No es necesario aplicar una capa de cola -práctica normal con la pintura al óleo- pero si una arpillera tiene una trama muy abierta, es conveniente imprimar con un aparejo o medio acrílico.
Al tensar un lienzo sin imprimar, es importante recordar que el aparejo (o si no se usa aparejo, la pintura) hará contraerse al material, de modo que es mejor dejarlo un poco flojo.
Papel y cartón. Los acrílicos agarran sobre casi cualquier cartón, cartulina o papel fuerte, tanto con imprimación como sin ella. El aparejo puede resultar demasiado pesado para el papel; si no se quiere aplicar la pintura directamente, puede darse una sola capa de medio acrílico.
Es mejor tensar el papel, especialmente si es ligero; de lo contrario, los lavados lo harán ondularse.
Madera. Las tablas de madera son muy buen soporte para los acrílicos. Puede emplearse madera natural, contrachapados y aglomerados. El táblex es un buen soporte pero hay que reforzarlo por detrás para que no se arquee. Si se quiere obtener un acabado liso, hay que usar la cara lisa, pero es mejor lijarla antes e imprimarla.
Metal. Los metales tienen superficies muy lisas, no absorbentes, sin granos que ayuden a retener la pintura. Con óleos, esto es un problema, porque son malos adhesivos, pero los acrílicos funcionan bastante bien sobre metales, especialmente zinc y cobre. Se aconseja lijar antes la superficie y aplicar aparejo.
Murales. Pintar sobre muros de yeso, cemento, piedra o ladrillo, plantea problemas especiales, en lo referente a pintura al aire libre. Sin embargo, los acrílicos aplicados a dichos soportes resisten a los ácidos, bases y humedad en un grado considerable, mucho mejor que el óleo.
Ya hemos dicho que precisamente este problema fue el que llevó a la adopción de las resinas acrílicas para usos artísticos
Los acrílicos son excelentes para murales interiores pintados sobre yeso, porque se secan de un modo mate y uniforme. Los óleos son peores en estas superficies porque algunos colores se secan en mate, mientras que otros quedan brillantes y reflejan la luz. Además, cualquier impasto de óleo sobre yeso se hundirá, cambiando considerablemente de color y tono.
Es conveniente lijar bien el yeso antes de aplicar el aparejo o la pintura. Cuando una pared o tabla no resulta adecuada, por alguna razón, y debe cubrirse con lienzo, la flexibilidad de los acrílicos resiste bastante bien el enrollamiento y desenrollamiento del lienzo.
Imprimación. Cualquier superficie absorbente sin imprimar absorberá el pigmento y se secará con un acabado mate y uniforme. Las superficies imprimadas tienen un ligero brillo, aunque si se desea se puede contrarrestar este efecto mezclando la pintura acrílica con agua.
Es esencial usar un aparejo acrílico: el aparejo corriente no se mezcla con la pintura acrílica. El aparejo acrílico no es más que medio acrílico mezclado con blanco de titanio inerte, pero se puede comprar ya hecho y es barato. Hay que dar dos o tres capas finas, dejando secar antes de aplicar la siguiente.
PINTURAS
El artista que emplea acrílicos por primera vez debe experimentar para descubrir qué tipo es más adecuado para él. Existen sutiles diferencias entre las distintas marcas, como las hay entre las pinturas al óleo. Los colores de PVA son más baratos, pero menos fiables y permanentes. Rowney, Winsor and Newton, Liquitex, Titán y Aquatec ofrecen amplias gamas de colores.
En ellas encontramos los nombres tradicionales -ocre amarillo, sombra natural, rojo de Venecia, azul cobalto o ultramar, etc.- pero también nombres nuevos y extraños, como carmesí naftol, verde de Ftalocianina, azul de indantreno, y púrpura de dioxazina.
Estos pigmentos son el resultado de años de investigación en laboratorios, donde se han producido fórmulas químicas absolutamente nuevas. En especial, Liquitex presenta una impresionante lista de colores nuevos, y cada artista debe decidir si desea añadirlos a su paleta.
Por supuesto, una paleta con muchísimos colores no constituye necesariamente una ventaja, cualquiera que sea el medio empleado. Con doce o quince colores se consigue una variedad infinita de posibilidades, y de hecho, muchos pintores utilizan aún menos colores.
Cada pintor, llegado un cierto momento, determina su gama cromática. La elección reflejará su visión personal a lo largo de los años, y es interesante imaginarse la composición de la paleta de Picasso durante el período rosa, y compararla con la del período azul. Durante varios años, la paleta de Leonard Rosoman contenía los siguientes colores: Blanco, Amarillo limón, Amarillo ocre, Siena natural, Rojo de Venecia, Rojo cadmio, Violeta, Azul cerúleo, Azul cobalto, Verde Hooker, Verde monastral, Verde brillante, Sombra natural, Azul ultramar, Negro.
Hay que tener cuidado con las tapas de los tubos de pintura. El uso constante hace que se deposite pintura en el cuello del tubo, endureciéndose y dificultando el volver a colocar la tapa, con lo cual puede entrar aire en el tubo endureciendo todo el contenido. Esto se puede evitar limpiando el cuello con un trapo suave.
Medios. Las pinturas acrílicas corrientes se secan con un acabado semimate. Si no se les añade agua, tienen un brillo semejante al de la cáscara de un huevo. Los fabricantes hacen varios tipos de medios acrílicos que, añadidos a la pintura, producen diferentes acabados.
Algunos de estos medios dan un acabado muy brillante; otros permiten obtener un acabado mate sin diluir la pintura con agua; y otros hacen la pintura transparente.
Gouache y acrílicos. Rowney fabrica una serie de colores de gouache que se pueden mezclar en la paleta con un medio acrílico, Dan buenos resultados en papel de rollo tensado, y existen muchos colores. La principal diferencia entre éstos y el gouache normal es que se pueden superponer capas de color sin recoger pigmento de las capas inferiores.
EQUIPO
Normalmente, se emplean para los acrílicos los mismos tipos de pinceles y espátulas que para los óleos. Si se van a usar diluidos y en pequeña escala, harán falta pinceles de acuarela, los mejores son de marta.
Con los pinceles usados para acrílicos hay que tener especial cuidado, porque la pintura se seca muy aprisa y queda dura como una piedra. Nada más usarlos, deben lavarse con agua concienzudamente, para que no quede nada de pigmento entre los pelos. El agua caliente disuelve mejor la pintura.
Si la pintura se ha solidificado en un pincel, puede salvarse éste sumergiéndolo en esencias metiladas durante un mínimo de 12 horas, y después quitando la pintura con los dedos. Finalmente, se lava con agua y jabón.
Las paletas, caballetes y tableros de dibujo usados por pintores al óleo y acuarelistas sirven también para pintar con acrílicos. Existen también paletas de plástico, en las que es algo más fácil eliminar la pintura acrílica seca.
TÉCNICAS
Antes de que los acrílicos llegasen a Europa, el arquitecto Basil Spence expresó ante Leonard Rosoman -uno de los pioneros y principales exponentes del medio- su lástima porque los artistas no pudieran experimentar la emoción de trabajar con un nuevo medio, como les había sucedido a los arquitectos.
En el siglo XIX, la introducción del hierro colado tuvo un tremendo impacto sobre el diseño arquitectónico, creándose nuevas formas que antes no eran físicamente posibles. Posteriormente, el hormigón armado tuvo un efecto similar. Es saludable recordar que hasta la aparición de las resinas plásticas, los artistas utilizaron los mismos materiales durante 400 años.
Así como la introducción del óleo hace cuatro siglos abrió un nuevo campo de posibilidades, la naturaleza distinta de los acrílicos ha llevado a la exploración de nuevas técnicas, con la ventaja adicional de que el nuevo medio es químicamente seguro y estable. Cuando aparecieron los primeros colores, los artistas tendían a usarlos del mismo modo que los medios ya existentes. Sin embargo, se ha demostrado que los colores acrílicos tienen características propias y es una pérdida explotarlos a imitación de otros medios.
Los acrílicos tienen ventajas y limitaciones, y es tarea del pintor decidir si puede aprovechar unas a pesar de las otras. Como medio, no tienen nada que ver con los óleos; la sustancia y cuerpo de los colores son más semejantes a los de la acuarela, gouache y temple. Los pintores al temple de Florencia habrían usado acrílicos, pero no los venecianos como Tiziano (1487-90/1576) y Tintoretto (1518-94), que pretendían obtener con el óleo un acabado brillante y reluciente. Los acrílicos tienen una luminosidad y una delicadeza que invita a diluirlos, bien con agua, bien con un medio acrílico.
Empleo de la base. Los acrílicos se prestan a la combinación de colores, aplicados por separado uno sobre el otro, y esto permite aprovechar la base sobre la que se aplica la pintura. Un lienzo blanco puede brillar a través de una capa de rojo de Venecia, por ejemplo, dándole unas calidades que nunca podrían obtenerse pintando encima con blanco. En este aspecto, los acrílicos son muy similares a las acuarelas. Uno de sus principales méritos es la capacidad de hacerse transparentes cuando se mezclan con agua o con medio acrílico.
Veladuras. Las veladuras -capas transparentes de pintura, superpuestas- no sólo son posibles con los acrílicos, sino que revelan uno de los aspectos más atractivos del medio. Son especialmente útiles en las primeras etapas de una obra.
La pintura puede mezclarse con agua o con un medio. Debe hacerse sobre la paleta, con un pincel húmedo o una espátula. Si el color está muy disuelto en agua, hay que añadir algo de medio (mate o brillante), para mantener las propiedades aglutinantes de la pintura.
Color opaco. La pintura acrílica sin diluir tiene una consistencia bastante rígida, aunque esto varía según el color. Sólo unos pocos colores son fáciles de recoger con el pincel sin diluir. En estos casos se pueden aplicar capas de color opaco con pintura no diluida, pero generalmente hay que mezclar la pintura con agua o medio acrílico.
Para obtener zonas lisas de color profundo, con pocas o ninguna huella de pinceladas -como el cielo en el «Tarzán» de Peter Blake- se pueden aplicar varias capas de pintura bastante sólida. El color opaco puede aplicarse con pincel o con espátula.
Rowney fabrica una variante de sus colores «Cryla» normales, llamada Flow Formula. Tiene una calidad más líquida, se adhiere mejor al pincel y es especialmente adecuada para cubrir zonas amplias con color plano y opaco. Otra forma de obtener una superficie muy lisa y uniforme, sin huellas del pincel, es mezclar un «alterador de presión de agua» con el pigmento de la paleta. Esta mezcla y la Flow Formula son ideales para pintura abstracta de contornos marcados; los bordes rectos pueden hacerse pegando cinta adhesiva y pintando sobre ella.
Una combinación de veladuras y color opaco da al cuadro una superficie interesante, con gran variedad de textura. La veladura puede usarse para cubrir partes de una zona opaca, o viceversa, con gran facilidad dada la rapidez de secado.
Pinceladas. Puede obtenerse con acrílicos un acabado con pinceladas visibles, tan fácilmente como con óleos. La pintura debe estar sin diluir o con muy poca agua o medio acrílico. En el «Tarzán» de Peter Blake, la cabeza revela fuertes pinceladas, que crean una superficie viva, en fuerte contraste con el color plano del cielo.
La técnica del pincel seco, familiar para pintores al óleo y acuarelístas -se deja el pincel seco, con las cerdas ligeramente abiertas- da buenos resultados con pintura acrílica, clara o espesa.
Impasto. Los acrílicos son el mejor medio para cualquier tipo de impasto, desde los de texturas sutiles hasta aquéllos en que se ha usado pintura directamente del tubo, como hacen Jackson Pollock, John Bratby (n. 1928) y muchos otros pintores contemporáneos.
Cuando se tratan de conseguir impastos con pintura al óleo, el proceso es largo y complicado: el largo tiempo de secado acarrea problemas, como la acumulación de polvo en la superficie y el agrietamiento de la pintura.
La pintura acrílica aplicada directamente del tubo tardará algo en secarse, pero siempre muchísimo menos que el óleo, y se adherirá firme e instantáneamente al soporte. Se fabrica una pasta de textura especial para impastos.
Se aplica al soporte, se seca muy rápidamente y se puede pintar encima con cualquier tipo de pintura, incluidos los óleos, aunque resulta más eficaz con los acrílicos.
Muchos pintores opinan que los impastos son más eficaces si reflejan el estilo personal de manejar la pintura, y que el uso de una pasta, que no se maneja del mismo modo, es un error.
Pintar sobre pintura húmeda. Los pintores acostumbrados al óleo critican a veces las pinturas acrílicas porque se secan demasiado aprisa. Para aquellos cuyo estilo se basa en trabajar sobre una superficie húmeda, donde pueden raspar o quitar pintura con trementina, la pintura de secado rápido tiene evidentes desventajas.
Sin embargo, puede resolverse el problema, hasta cierto punto, con un retardador, hecho especialmente para mezclarlo con pintura acrílica, en la paleta, con el fin de retardar el proceso de secado.
Dibujo con línea. Una de las propiedades de la pintura acrílica es que se presta muy bien al dibujo con línea, bien como un esbozo previo del diseño, bien como parte de la obra terminada. Hay que diluir la pintura y aplicarla con pinceles blandos de marta.
Muchas de las pinturas acrílicas de Leonard Rosoman tienen un fuerte carácter lineal. Usa líneas agudas y oscuras, y a menudo insiste sobre la imagen varias veces, hasta obtener una acumulación de formas ya secas, que se pueden cubrir con lavados de color diluido, o con más pintura sólida.
Tinción del lienzo. La trama del lienzo puede emplearse como elemento de la obra acabada, si se usa pintura muy diluida con agua sobre un lienzo sin imprimar. La Flow Formula es especialmente indicada para esto. El lienzo en bruto queda teñido por la pintura. Se puede añadir al agua un alterador de presión para conservar la intensidad del color.
Barnizado y limpieza. No es esencial proteger una pintura acrílica con barniz, pero puede que valga la pena hacerlo en murales instalados en lugares públicos.
Debe usarse un barniz acrílico mate, que no refractará la luz, y si es necesario se puede eliminar con aguarrás o trementina.
Es fácil limpiar una pintura sin barnizar, con agua y jabón, ya que el aparejo y la superficie de la pintura son impermeables. Debe usarse una esponja blanda. Una vez limpio, se le debe dar otra pasada con la esponja y agua limpia.
Colin Hayes.- Guía completa de Pintura y dibujo; Técnicas y materiales.
Ed. Herman Blume. Madrid .1978. Págs. 68-79
Pintar con esponja
La pintura con esponja vegetal crea efectos de colores y tonos irregulares sobre la superficie pintada, ofreciendo un aspecto decorativo a la misma. Hay tres técnicas posibles:
1. Pintura a muñequilla: consiste en poner una o más capas decorativas con la esponja.
2. Pintura al secado: aplicable únicamente con pinturas acrílicas. Esta técnica consiste en retirar con la esponja la pintura aún fresca de la capa decorativa.
3. Pintura mixta: este efecto consiste en aplicar, con pistola o spray, una finísima lluvia de pintura sobre la capa del fondo y, como sobreimpresión, la aplicación de otra capa, según la técnica de la pintura a muñequilla.20050726
Introducción, medios auxiliares
Productos de imprimación:
* Gesso Universal Primer: Para conseguir una capa preparatoria de buena adherencia prácticamente para todos los tipos de pintura sobre diferentes superficies. Apropiado para óleo y acrílico.
* Underpainting white (Blanco de fondo): Para realizar fondos de relieve para pintura al óleo.
* Pasta para modelar: Para realizar fondos de relieve para pintura al óleo y pintura acrílica.
* Medio de preparación: Para disminuir la absorción de las superficies. Apropiado para óleo y acrílico.
Disolventes:
* Trementina rectificada: Para disminuir la consistencia de la pintura al óleo y limpiar los utensilios de pintura.
* White Spirit (ligroína): Para disminuir la consistencia de la pintura al óleo y limpiar los utensilios de pintura.
* White Spirit inodoro: Para disminuir la consistencia de la pintura al óleo y limpiar los utensilios de pintura.
Medios:
* Medio para pintar: Para diluir la pintura al óleo.
* Medio para pintar de secado rápido: Para diluir la pintura al óleo y acelerar el secado.
* Medio alquídico: Para diluir la pintura al óleo y acelerar el secado.
* Medio para glasear: Para diluir la pintura al óleo y aumentar su fluidez, especialmente indicado para la técnica de glassis en las últimas capas.
* Trementina veneciana: Para diluir la pintura al óleo y aumentar su fluidez, es el medio de glaseado tradicional para la técnica de glassis.
* Pasta para pintar: Para incrementar la cantidad de pintura sin variar su consistencia. Apropiado para óleo.
* Aglutinante caseína témpera: Para confeccionar témpera de caseína diluible en agua mediante su mezcla con pintura al óleo. ( 1 parte de aglutinante por 1 parte de pintura al óleo).
* Medio para acrílico brillante: Para diluir la pintura acrílica.
* Medio para acrílico mate: Para diluir la pintura acrílica y disminuir el grado de brillo.
* Medio gel: Para diluir la pintura acrílica manteniendo su viscosidad.
* Heavy gel medium: Para conseguir trabajos de pintura acrílica muy pastosos.
* Medio para colores témpera: Para diluir la pintura a la témpera. Mejora la adherencia de la pintura témpera sobre superficies muy absorbentes.
* Goma arábiga: Diluyente para témpera haciendo aumentar su transparencia y elasticidad. También adecuada como medio para acuarela.
Aceites:
* Aceite de linaza purificado: Para reducir la consistencia de la pintura, aumentar su fluidez y difuminar la pincelada. Puede usarse para preparar uno mismo medio para pintar. Apropiado para óleo.
* Aceite de linaza blanqueado: Para reducir la consistencia de la pintura, aumentar su fluidez y difuminar la pincelada. Puede usarse para preparar uno mismo medio para pintar. Apropiado para óleo.
* Aceite de linaza cocido: Para reducir la consistencia de la pintura, aumentar su fluidez y difuminar la pincelada. Acorta el tiempo de secado. Puede usarse para preparar uno mismo medio para pintar. Apropiado para óleo.
* Aceite de adormidera: Para reducir la consistencia de la pintura, aumentar su fluidez y difuminar la pincelada. Puede usarse para preparar uno mismo medio para pintar. Apropiado para óleo.
* Aceite estandolizado: Para reducir la consistencia de la pintura, aumentar su fluidez y difuminar la pincelada. Puede usarse para preparar uno mismo medio para pintar. Medio para glasear tradicional. Apropiado para óleo.
Barnices:
* Barniz de pintura brillante: Barniz de acabado, proporciona un brillo uniforme y protección al cuadro. Apropiado para óleo.
* Barniz de pintura mate: Barniz de acabado, proporciona un brillo satinado uniforme y protege el cuadro. Apropiado para óleo.
* Barniz de retoque: Para proteger provisionalmente los cuadros pintados al óleo y avivar zonas deslucidas o mates.
* Barniz damar brillante: Barniz tradicional de acabado, proporciona un brillo uniforme y protege el cuadro. Apropiado para óleo.
* Barniz damar mate: Barniz tradicional de acabado, proporciona un brillo satinado uniforme y protege el cuadro. Apropiado para óleo.
* Barniz acrílico brillante: Barniz de acabado, proporciona un brillo uniforme y protege el cuadro. Apropiado tanto para pintura al óleo como para pintura acrílica.
* Barniz acrílico mate: Barniz de acabado, proporciona un brillo satinado uniforme y protege el cuadro. Apropiado tanto para pintura al óleo como para pintura acrílica.
* Barniz para acuarela mate: Para proteger dibujos/pinturas.
* Barniz para pasteles al óleo: Protege a prueba de barrido e impermeabiliza las obras de pasteles al óleo y ceras.
* Barniz témpera brillante: Para proteger dibujos/pinturas a la témpera.
* Barniz témpera mate: Para proteger obras a la témpera. Proporciona un brillo satinado.
* Protecting spray: Para proteger dibujos/pinturas a la témpera, a la acuarela y a tinta, por ejemplo.
Fijadores:
* Fijador para pastel: Para mejorar la adherencia de las partículas de pastel blando sobre la superficie.
* Fijador para carboncillo: Para mejorar la adherencia de las partículas de carboncillo, creta y grafito sobre la superficie.
* Fijador concentrado: Para mejorar la adherencia de las partículas de pastel, carboncillo, tiza y grafito sobre la superficie.
Otros productos:
* Secativo Courtrai (claro): Para acortar el tiempo de secado de la pintura al óleo.
* Secativo Harlem (oscuro): Para acortar el tiempo de secado de la pintura al óleo.
* Retardador para acrílico: Para retardar el secado de la pintura acrílica.
* Líquido de enmascarar: Para reservar espacios provisionalmente en dibujos/pinturas con acuarela.
* Hiel de buey: Para desengrasar las superficies de forma que se pueda aplicar mejor una capa de pintura más uniforme.
* Limpiador para manos: Producto de limpieza para las manos sin efectos secundarios. La paleta y los pinceles es preferible limpiarlos con trementina o white spirit.
* Limpiador para acrílico: Para eliminar la pintura acrílica seca de los utensilios de pintura como pinceles y paleta.
* Gesso Universal Primer: Para conseguir una capa preparatoria de buena adherencia prácticamente para todos los tipos de pintura sobre diferentes superficies. Apropiado para óleo y acrílico.
* Underpainting white (Blanco de fondo): Para realizar fondos de relieve para pintura al óleo.
* Pasta para modelar: Para realizar fondos de relieve para pintura al óleo y pintura acrílica.
* Medio de preparación: Para disminuir la absorción de las superficies. Apropiado para óleo y acrílico.
Disolventes:
* Trementina rectificada: Para disminuir la consistencia de la pintura al óleo y limpiar los utensilios de pintura.
* White Spirit (ligroína): Para disminuir la consistencia de la pintura al óleo y limpiar los utensilios de pintura.
* White Spirit inodoro: Para disminuir la consistencia de la pintura al óleo y limpiar los utensilios de pintura.
Medios:
* Medio para pintar: Para diluir la pintura al óleo.
* Medio para pintar de secado rápido: Para diluir la pintura al óleo y acelerar el secado.
* Medio alquídico: Para diluir la pintura al óleo y acelerar el secado.
* Medio para glasear: Para diluir la pintura al óleo y aumentar su fluidez, especialmente indicado para la técnica de glassis en las últimas capas.
* Trementina veneciana: Para diluir la pintura al óleo y aumentar su fluidez, es el medio de glaseado tradicional para la técnica de glassis.
* Pasta para pintar: Para incrementar la cantidad de pintura sin variar su consistencia. Apropiado para óleo.
* Aglutinante caseína témpera: Para confeccionar témpera de caseína diluible en agua mediante su mezcla con pintura al óleo. ( 1 parte de aglutinante por 1 parte de pintura al óleo).
* Medio para acrílico brillante: Para diluir la pintura acrílica.
* Medio para acrílico mate: Para diluir la pintura acrílica y disminuir el grado de brillo.
* Medio gel: Para diluir la pintura acrílica manteniendo su viscosidad.
* Heavy gel medium: Para conseguir trabajos de pintura acrílica muy pastosos.
* Medio para colores témpera: Para diluir la pintura a la témpera. Mejora la adherencia de la pintura témpera sobre superficies muy absorbentes.
* Goma arábiga: Diluyente para témpera haciendo aumentar su transparencia y elasticidad. También adecuada como medio para acuarela.
Aceites:
* Aceite de linaza purificado: Para reducir la consistencia de la pintura, aumentar su fluidez y difuminar la pincelada. Puede usarse para preparar uno mismo medio para pintar. Apropiado para óleo.
* Aceite de linaza blanqueado: Para reducir la consistencia de la pintura, aumentar su fluidez y difuminar la pincelada. Puede usarse para preparar uno mismo medio para pintar. Apropiado para óleo.
* Aceite de linaza cocido: Para reducir la consistencia de la pintura, aumentar su fluidez y difuminar la pincelada. Acorta el tiempo de secado. Puede usarse para preparar uno mismo medio para pintar. Apropiado para óleo.
* Aceite de adormidera: Para reducir la consistencia de la pintura, aumentar su fluidez y difuminar la pincelada. Puede usarse para preparar uno mismo medio para pintar. Apropiado para óleo.
* Aceite estandolizado: Para reducir la consistencia de la pintura, aumentar su fluidez y difuminar la pincelada. Puede usarse para preparar uno mismo medio para pintar. Medio para glasear tradicional. Apropiado para óleo.
Barnices:
* Barniz de pintura brillante: Barniz de acabado, proporciona un brillo uniforme y protección al cuadro. Apropiado para óleo.
* Barniz de pintura mate: Barniz de acabado, proporciona un brillo satinado uniforme y protege el cuadro. Apropiado para óleo.
* Barniz de retoque: Para proteger provisionalmente los cuadros pintados al óleo y avivar zonas deslucidas o mates.
* Barniz damar brillante: Barniz tradicional de acabado, proporciona un brillo uniforme y protege el cuadro. Apropiado para óleo.
* Barniz damar mate: Barniz tradicional de acabado, proporciona un brillo satinado uniforme y protege el cuadro. Apropiado para óleo.
* Barniz acrílico brillante: Barniz de acabado, proporciona un brillo uniforme y protege el cuadro. Apropiado tanto para pintura al óleo como para pintura acrílica.
* Barniz acrílico mate: Barniz de acabado, proporciona un brillo satinado uniforme y protege el cuadro. Apropiado tanto para pintura al óleo como para pintura acrílica.
* Barniz para acuarela mate: Para proteger dibujos/pinturas.
* Barniz para pasteles al óleo: Protege a prueba de barrido e impermeabiliza las obras de pasteles al óleo y ceras.
* Barniz témpera brillante: Para proteger dibujos/pinturas a la témpera.
* Barniz témpera mate: Para proteger obras a la témpera. Proporciona un brillo satinado.
* Protecting spray: Para proteger dibujos/pinturas a la témpera, a la acuarela y a tinta, por ejemplo.
Fijadores:
* Fijador para pastel: Para mejorar la adherencia de las partículas de pastel blando sobre la superficie.
* Fijador para carboncillo: Para mejorar la adherencia de las partículas de carboncillo, creta y grafito sobre la superficie.
* Fijador concentrado: Para mejorar la adherencia de las partículas de pastel, carboncillo, tiza y grafito sobre la superficie.
Otros productos:
* Secativo Courtrai (claro): Para acortar el tiempo de secado de la pintura al óleo.
* Secativo Harlem (oscuro): Para acortar el tiempo de secado de la pintura al óleo.
* Retardador para acrílico: Para retardar el secado de la pintura acrílica.
* Líquido de enmascarar: Para reservar espacios provisionalmente en dibujos/pinturas con acuarela.
* Hiel de buey: Para desengrasar las superficies de forma que se pueda aplicar mejor una capa de pintura más uniforme.
* Limpiador para manos: Producto de limpieza para las manos sin efectos secundarios. La paleta y los pinceles es preferible limpiarlos con trementina o white spirit.
* Limpiador para acrílico: Para eliminar la pintura acrílica seca de los utensilios de pintura como pinceles y paleta.
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